Minimalistische Fotografie: Kunst und Praxis
Author: Denis Dubesset; Susanne Ochs
Date: 2018-07-29T22:00:00+00:00
Keywords: Photography; Subjects & Themes; General
Description: - Einfache Beispiele, klare Texte, minimalistisch aber gehaltvoll Den Bildinhalt auf das Wesentliche zu reduzieren, ist eine der wichtigsten Aufgaben des Fotografen. Eine konsequente Form dieses Ansatzes ist der Minimalismus. Denis Dubesset zeigt, wie man "aus wenig viel macht", wie einfache Kompositionen und einfache Sujets zu stimmungsvollen, starken Bildern führen. Und auch der vom Autor propagierte materielle und technische Aufwand folgt dem Ansatz des Minimalismus: Mit einfachen Mitteln und der Konzentration auf das Wesentliche entstehen überzeugende Ergebnisse. Der Autor zeigt dies mit v
Publisher: dpunkt.verlag GmbH
Rights: Alle Rechte vorbehalten

Denis Dubesset ist ein französischer Fotograf, dessen Vorliebe für die minimalistische Form der Fotografie sich wie ein roter Faden durch sein gesamtes fotografisches Werk zieht, von der Natur- und Landschaftsfotografie bis hin zur Straßen- und Makrofotografie. Der gelernte Kunsthistoriker ist Autor zahlreicher Bücher zu Fotografiethemen, die bereits in mehrere Sprachen übersetzt wurden.

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Denis Dubesset

Minimalistische
Fotografie

Kunst und Praxis

Denis Dubesset

Übersetzung: Susanne Ochs, Heidelberg

Lektorat: Gerhard Rossbach

Projektmanagement: Miriam Metsch

Korrektorat: Alexander Reischert, www.aluan.de

Satz: Ulrich Borstelmann, www.borstelmann.de

Herstellung: Stefanie Weidner

Umschlaggestaltung: Helmut Kraus, www.exclam.de, unter Verwendung eines Bildes des Autors

Druck und Bindung: Druckerei Uhl GmbH & Co. KG, Radolfzell

Bibliografische Information der Deutschen Nationalbibliothek

Die Deutsche Nationalbibliothek verzeichnet diese Publikation in der Deutschen Nationalbibliografie; detaillierte bibliografische Daten sind im Internet über http://dnb.d-nb.de abrufbar.

ISBN:

Print    978-3-86490-557-5

PDF     978-3-96088-590-0
ePub   978-3-96088-591-7
mobi   978-3-96088-592-4

1. Auflage 2018

Translation Copyright für die deutschsprachige Ausgabe © 2018 dpunkt.verlag GmbH

Wieblinger Weg 17

69123 Heidelberg

Original French title: Les secrets de la photo minimaliste © 2017 Groupe Eyrolles, Paris, France, ISBN: 978-2-212-11970-1

Die vorliegende Publikation ist urheberrechtlich geschützt. Alle Rechte vorbehalten. Die Verwendung der Texte und Abbildungen, auch auszugsweise, ist ohne die schriftliche Zustimmung des Verlags urheberrechtswidrig und daher strafbar. Dies gilt insbesondere für die Vervielfältigung, Übersetzung oder die Verwendung in elektronischen Systemen.

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Inhalt

1Einleitung

Einfachheit im Visier

Historische Einordnung

Eine Definition für die Fotografie

Von der Theorie zur Praxis

Kleine Dinge, große Wirkung

Einfacher heißt kreativer

2Technik und Ausrüstung

Grundlagen der Fotografie

Das Belichtungsdreieck

Auswahl der geeigneten Ausrüstung

Kameras

Objektive

Das Stativ

Meine Ausrüstung

3Die Regeln der Komposition und die Kunst, dagegen zu verstoßen

Grundlagen der Komposition

Die Z-Leserichtung

Das Gesetz des Gleichgewichts

Faustregel

Der Goldene Schnitt

Die Drittelregel

»Klassische« Fehler

Die minimalistische Komposition

Annäherung an einen minimalistischen Ansatz

Reine Stilsache

Der Minimalismus aus meiner persönlichen Sicht

4Minimalismus in der Praxis

Landschaften

Die konventionelle Landschaftsdarstellung

Eine vereinfache Landschaftsdarstellung

Die Reduzierung aufs Wesentliche

Alltagsszenen

Porträts

Straßenszenen

Detailstudien auf der Straße

Fassaden

Spiel mit Licht, Schatten und Spiegelungen

Perspektive

Farben

Abstraktionen

Unschärfe

Schärfe

Architektur

Sonnenaufgang und -untergang

Nacht und Gegenlicht

Nachtaufnahmen

Gegenlicht

Nebel

Natur

Nahaufnahmen

Vögel

Bäume

Eine minimalistische Fotoserie

Meine Serie am Strand

5Die Nachbearbeitung

Das Editing

Entwicklung von RAW-Dateien

Das JPEG-Format

Das RAW-Format

Die Bildretusche

Formatwahl

Querformat

Hochformat

Quadratisches Format

6Minimalistische Ansätze anderer Fotografen

Andy Feltham

Serge Najjar

Michel Lecocq

Bastien Riu

Vincent Munier

Bibliografie

Einfachheit ist die höchste Stufe der Vollendung.
Leonardo da Vinci

Einfachheit ist kein Ziel, sondern eine unumgängliche
Annäherung an den wahren Sinn der Dinge.
Constantin Brâncuși

1Einleitung

Die meisten der zahlreichen Spezialgebiete der Fotografie lassen sich ohne Weiteres voneinander abgrenzen: Tier-, Landschafts- oder Architekturfotografie – allein die Bezeichnung dieser Genres reicht aus, um zu wissen, worum es geht. Viel schwieriger wird die Sache jedoch, wenn es sich um eine fotografische Stilrichtung dreht. Der Minimalismus in der Fotografie ist nämlich per se gar kein eigenständiges Genre, sondern beschreibt eher eine Gestaltungsmethode. Wie wir auf den folgenden Seiten dieses Buches sehen werden, lässt sich dieser Ansatz in allen Spezialgebieten der Fotografie verwirklichen. Bevor wir uns jedoch mit den vielfältigen Möglichkeiten beschäftigen, müssen wir zunächst einen Blick auf die Entwicklung dieser künstlerischen Strömung – auch »Minimal Art« genannt – werfen und ihre jüngere Geschichte in Augenschein nehmen.

Einfachheit im Visier

Historische Einordnung

Ausgangspunkt für die Entwicklung des Minimalismus war die Blütezeit des Abstrakten Expressionismus in der Malerei in den 1950er- und 60er-Jahren. Die Vertreter dieser künstlerischen Richtung legten mehr Wert auf Gefühl und Spontaneität als auf Perfektion. Die oft riesigen Bilder wurden häufig in der All-over-Technik gemalt: Der Künstler trug die Farben gleichmäßig und flächendeckend auf jeden Zentimeter der Leinwand auf. Die ineinanderfließenden Linien und Kreise wirkten dann manchmal auf den ersten Blick wie ein großes Durcheinander. Jackson Pollock ist sicherlich der berühmteste Vertreter dieser Richtung.

Parallel dazu entwickelte sich eine weitere künstlerische Strömung, die ebenfalls den damaligen Zeitgeist verkörperte. In jenen Jahren fand ein Umbruch statt: Konsumgesellschaft und Massenkultur bildeten sich heraus. Bestimmte Künstler (zunächst in den Vereinigten Staaten) setzten die Massenmedien – Werbung, Zeitungen, Fernsehen – und ihren enormen Einfluss auf das Verhalten der Verbraucher zur zeitgenössischen Kunst in Beziehung. Dabei entwickelten sie die Idee, die Verfahren und verschlüsselten Botschaften der Medien für ihre Kunst zu nutzen; daraus resultierte eine Stilrichtung, die heute als »Pop-Art« bekannt ist. Ihre Vertreter arbeiteten mit Kunststoffen und Acrylfarben und bedienten sich der knallbunten Farben der Werbung. Auch Leinwandstars wie Marylin Monroe und Comic-Helden wie Mickey Mouse waren nicht vor ihnen gefeit. Andy Warhol gilt als einer der Pioniere dieser Stilrichtung. Er verwarf die Idee des Kunstwerks als Unikat und fertigte stattdessen Siebdrucke von Alltagsgegenständen an (die berühmte Suppendose), um Kunst, die bis dato einer Elite vorbehalten war, einer breiten Masse zugänglich zu machen. Pop-Art ist auch als Reaktion auf den Abstrakten Expressionismus zu verstehen, der bei den Vertretern dieser Richtung als zu dogmatisch und abgehoben galt.

Andere Künstler dieser Zeit, die keiner der genannten Strömungen angehörten, wehrten sich gegen die in ihren Augen zu grelle Ästhetik der Pop-Art. Sie befürworteten eine Rückkehr zur Einfachheit, nicht nur formal, sondern auch in Bezug auf die eingesetzten Verfahren. Auf ihrer Suche nach absoluter Reinheit lehnten sie jegliche Subjektivität ab (im Gegensatz zu den Vertretern des Abstrakten Expressionismus). Als Inspirationsquelle diente den Minimalisten vor allem die deutsche Architektur-, Kunst- und Designschule Bauhaus, in deren Schriften dazu aufgerufen wurde, sich auf das Wesentliche zu konzentrieren und alles Überflüssige außer Acht zu lassen. Die Vertreter des Minimalismus übernahmen übrigens die Formel »weniger ist mehr« des Architekten und Bauhaus-Direktors Ludwig Mies van der Rohe. 1965 prägte der englische Philosoph Richard Wollheim den Begriff »Minimal Art« in seinem gleichnamigen Essay in der New Yorker Zeitschrift Arts Magazine anlässlich einer Ausstellung der Werke von Marcel Duchamp und Ad Reinhardt in der Green Gallery in New York; Wollheim hatte jedoch weniger die Absicht, gleich eine ganze Kunstrichtung zu definieren, als vielmehr ein allgemeines Phänomen der Kunst dieser Zeit zu umschreiben, den »minimalen Kunstgehalt«.

Dem Minimalismus liegt die Idee zugrunde, ein Werk durch Reduzierung zu vollenden: Wenn nichts mehr weggenommen werden kann, dann steht der Perfektion nichts mehr im Weg. Anhand dieser Definition versteht man, warum das Konzept gerade in der Bildhauerei so erfolgreich war: Man entfernt Material, damit das reine Objekt zutage tritt. Die berühmtesten Vertreter dieser Richtung sind sicherlich Brâncuși (von manchen wird er sogar als ihr Vorreiter bezeichnet), Robert Morris, François Morrelet und Donald Judd. In der Malerei strebten die Pioniere nach einer Abschaffung jeglicher Symbolik: Ihre Werke basierten häufig auf einfachsten geometrischen Formen (Linien, Kreise, Rechtecke …). Zu den bekanntesten Malern der Minimal Art gehören beispielsweise Frank Stella, Daniel Buren oder auch Sol LeWitt. Seit seinem Aufkommen übt der Minimalismus einen großen Einfluss auf die Kunst aus.

MINIMALISMUS: EINE ERFINDUNG DES 20. JAHRHUNDERTS?

Fasst man das Gedankengut der gerade beschriebenen künstlerischen Bewegung noch etwas weiter, dann wird klar, dass es diese Stilrichtung bereits mehrfach zuvor in der Kulturgeschichte des Menschen gegeben hat. Das Streben nach klaren, nüchternen Formen ist nichts Neues, aber es lässt sich nur schwer mit der künstlerischen Strömung der jüngeren Vergangenheit vergleichen. In der Kunst der Antike ging es beispielsweise vor allem um den Nutzungsaspekt und/oder die Umsetzung bestimmter kultureller Werte.

Das berühmteste Beispiel dafür sind vielleicht die Ägypter: Sie waren auf der Suche nach einer perfekten Architektur, die sie in der Form der Pyramide gefunden zu haben glaubten; den gleichen Stil findet man später in einigen präkolumbischen Kulturen. Bestimmte Megalithstrukturen, beispielsweise in Stonehenge in Großbritannien, auf den Osterinseln oder auf dem Göbekli Tepe in der Türkei, entsprechen den gleichen schlichten Gestaltungsgrundsätzen. Auch manche Maler schufen klare, schlichte Kompositionen. In der chinesischen Malerei der Kaiserzeit war die Leere beispielsweise das wichtigste Bildelement. Farben kamen nur selten zum Einsatz und die schlichten Pinselstriche dienten lediglich der Strukturierung des Raums. Auch der japanische Holzschnitt und die Kalligrafie sind an dieser Stelle zu nennen; ihre Schöpfer strebten nach Perfektion (per Definition unerreichbar) mit reduzierten Mitteln.

Aber der Minimalismus beschränkt sich sicherlich nicht nur auf die Kunst. Ebenso eng ist er mit einer philosophischen Denkweise verbunden, die sich vom Exzess lossagt und Glück in Einfachheit und Mäßigung sucht. In diese Kategorie einzuordnen wären beispielsweise der Stoizismus, der Taoismus, der Buddhismus, der japanische Zen-Buddhismus und die Philosophien bestimmter mittelalterlicher Mönchsorden wie der Zisterzienser.

Ausgehend von dieser oben kurz zusammengefassten Grundidee hat sich der Begriff »Minimalismus« im kollektiven Unbewussten weiterentwickelt und bezieht sich heute auf eine andere, allgemeinere Tendenz: Das Wort wird als Bezeichnung für eine einfache Ästhetik mit schlichten, reinen Formen und Strukturen im weitesten Sinne verstanden. Die ursprünglich zugrunde liegende Vorstellung, dass Subjektivität und Symbolik prinzipiell abzulehnen sind, gilt jedoch nicht mehr. Die Tendenz zur Einfachheit macht sich in unterschiedlichen Gattungen der Kunst bemerkbar, beispielsweise in Design, Architektur, Tanz, Grafik (man muss sich nur einmal die Icons von Smartphone-Apps ansehen) und Fotografie.

Diese sehr weit gefasste Definition des Minimalismus lege ich in diesem Buch zugrunde. Bezogen auf die Fotografie vertrete ich sogar die These, dass man jegliche Objektivität verliert, sobald man mit der Kamera einen bestimmten Ausschnitt aus der Wirklichkeit herausgreift. Durch diese erste entscheidende Handlung legt man fest, welche Bildelemente in die Komposition einfließen sollen und – vielleicht noch wichtiger – welche nicht. Eigentlich interpretiert der Fotograf also die Realität und bringt daher zwangsweise seine subjektive Sichtweise mit ein. Auch die Symbolik lässt sich meiner Meinung nach kaum vermeiden, wenn man sich mit bildender Kunst beschäftigt, wie beispielsweise mit der Fotografie. Mit diesem Buch möchte ich Sie dazu inspirieren, eine »minimalistische Geisteshaltung« einzunehmen und sich auf die Reduzierung von Bildern und Kompositionen auf das Wesentliche einzulassen. Wer sich bereits eingehender mit der Geschichte der zeitgenössischen Kunst beschäftigt hat, der möge mir bitte verzeihen, wenn die gezeigten Aufnahmen nicht immer ganz genau den Grundprinzipien der künstlerischen Stilrichtung entsprechen, die Mitte des 20. Jahrhunderts aufkam.

Eine Definition für die Fotografie

Zum Thema Minimalismus in der Fotografie wurde meines Wissens bisher nur sehr wenig geschrieben, geschweige denn eine präzise Definition gewagt. Paradoxerweise ist das ganz in meinem Sinne, denn so kann ich den Begriff recht weit auslegen. In diesem Buch muss ich also keiner strikten Lehrmeinung folgen. Sehr vorsichtig möchte ich folgende Definition vorschlagen: Ein Foto kann als minimalistisch gelten, wenn der Fotograf mit der Absicht der Vereinfachung alles Überflüssige ausschließt und nur das Wesentliche ins Bild rückt.

Wenn man sich einmal die Zeit nimmt, im Internet nach minimalistischen Aufnahmen zu suchen, findet man alle Arten von Fotos, deren Stile auf den ersten Blick absolut unterschiedlich scheinen. Und doch haben die meisten eine Gemeinsamkeit: das Streben nach dem Minimum. Ich möchte jedoch an dieser Stelle eines ganz klarstellen: Der Begriff »minimalistisch« ist nicht als Synonym von »simpel« zu verstehen; man darf nicht denken, dass diese Art von Fotografie einfach umzusetzen ist. Damit eine solche Art von Aufnahme gelingt, muss der Fotograf sehen lernen, die Quintessenz aus dem Gesehenen herausfiltern und den Ausschnitt entsprechend wählen. Genau dieses Vorgehen wollen wir im vorliegenden Buch gemeinsam erforschen.

Seit Erfindung der Fotografie haben sich Fotografen – entweder dauerhaft oder in einzelnen Projekten – der Reduzierung aufs Wesentliche verschrieben. Um den eigenen Blick zu schärfen und sich inspirieren zu lassen, ist es zweifellos hilfreich, sich mit den Bildern berühmter Fotografen zu beschäftigen (ohne diese Werke kopieren zu wollen). Dabei kommt man um die Arbeiten des Ehepaars Becher sicherlich nicht herum.

Ab 1959 fotografierten Bernd und Hilla Becher zunächst in Deutschland, dann auch in anderen Ländern Industriebauten, die kurz vor dem Abriss standen. Bei ihrer Arbeitsweise ging es ihnen vor allem um größtmögliche objektbezogene Sachlichkeit: diffuses Licht, gleich bleibender Blickwinkel (meist leicht erhöht), mittige Komposition, Verwendung eines Teleobjektivs zur Vermeidung von Verzerrungen. Nach wissenschaftlichen Dokumentationsmethoden entwickelte das Fotografen-Ehepaar Typologien von gleichen Gebäudetypen. Bernd und Hilla Becher lehrten an der Kunstakademie Düsseldorf und gründeten die Düsseldorfer Photoschule, deren berühmtester Vertreter aktuell Andreas Gursky ist. Und doch geht das Werk dieser Fotografen über eine rein sachliche Dokumentation hinaus, nicht nur aufgrund der Auswahl dieses ungewöhnlichen Motivs, sondern auch durch die Unterteilung der Aufnahmen nach Werkgruppen und die Präsentation der Fotos auf Kunstausstellungen. Bernd Becher erklärte: »Viele Menschen halten unsere Fotos für rein dokumentarisch, aber das stimmt nicht. Dokumentation bedeutet, dass man alles fotografieren muss, damit das Werk vollständig ist.«

Weitere Künstler, beispielsweise Paul Strand mit seinen abstractions, Ruth Bernard mit ihren Fotografien des weiblichen Körpers und Denis Brihat mit seinen Darstellungen der Schönheit in alltäglichen Dingen, legten den Schwerpunkt auf die Einfachheit der Formen. Auch Bernard Plossu verfolgt meiner Ansicht nach einen »minimalistischen« Ansatz; mit seinen Aufnahmen, in denen die Zeit stillzustehen scheint, steht er in einer Art Gegensatz zu den Bildern des »entscheidenden Augenblicks« von Henri Cartier-Bresson. Ebenfalls zu empfehlen sind an dieser Stelle die Fotos von Franco Fontana, der allerdings mehr Farbe ins Spiel bringt. Der Ansatz von Vincent Munier mit seinen aufs Wesentliche reduzierten Tierfotografien im Zen-Stil spiegelt ebenfalls die Suche nach einer vereinfachten Bildästhetik wider und erinnert an den japanischen Holzschnitt. Auch der aktuell führende Landschaftsfotograf, Michael Kenna, wird häufig als Minimalist bezeichnet; seine stets in Schwarzweiß gehaltenen Kompositionen sind ein hervorragendes Beispiel für die vielen Möglichkeiten, die dieser Ansatz bietet. Ebenfalls hilfreich ist die Beschäftigung mit den Arbeiten von Michael Levin oder Josef Hoflehner oder den – häufig provokanteren – Aufnahmen von Robert Mapplethorpe.

Von der Theorie zur Praxis

Nach dieser notwendigen theoretischen Einführung kommen wir nun zur praktischen Umsetzung. Damit die Vorstellung, was eine minimalistische Fotografie sein kann, noch etwas klarer wird, möchte ich Ihnen daher auf den folgenden Seiten einige Beispiele und Gegenbeispiele zeigen. Vielleicht überlegen Sie zunächst selbst, welches die minimalistischen Aufnahmen sind, und lesen erst dann die Bildunterschriften.

Hier also ein erstes Beispiel für eine Komposition, bei der die Einfachheit im Mittelpunkt stand. An einem nebligen Herbstmorgen legte ich an einer Autobahnraststätte eine Pause ein. Auf diesem leeren Parkplatz sprangen mir zuerst die regelmäßigen schrägen und vertikalen Linien auf dem Boden ins Auge. Der leichte Nebel trug zur weiteren Vereinfachung der Aufnahme bei.

50 mm, 200 ISO, 1/640 s, f/7,1, Nikon D700

Den Unterschied zum Foto oben bemerkt man sofort. Auch diese Komposition beruht im Wesentlichen auf Linien (Gebäude, Pfosten), wirkt aber keineswegs einfach. Die beiden Frauen und das Kind im Vordergrund ziehen den Blick auf sich. Anschließend wird das Auge des Betrachters durch die Aufnahme geführt und zu den einzelnen Bildelementen gelenkt: weitere Menschen, Autos, Formen aller Art, Pfützen, Gebäude usw.

75 mm, 800 ISO, 1/400 s, f/4,5, Nikon D300

Die Felsen auf dieser Aufnahme bieten eine Reihe von unterschiedlichen Formen (wie wir noch sehen werden, helfen identische und sich wiederholende Formen bei der Vereinfachung der Komposition). Durch die Anordnung dieser Formen wird der Blick zur Insel mit dem Turm gelenkt. Dieses Bild ist kein Beispiel für einen minimalistischen Ansatz, aber ich hätte einen anderen Blickwinkel wählen und die Komposition noch weiter vereinfachen können. Stattdessen entschied ich mich hier für einen »konventionellen« Bildausschnitt.

28 mm, 50 ISO, 2 s, f/11, Nikon D800

Dieses Foto zeigt ein Seezeichen, das Schiffe auf Untiefen hinweisen soll. Abgesehen von Himmel und Meer sind keine Bildelemente erkennbar. Das Bild ist also ein gutes Beispiel für die Reduzierung auf das Wesentliche.

28 mm, 50 ISO, 30 s, f/13, Nikon D750

Kleine Dinge, große Wirkung

Das für einen minimalistischen Ansatz wichtigste Prinzip kann man mit den Worten »weniger ist mehr« zusammenfassen. Mit kompromisslos einfach gestalteten Kompositionen lässt sich häufig eine große Bildwirkung erzielen, denn auch mit einfachen Dingen und ohne überflüssige Bildelemente kann man Emotionen wecken und Ideen zum Ausdruck bringen. Viele Menschen sind davon überzeugt, dass das Motiv selbst für den Erfolg einer Aufnahme ausschlaggebend ist: Ein gutes Bild entsteht nur dann, wenn der Aufnahmegegenstand interessant genug ist. Da bin ich ganz anderer Meinung: Es kommt nicht darauf an, welches Motiv man fotografiert, sondern wie man dieses Motiv sieht. Wenn man also seinen Stil vereinfachen möchte, braucht man nicht unbedingt eine komplexe Aufnahmetechnik. Wichtig ist die Schulung des eigenen Blicks, damit man zwischen wichtigen und unwichtigen Details einer Szene unterscheiden lernt. Das Motiv selbst kann dabei völlig unspektakulär sein, wie beispielsweise ein Gebrauchsgegenstand, ein Muster oder ein Schlagschatten.

Morgens nach dem Duschen fiel mir das Licht der aufgehenden Sonne hinter meinem Badezimmerfenster auf, das in Kombination mit dem Milchglas und den Wassertropfen interessante Effekte erzeugte. Dieses Bild beweist, dass man mit offenen Augen durch die Welt gehen sollte, denn selbst ganz banale Situationen halten potenzielle Motive bereit.

50 mm, 200 ISO, 1/320 s, f/6,3, Nikon D700

Auch ein einfaches Insekt lässt sich wirkungsvoll in Szene setzen. Hier sollte der Ansatz so einfach wie möglich sein. Mithilfe einer geringen Schärfentiefe stellte ich das Insekt frei.

150 mm, 200 ISO, 1/2000 s, f/3, Nikon D700

Auf den ersten Blick kann man nur schwer erkennen, was dieses Bild zeigt. Es handelt sich um ein Stück Rotkohl. Beim Auseinanderschneiden des Kohlkopfes bemerkte ich das fotografische Potenzial seiner grafischen Strukturen. Ich konvertierte die Aufnahme in Schwarzweiß, um den Effekt zu verstärken.

150 mm, 5000 ISO, 1/80 s, f/6,3, Nikon D700

Einfacher heißt kreativer

Wie jedem Fotografen passiert es mir manchmal, dass mir nicht einfallen will, wie ich ein Motiv auf originelle Weise darstellen könnte. Meiner Ansicht nach geht es in der künstlerischen Fotografie darum, die eigene Identität zum Ausdruck zu bringen und etwas Eigenes, Besonderes zu kreieren, ohne die Arbeiten anderer Fotografen zu kopieren. Dazu ist der minimalistische Ansatz ein probates Mittel, denn er bringt uns dazu, die Welt mit anderen Augen zu sehen, anstatt sie einfach nur zu dokumentieren.

Im Streben nach Vereinfachung muss der Fotograf noch mehr Antworten auf die Frage finden, was er denn da eigentlich vor der Linse hat. Es versteht sich von selbst, dass man nicht von heute auf morgen nur noch nach dem Prinzip des absoluten Minimums vorgehen muss, auch wenn man die Vorstellung vielleicht besonders reizvoll findet. Auch ich habe zwar ein besonderes Faible für die minimalistische Fotografie, aber ich arbeite nicht ausschließlich nach ihren Prinzipien. Als Berufsfotograf mache ich regelmäßig Reportagen – es wäre sicherlich unangebracht, bei allen meinen Bildern immer nur einen minimalistischen Ansatz zu verfolgen. Meine Auftraggeber würden darauf sicherlich mit Unverständnis reagieren. Wenn ich jedoch das eine oder andere sorgfältig ausgewählte minimalistische Bild in eine Serie von anderen Aufnahmen einbette, dann kommt das bei meinen Kunden gut an. Bei persönlichen Projekten neige ich dagegen überwiegend – aber auch nicht immer – zu minimalistischen Bildern.

Bei einer von einem Unternehmen in Auftrag gegebenen Reportage entschied ich mich für einige minimalistische Kompositionen. Diese Ansichten gefielen meinem Auftraggeber besonders gut. Das Motiv (die Bambusdielen) passte allerdings auch besonders gut zu diesem Ansatz.

85 mm, 400 ISO, 1/250 s, f/9, Nikon D800

14 mm, 100 ISO, 1/125 s, f/5,6, Nikon D800

Der minimalistische Ansatz regt außerdem auch die Kreativität an. Nachdem Sie ein Motiv intuitiv und spontan fotografiert haben, können Sie überlegen, wie sich die Komposition maximal vereinfachen ließe. Auf diese Weise setzen Sie sich mit Ihrem eigenen Stil auseinander und entwickeln vielleicht Ihre fotografische Handschrift weiter.

Auf einem meiner Ausflüge mit der Kamera stand ich auf einer Brücke über dem Verdon und sah diese Szene. Das erste Foto nahm ich ganz spontan auf. Man sieht darauf einen Mann in seinem Boot in einer diesigen Umgebung. Das Bild wirkt poetisch und recht gelungen, ist aber eine eher konventionelle Aufnahme. Bei meinem zweiten Foto (gegenüber) entschied ich mich für eine ganz andere Komposition. Ich wollte den Schwerpunkt auf den Fischer legen und wählte den Bildausschnitt so, dass alle anderen Elemente wegfielen; nur noch der Fischer und die von der Fortbewegung des Bootes verursachten Wellen blieben übrig. Dieses grafisch wirkende Ergebnis gefällt mir viel besser.

85 mm, 360 ISO, 1/200 s, f/8, Nikon D800

85 mm, 1100 ISO, 1/200 s, f/8, Nikon D800

Schon seit einiger Zeit fotografierte ich diese Bäume, die im Wasser standen. Es war mittlerweile recht spät geworden und mir schwebte noch eine schöne Gegenlichtaufnahme vor. Die Schwerpunkte dieser Komposition waren der Felsen im Vordergrund, ein zweiter Felsen in der Nähe des Baums und der Horizont, hinter dem die Sonne unterging. Das Bild, das ich mir ursprünglich vorgestellt hatte, konnte ich nicht umsetzen, denn die Silhouette der Bäume hob sich nicht klar genug ab. Daher entschied ich mich dafür, den Schwerpunkt auf den Hintergrund zu legen und die Komposition auf das Wesentliche zu reduzieren: Ich betonte die Symmetrie der Landschaft und ihrer Spiegelung im Wasser und ließ den Vordergrund weg. Das Ergebnis wirkt viel überzeugender.

28 mm, 50 ISO, 1/8 s, f/13, Nikon D750

28 mm, 50 ISO, 1/6 s, f/16, Nikon D750

2Technik und Ausrüstung

In allen künstlerischen Bereichen gibt es bestimmte Techniken – und gerade die Fotografie ist da natürlich keine Ausnahme. Die Werkzeuge, die in unserem Medium zum Einsatz kommen, erscheinen auf den ersten Blick sogar äußerst komplex. Deshalb werden in diesem ersten Kapitel die Grundlagen der Fotografie kurz zusammengefasst. Ein Anfänger lernt dadurch sicherlich etwas dazu. Aber auch für fortgeschrittene Fotografen hält dieses Kapitel vielleicht noch nützliche Informationen bereit, denn Methoden und minimalistische Ansätze werden zueinander in Beziehung gesetzt.

Grundlagen der Fotografie

Das Grundprinzip der Fotografie ist eigentlich ganz einfach – auch wenn die Kameras heute um ein Vielfaches komplexer sind als früher, damit das Fotografieren im Gegenzug immer einfacher wird (und/oder damit die Umsätze der Hersteller von Kameras und Zubehör immer weiter steigen …). Um ein Foto aufzunehmen, braucht man aber eigentlich nur drei Dinge: eine Optik, einen Verschluss und eine lichtempfindliche Fläche.

- Mit der Optik werden die Lichtstrahlen auf den digitalen Sensor (oder den Film) gelenkt und die einfallenden Lichtmengen durch Schließen oder Öffnen der Blende – das sogenannte Auf- bzw. Abblenden – gesteuert. Die Größe der Blendenöffnung wird meist mit dem Buchstaben f, gefolgt von einem Schrägstrich und einer Zahl (dem sogenannten Blendenwert) angegeben (f/2; f/2,8; f/4 usw.). Aber aufgepasst: Anders als man vermuten könnte, ist die Blende umso weiter geöffnet und lässt umso mehr Licht passieren, je kleiner die Blendenzahl ist.

- Bei geöffnetem Verschluss fällt das Licht im richtigen Moment auf die lichtempfindliche Fläche. Der Verschluss regelt, wie lange das Licht auf den Sensor bzw. den Film trifft. Diese Größe nennt man »Verschlusszeit« (oder »Belichtungszeit«); sie wird in Sekundenbruchteilen, Sekunden oder Minuten ausgedrückt.

- Die lichtempfindliche Fläche erfasst das Lichtbild. Bei dieser Fläche handelt es sich entweder um einen fotografischen Film für eine analoge Kamera oder um einen digitalen Sensor. Analoge Filme gibt es in unterschiedlichen Lichtempfindlichkeiten; bei Digitalkameras lässt sich die Empfindlichkeit über die Veränderung der ISO-Zahl steuern. Je höher dieser Wert, desto lichtempfindlicher ist der Sensor (oder der Film). Das Maß für die Empfindlichkeit ist ISO (oder ASA).

Das Belichtungsdreieck

Die drei Größen Blende, Verschlusszeit und Empfindlichkeit hängen unmittelbar zusammen. Verändert man eine dieser Einstellungen, so wirkt sich dies unweigerlich auch auf die anderen beiden aus. Wählt man beispielsweise eine größere Blendenöffnung, so fällt mehr Licht in die Kamera ein; um eine korrekte Belichtung zu erreichen (Auftreffen der richtigen Lichtmenge auf die lichtempfindliche Fläche), muss man die Belichtungszeit verringern (damit die Dauer des Lichteinfalls auf den Sensor reduziert wird) und/oder einen niedrigeren Empfindlichkeitswert einstellen.

DIE RICHTIGE BELICHTUNG

Eines dürfte sich von selbst verstehen: Damit eine Aufnahme richtig belichtet ist, darf weder zu viel Licht (Foto zu hell) noch zu wenig Licht (Foto zu dunkel) auf den Sensor treffen. In der Digitalfotografie lassen sich die Belichtungswerte einer Aufnahme in Form eines Histogramms darstellen. Das ist eine grafische Darstellung, die mithilfe einer horizontalen und einer vertikalen Achse Aufschluss über die Anzahl der Pixel (auf der y-Achse) und ihre Helligkeitsverteilung (auf der x-Achse) gibt: Die Werte in der Mitte stellen die Mitteltöne dar, weiter rechts sind die helleren und weiter links die dunkleren Töne angeordnet (das Histogramm lässt sich von allen Softwareprogrammen und bereits während der Aufnahme auch von vielen Digitalkameras anzeigen). Das Histogramm einer »ideal« belichteten Aufnahme entspricht in etwa einer Gaußschen Glockenkurve: Die meisten Werte liegen in der Mitte. Die Ansicht, was eine »richtige« Belichtung ist und was nicht, hängt jedoch ganz und gar vom subjektiven Empfinden ab: Der Fotograf hat das letzte Wort und kann entscheiden, ob sein Foto eher hell oder eher dunkel wirken soll. Diese Wahl trifft er grundsätzlich bei der Aufnahme, kann sie aber bei der Nachbearbeitung noch in gewissem Maße korrigieren.

Das Thema Belichtung ist weitreichender und komplizierter, als man meinen könnte. Wenn Sie sich noch eingehender damit beschäftigen möchten, empfehle ich Ihnen das neue Buch von Volker Gilbert, Les secrets de la lumière et de l‘exposition.

Die Gaußsche Normalverteilung ist der Maßstab für ein Foto mit einer »idealen« Belichtung. In der Praxis kommen Bilder mit solchen »perfekten« Histogrammen bei mir eher selten vor; ich nutze das Schaubild vor allem zur Vermeidung von Unter- oder Überbelichtungen.

Diese Histogramme zeigen die Helligkeitsverteilungen bei Bildern mit extremen Werten. Bei dem einen liegen die Werte überwiegend rechts; das Foto enthält viel zu viele reinweiße Pixel – es ist überbelichtet. Beim anderen ist das Gegenteil der Fall: Eine Kurve, bei der die meisten Werte auf der linken Seite liegen, weist auf viele tiefschwarze Pixel und daher auf eine zu starke Unterbelichtung hin.

Als ernsthafter Fotograf muss man alle diese Funktionen und Einstellungen perfekt beherrschen. Will man sich einen minimalistischen Stil erarbeiten, muss man vor allem die technischen Grundlagen kennen, denn die Veränderung dieser Größen bleibt nicht ohne Folgen für die Ästhetik der Aufnahme. Eine größere Blendenöffnung beispielsweise wirkt sich nicht nur auf Verschlusszeit und Empfindlichkeit aus, sondern auch auf die Schärfentiefe. Für die minimalistische Fotografie ist das von ausschlaggebender Bedeutung, denn ein Motiv lässt sich mithilfe einer geringen Schärfentiefe besser freistellen.

Bei dieser Aufnahme kamen alle für eine geringe Schärfentiefe günstigen Faktoren zusammen: Ich fotografierte mit einer langen Brennweite (150 mm) und relativ großer Blendenöffnung (f/3,5). Da es sich um eine Nahaufnahme (das Motiv wurde nah herangeholt) handelte, reduzierte sich der Schärfebereich noch weiter. Dadurch erschien nur der obere Teil der Pflanze scharf (die sogenannte »Freistellung«). Auf diese Weise erreichte ich eine einfache Komposition und eine ruhige Bildstimmung.

150 mm, f/3,5, 1/2000 s, 200 ISO, Nikon D700

DIE SCHÄRFENTIEFE

Mit Schärfentiefe ist der Bereich gemeint, der uns akzeptabel scharf erscheint. Zur Steuerung dieser Größe verändert man die Blendenöffnung (bezeichnet mit »f/«): Je höher der Blendenwert (z. B. f/16), desto weniger Licht lässt die Blende passieren und desto größer ist die Schärfentiefe. Aber auch andere Kriterien spielen eine Rolle:

- die Größe des Sensors, denn je großflächiger der Sensor, desto problemloser erreicht man eine geringe Schärfentiefe;

- die Brennweite, denn bei gleich bleibendem Blendenwert sinkt die Schärfentiefe mit zunehmender Brennweite des Objektivs;

- der Aufnahmeabstand, denn geht man näher an das Motiv heran, erreicht man auch dadurch eine geringere Schärfentiefe (der Hintergrund erscheint verschwommener).

Dies Bild veranschaulicht den Effekt, den man in bestimmten Situationen mit einer Langzeitbelichtung erreicht. Hier führte die Belichtungszeit von 10 s zu einer Glättung der Wellen des Meeres. Auch die Wolken, die während der Belichtungszeit am Himmel vorübergezogen sind, wurden als Streifen abgebildet. Die Vögel (Kormorane) waren so freundlich, sich während dieser Zeit nicht zu bewegen. Diese Art von Aufnahme wirkt etwas irreal, denn das menschliche Auge sieht die Welt normalerweise nicht auf diese Weise.

85 mm, f/10, 10 s, 50 ISO, Nikon D750

Auch die Verschlusszeit kann zur Freistellung des Motivs beitragen. Bei sehr kurzen Verschlusszeiten (z. B. 1/1000 s) werden sämtliche Bewegungen innerhalb der fotografierten Szene eingefroren. Trifft das Licht dagegen länger auf den Sensor (z. B. länger als 1/15 s), erscheinen alle Objekte, die sich während der Belichtungszeit bewegt haben, auf dem Foto unscharf; nur die statischen Objekte werden scharf wiedergegeben. Das kann sehr wirkungsvoll sein, beispielsweise wenn man eine reglose Person innerhalb einer Menschenmenge freistellen oder Wasser in Kombination mit statischen Objekten fotografieren möchte.

Auswahl der geeigneten Ausrüstung

Über die Auswahl und Anschaffung einer guten Fotoausrüstung kann man sich sehr lange den Kopf zerbrechen. Möglicherweise haben Sie sich bereits eine Kamera und vielleicht auch etwas Zubehör (Stativ, Objektive, Akkus, Tasche usw.) gekauft oder stehen kurz davor. Dabei ist Ihnen sicherlich nicht entgangen, dass die Rechnung ganz schnell in schwindelnde Höhen klettern kann. Ihre Begeisterung und Leidenschaft für die Fotografie haben möglicherweise ein wenig unter dieser traurigen Realität gelitten.

In Bezug auf die minimalistische Fotografie kann ich jedoch erst einmal Entwarnung geben: Selbst mit einfachsten Mitteln erreichen Sie viel, aber (denn irgendeinen Haken gibt es immer) die ausgewählte Ausrüstung ist dann wahrscheinlich nicht sehr flexibel einsetzbar. Außerdem sollten Sie daran denken, dass die Qualität von großformatigen Ausdrucken von der Qualität Ihrer Ausrüstung abhängt (ein Smartphone liefert nicht die gleichen Ergebnisse wie eine Spiegelreflexkamera). Das auf dem Markt erhältliche Angebot an Kameras und Zubehör ist riesig; es folgt ein kurzer Überblick über die vorhandenen Möglichkeiten.

Kameras

Das Smartphone

Zur Stunde bieten Smartphone-Kameras bei optimalen Bedingungen eine ähnliche Bildqualität wie Kompaktkameras. Kamerahandys sind manchmal sogar ein ganz guter Kompromiss, wenn die Beleuchtung hell genug ist (tagsüber im Freien zum Beispiel). Bei schlechten Lichtverhältnissen sinkt ihre Leistungsfähigkeit jedoch häufig drastisch.

Vorteile des Smartphones:

- Immer und überall griffbereit

- Sehr kompakt

- Ordentliche Bildqualität bei Tageslichtaufnahmen

- Man kann sogar damit telefonieren!

Nachteile:

- Schlechtere Bildqualität bei schwachem Licht

- Keine Wechselobjektive und nur ein Digitalzoom

- Verringerung der Schärfentiefe schwierig

- Nahaufnahmen eher schwierig

Kompakt- und Bridgekameras

Diese Kameras sind All-in-one-Systeme: Sie verfügen häufig über ein Zoomobjektiv mit mehr oder minder großem Brennweitenbereich (bei Bridgekameras kann dieser Bereich auch extrem groß sein), sodass der Nutzer sofort auf die meisten potenziellen Fotogelegenheiten reagieren kann. Das ist sicherlich ein Vorteil. Diese Kameras bieten zwar im Großen und Ganzen recht gute, aber in keinem Bereich herausragende Leistungen. Ihre Sensoren (siehe Abschnitt »Sensoren« auf Seite 10) sind sicherlich nicht schlecht, aber auch nicht übermäßig hochwertig (im Hinblick auf Empfindlichkeit, Dynamikumfang, Farbwiedergabe usw.). Aber es gibt auch Ausnahmen, denn bestimmte Kameras sind heute mit äußerst leistungsfähigen Sensoren ausgestattet (Fujifilm X100T, Ricoh GR II, Sony RX1R usw.).

Vorteile von Kompakt- und Bridgekameras:

- Relativ kompakte Größe (Manche digitalen Kompaktkameras passen in die Hosentasche.)

- Gute Bildqualität unter normalen Bedingungen

- Flexible Einsatzmöglichkeiten

- Einige Ausnahmemodelle verfügen über eine hochwertige Optik und sind außergewöhnlich leistungsfähig (Fujifilm X100T, Ricoh GR II).

Nachteile:

- Durchschnittliche Bildqualität bei schwachem Licht (aber immer noch besser als bei Smartphones)

- In keinem Bereich herausragende Leistungen

Auf dem Markt sind viele verschiedene Kompakt- und Bridgekameras erhältlich. Es gibt Hunderte von Modellen mit sehr unterschiedlicher Qualität. Smartphones und spiegellose Systemkameras machen diesem Kameratyp Konkurrenz. Die Modelle der Canon-G-Reihe bieten den Nutzern von Kompaktkameras zweifellos die meisten Vorteile (hier abgebildet die G9 X). Bei Bridgekameras sind die Lumix-Modelle die beste Wahl (hier die FZ300).

Aber auch in der Gruppe der Kompakten gibt es Ausnahmeerscheinungen. Diese Kameras sind bei Fotografen beliebt, die besonderen Wert auf Qualität legen; aufgrund ihrer kompakten Abmessungen greifen auch Profifotografen immer häufiger zu diesen Modellen. Die Kompaktkameras der Reihe Fujifilm X100 (hier die X100T) im Retro-Look punkten beispielsweise mit ihrer Bildqualität und einem hochwertigen Objektiv. Diese Modelle haben kein Zoom, sondern eine 23-mm-Festbrennweite (entspricht 35 mm im Kleinbildformat). Ebenso gut sind die RX1-Modelle von Sony; sie verfügen über einen 24 × 36 mm-Vollformatsensor.

Spiegellose Systemkameras

Diese Art von Systemkamera gibt es noch nicht so lange (seit 2008). Einiges spricht für diesen noch relativ jungen Kameratyp, insbesondere im Vergleich zu den Spiegelreflexkameras. Für einen Fotografen, der Wert auf geringes Gewicht legt, sind Letztere nämlich keine Option. Der Ausschnitt wird bei spiegellosen Kameras meist mithilfe des Kameramonitors oder eines elektronischen Suchers gewählt, der eine genaue Vorschau der Abbildung anzeigt. Außerdem gibt es für diese Kameras Wechselobjektive (also wie bei Spiegelreflexkameras). Logischerweise gewinnen die Spiegellosen immer mehr an Terrain und hinken nur bei der Reaktionsgeschwindigkeit (insbesondere Autofokus) und Robustheit (Dichtheit, Beständigkeit gegen extreme Temperaturen) etwas hinterher.

Vorteile von spiegellosen Systemkameras:

- Sehr gute allgemeine Bildqualität

- Große Flexibilität, wenn man mehrere Objektive anschafft

- Kompakte Abmessungen der Kamera; in Kombination mit mehreren Objektiven kann die Ausrüstung jedoch schnell (fast) genauso sperrig werden wie bei einer SLR.

Nachteile:

- Bisweilen träger Autofokus

- Ungewohnter elektronischer Sucher; an seine Eigenheiten muss man sich erst gewöhnen (langsamere Reaktionszeiten, virtuelle Abbildung).

- Hohe Kosten

Spiegellose Systemkameras sind voll ausgestattete Fotokameras, die ihrer großen Schwester, der Spiegelreflexkamera, fast schon ebenbürtig sind. Sie bieten Wechselobjektive und verfügen in den meisten Fällen über große Sensoren (APS-C oder Vollformat). Hier abgebildet sind beispielhaft die kleine Lumix GM1, die X-Pro 2 von Fuji und die Sony A7S (mit Vollformatsensor).

Spiegelreflexkameras

Die Bezeichnung »Spiegelreflexkamera« (SLR) ist auf das Suchersystem dieses Kameratyps zurückzuführen. Das Licht fällt ins Objektiv ein und trifft auf einen Schwingspiegel, der die Abbildung umleitet und im Sucher sichtbar macht. Beim Druck auf den Auslöser klappt der Spiegel hoch und gibt den Weg frei, damit das Licht auf den Sensor fallen kann. Das ist das berühmte »Klacken« beim Auslösen der SLR. Im Moment ist das Angebot bei diesen Systemkameras am größten, denn für die SLRs der wichtigsten Hersteller (Nikon, Canon, Sony, Pentax usw.) gibt es ein beispielloses Objektiv- und Zubehörsortiment.

Spiegelreflexkameras setzen in der Fotografie auch heute noch die Maßstäbe. Sie sind zwar schwerer und sperriger als andere Kameras, dafür aber auch flexibler, robuster und reaktionsschneller. Die Kosten liegen allgemein höher als bei den oben genannten Kameratypen, aber es gibt auch erschwingliche Modelle, beispielsweise die K50 von Pentax. Die Nikon D7200 hat einen APS-C-Sensor und liefert in Verbindung mit einer Qualitätsoptik herausragende Ergebnisse (die reine Kamera ohne Objektive kostet im Moment um die 1000 Euro). Die sogenannten professionellen Kameras, wie beispielsweise die Canon 5D Mark IV oder die Nikon D5, werden für 4000 bzw. 7000 Euro verkauft (ohne Objektive); sie verfügen über einen Vollformatsensor.

Vorteile der SLRs:

- Herausragende Bildqualität (vor allem mit großem Sensor)

- Größtmögliche Flexibilität (wenn man mehrere Objektive anschafft)

- Hohe Reaktionsgeschwindigkeit

- Robustheit auch bei hartem Einsatz

Nachteile:

- Hohes Gewicht (außer man verwendet nur ein einziges Objektiv). Ich schleppe bei meinen Exkursionen manchmal mehrere Fototaschen mit mir herum.

- Hohe bis sehr hohe Kosten

SENSOREN

Digitale Sensoren unterscheiden sich grundsätzlich durch ihre Größe. Einfach gesagt, sind Empfindlichkeit, Dynamikumfang (Bereich zwischen den hellsten und den dunkelsten Bildpartien, den der Sensor maximal wiedergeben kann) und die allgemeine Qualität der Abbildung (Farbe, Körnigkeit usw.) umso höher, je größer der Sensor ist. Außerdem wird die Schärfentiefe bei gleichem Blendenwert mit zunehmender Sensorgröße immer geringer. Handelsübliche Sensoren lassen sich in folgende allgemeine Gruppen einteilen (in absteigender Größe):

Mittelformat: Wie der Name schon sagt, ist dies der größte Sensor der hier genannten Kategorien. Die genauen Abmessungen der lichtempfindlichen Flächen variieren, liegen aber bei Digitalkameras etwa bei 3 × 5 cm, beispielsweise 44 × 33 mm bei der Pentax 645D und 36,7 × 49,1 mm bei der Hasselblad H5D. Diese Kameras liefern ganz ohne Zweifel die allerbeste Bildqualität, kosten allerdings auch am meisten (8000 Euro aufwärts ohne Objektiv).

Vollformat: Ein Vollformatsensor hat genau die gleiche Größe wie ein Normalfilm (135er-Film) in der analogen Kleinbildfotografie. Mit seiner großen lichtempfindlichen Fläche von exakt 24 × 36 mm liefert dieser Sensor in allen Situationen gute Ergebnisse. Bildqualität, Empfindlichkeit und Dynamikumfang sind überragend.

APS-C-Format: Der APS-C-Sensor hat die gleiche Größe wie der sogenannte »APS-Film«. In der Digitalfotografie schwanken die Abmessungen jedoch von Marke zu Marke deutlich. Zu beachten ist, dass ein APS-C-Sensor die Abbildung im Vergleich zum Vollformatsensor vergrößert, beispielsweise um das 1,5-Fache bei Nikon, Sony, Pentax usw. Im Vergleich zu einem 24 × 36 mm großen Sensor würde ein APS-C-Sensor ein Motiv bei gleichem Aufnahmeabstand also 1,5-mal größer darstellen (eine Brennweite von 50 mm entspricht somit 75 mm im APS-C-Format). APS-C-Sensoren bieten etwas weniger Leistung als das Vollformat, liefern jedoch in allen Anwendungsbereichen immer noch eine sehr gute Bildqualität.

Micro FourThirds-Format: Dieser Sensortyp ist noch relativ neu auf dem Markt und findet sich häufig in kleineren, leichteren Kameras, beispielsweise in spiegellosen Systemkameras. Die Sensoren sind etwas kleiner als das APS-C-Format, bleiben aber in puncto Bildqualität nur leicht dahinter zurück (die Leistung schwankt je nach Marke, Kameramodell usw.).

Objektive

Wenn Sie sich für ein System mit Wechselobjektiven entschieden haben, stehen Ihnen zahlreiche Möglichkeiten zur Verfügung, denn alle Kamerahersteller warten mit einer Fülle von Lösungen auf. Um sich die Entscheidung zu erleichtern, sollte man vor dem Kauf die Unterschiede zwischen den angebotenen Produkten kennen. Brennweite und Lichtstärke – das sind die beiden Größen, die die eindeutige Kennzeichnung von Objektiven ermöglichen.

- Brennweite: Rein optisch geht es um eine Entfernung; daher wird die Brennweite eines Objektivs in Millimetern angegeben. Genauer bedeutet die Brennweite den Abstand zwischen der Hauptebene der Optik (dabei handelt es sich meistens um die Frontlinse) und dem Fokus (Brennpunkt). Je nach Brennweite verändert sich der Bildwinkel (er wird in Grad angegeben und bezeichnet den Bereich des Sichtfeldes, den der Sensor durch das Objektiv hindurch erfassen kann). Einfach gesagt, wird der Bildwinkel mit zunehmender Brennweite immer kleiner, und entfernt gelegene Objekte erscheinen immer größer. So gilt eine Optik mit einer Brennweite von 24 mm als Weitwinkelobjektiv; sie kommt beispielsweise in der Landschaftsfotografie zum Einsatz. Bei 300 mm befinden wir uns dagegen im Telebereich: Mit diesen Objektiven lassen sich entfernte Objekte nah heranholen – besonders hilfreich in der Tier- und Sportfotografie.

Größen der unterschiedlichen Sensoren von Digitalkameras

- Lichtstärke: Die maximale Öffnung ist eine der grundlegenden Eigenschaften einer Optik. Alle Objektive verfügen über eine Blende, die je nach den kreativen Absichten des Fotografen mehr oder weniger stark geschlossen wird, damit mehr oder weniger Licht auf den Sensor trifft. Die unterschiedlichen, auf dem Markt erhältlichen Objektive haben verschiedene Charakteristiken. Die wichtigste Eigenschaft ist die Lichtstärke eines Objektivs, d. h. die maximale Öffnung des Objektivs im Verhältnis zur Brennweite bzw. das Öffnungsverhältnis. Dieser Wert ist in der Regel auf dem Objektivtubus angegeben, beispielsweise mit »1:2,8« oder »f/2,8« (2,8 ist in diesem Fall die größte Öffnung des Objektivs) neben der Brennweite. Als Faustregel kann man davon ausgehen, dass lichtstärkere Objektive teurer sind als weniger lichtstarke; es gibt jedoch auch Ausnahmen (beispielsweise Optiken mit 50 mm und entsprechenden Brennweiten).

Schematische Darstellung der Brennweite

Sowohl Brennweite als auch Lichtstärke sind immer auf dem Objektiv angegeben.

Bei der Auswahl des Objektivs stehen Sie außerdem vor einem Dilemma, für das es keine einfache Lösung gibt. Objektive lassen sich nämlich in zwei große Kategorien einteilen:

- Festbrennweiten: Wie der Name schon sagt, haben diese Objektive nur eine einzige feste Brennweite. Der Bildwinkel bleibt also immer gleich; der Vorteil dieser Optiken liegt in der hervorragenden Bildqualität. Außerdem punkten sie durch höhere Lichtstärke (beispielsweise f/1,4 oder f/1,8). Wie bereits angesprochen, ist eine große maximale Öffnung bei schwachem Licht und/oder zur Freistellung des Motivs (in der minimalistischen Fotografie häufig erwünscht) von Vorteil. Leider sind diese Optiken meist auch am teuersten. Wenn Sie nicht so viel ausgeben möchten, empfehle ich Ihnen eine 35-mm-Brennweite für das APS-C-Format (siehe Abschnitt »Sensoren«) oder 50 mm für das Vollformat; den Kauf solcher Objektive, die etwa 100 Euro kosten, werden Sie nicht bereuen.

- Zoomobjektive: Ihre Besonderheit ist die stufenlos vom Benutzer verstellbare Brennweite. Sind Sie beispielsweise Besitzer eines 16-85-mm-Zooms, können Sie alle Brennweiten zwischen einer Weitwinkel-(16 mm) und einer schwachen Teleeinstellung (85 mm) auswählen. Natürlich ist das sehr praktisch und viel flexibler als die Arbeit mit einer Festbrennweite. Die Lichtstärke eines Zoomobjektivs fällt allerdings häufig eher gering aus (die lichtstärksten haben eine maximale Öffnung von f/2,8) und schwankt je nach Brennweite. Bei den teureren Modellen bleibt die Lichtstärke unabhängig von der eingestellten Brennweite immer gleich. Allerdings kann man problemlos über 1000 Euro für ein solches Objektiv ausgeben und auch noch deutlich mehr.

Die Entscheidung für die eine oder andere Objektivkategorie fällt nicht immer leicht. Viele Fotografen kaufen sich daher beides: Neben einer oder mehreren Festbrennweiten besitzen sie auch noch ein oder mehrere Zoomobjektive. Wenn die Anschaffung mehrerer Objektive Ihr Budget sprengt, würde ich Ihnen zunächst zu einem Zoom raten (als Erstobjektiv), weil es Ihnen die größte Flexibilität bietet. Trotzdem lohnt sich aber auch der spätere Kauf einer Festbrennweite (beispielsweise 50 mm), denn sie fördert das kreative Arbeiten: Bei der Suche nach dem besten Blickwinkel kann man nicht auf den Zoom zurückgreifen und muss den Standort verändern. Auf diese Weise findet man manchmal Motive, die man bei Verwendung eines Zooms übersehen hätte.

Das Stativ

Da es in diesem Buch nicht in erster Linie um die Ausrüstung geht, kann ich an dieser Stelle nicht alle auf dem Markt erhältlichen fotografischen Geräte und Hilfsmittel aufzählen. Wenn ich Ihnen jedoch ein wirklich nützliches Zubehör ans Herz legen sollte, dann wäre das ein Stativ zur Stabilisierung der Kamera.

Bei diesem Bild wollte ich die Wellen leicht unscharf wiedergeben, aber die Wasserfläche sollte nicht völlig glatt erscheinen. Ich entschied mich daher für eine mittlere Belichtungszeit von 1/2 s. Diese Verschlusszeit mag auf den ersten Blick kurz erscheinen (weniger als eine Sekunde), aber es ist praktisch unmöglich, die Kamera während dieser Zeit komplett ruhig zu halten. Daher sollte man die Kamera bei dieser Art von Aufnahme auf einem Stativ befestigen.

28 mm, f/16, 1/2 s, 50 ISO, Nikon D800

Bei schwachem Licht und längeren Belichtungszeiten lassen sich auf diese Weise Verwacklungen vermeiden. Verwendet man ein Stativ, kann man die Belichtungszeiten auch weiter verlängern und dadurch interessante Effekte erzielen: Wie bereits oben angesprochen, erscheinen die bewegten Objekte der Szene vor dem Objektiv (z. B. Autos, Menschen oder Wasser) unscharf und die statischen Elemente scharf.

Meine Ausrüstung

Bevor ich genau beschreibe, welche Ausrüstung ich tagtäglich selbst benutze, möchte ich noch auf einen wichtigen Punkt hinweisen. Unter einem minimalistischen Ansatz kann man in der Fotografie meiner Ansicht nach zweierlei Dinge verstehen. Wir können grundsätzlich unterscheiden zwischen …

- einem Minimum an Mitteln: Dieser Ansatz betrifft Ihre Vorgehensweise beim Fotografieren. Dabei kann es sich um die verwendete Ausrüstung, um das Motiv und ganz allgemein um den Aufwand handeln, den Sie bei Ihren Aufnahmen betreiben möchten. Falls Sie beispielsweise eine Blume in Ihrem Garten mit Ihrem Smartphone fotografieren, so könnte dieser Ansatz sicherlich als minimalistisch gelten; wenn Sie dagegen nach Australien reisen, um dort schöne Frauen aufwändig inszeniert mit einer teuren Profiausrüstung zu fotografieren, dann würde man diese Arbeitsweise sicherlich nicht als minimalistisch bezeichnen.

- einem gestalterischen Minimum: Dabei geht es um die Art und Weise, wie Sie visuell an Ihr Motiv herangehen. Da dies das Hauptthema dieses Buches ist, möchte ich an dieser Stelle nicht weiter darauf eingehen; auf den folgenden Seiten werde ich mich noch sehr ausführlich damit beschäftigen.

Sie können sich bei Ihrem künstlerischen Ansatz frei für die eine oder andere dieser Vorgehensweisen entscheiden. Es ist aber auch nicht verboten, beide Prinzipien gleichzeitig anzuwenden. Ich gehe deshalb auf diese Unterschiede (minimalistische Mittel/minimalistisches Gestaltungsprinzip) ein, weil ich selbst eine professionelle Ausrüstung verwende. Für einen Vertreter des minimalistischen Stils betreibe ich also einen sehr hohen technischen Aufwand. Im Laufe der Zeit habe ich mir eine hochwertige Ausrüstung zugelegt, die meinen Anforderungen und Wünschen gerecht wird. Ich habe meine Ausrüstung immer weiter aufgestockt, damit ich bei Auftragsarbeiten und persönlichen künstlerischen Projekten für jede Situation gerüstet bin. Außerdem kommt es häufig vor, dass ich meine Bilder ausstelle und als großformatige Fine-Art-Prints verkaufe. Dazu braucht man eine gute Ausrüstung, denn die Bildqualität muss stimmen. Ich sehe (im Moment) also keinen Grund, warum ich meine fotografischen Mittel reduzieren sollte. Letzten Endes steht es jedem Einzelnen frei, sich eine Meinung zu diesem Thema zu bilden (siehe auch Kapitel 2: »Der Minimalismus aus meiner persönlichen Sicht«, Seite 32).

Ich habe mich für das Spiegelreflexsystem entschieden (als ich meine ersten Anschaffungen machte, waren die spiegellosen Systemkameras gerade erst auf den Markt gebracht worden und kamen deshalb damals für mich nicht infrage). Ich besitze zwei Kameras mit 24 × 36 mm-Sensoren (eine Nikon D750 und eine Nikon D800) und mehrere Objektive: 14 mm, 28 mm, 50 mm, 85 mm, 150 mm, 300 mm und ein 24–70-mm-Zoom. Mit dieser Ausrüstung bin ich für die meisten Situationen gewappnet. Allerdings spielen die verwendeten Geräte in der minimalistischen Fotografie sowieso meist eine eher untergeordnete Rolle, außer beispielsweise bei extrem schwachem Licht und generell in Situationen, in denen man die Blende besonders weit öffnen muss. Andererseits muss man aber auch erwähnen, dass eine hochwertige Ausrüstung dem Nutzer vielfältige kreative Möglichkeiten eröffnet. Wenn es Ihr Geldbeutel also zulässt, dann gönnen Sie sich etwas – Sie werden es nicht bereuen. Aber fangen Sie ruhig mit dem an, was Sie schon haben (Smartphone, Kompaktkamera, spiegellose Systemkamera, Einsteiger-SLR) – Hauptsache, Sie fotografieren und lassen Ihrer Kreativität freien Lauf.

Für diese Art von Aufnahme ist keine spezielle Ausrüstung notwendig. Ich hätte dieses Foto mit einer x-beliebigen Kamera aufnehmen können.

28 mm, f/8, 1/60 s, 50 ISO, Nikon D800

3Die Regeln der Komposition und die Kunst, dagegen zu verstoßen

Beim Fotografieren ist häufig Eile geboten. Ohne viel überlegen zu können, müssen wir die Einstellungen an der Kamera vornehmen und gleichzeitig den Ausschnitt wählen, also über die Anordnung der Elemente der Szene innerhalb der Grenzen des Suchers oder Monitors entscheiden. Um schnell zu reagieren, sollte man also gut mit der Kamera umgehen können; je mehr Übung man hat, desto schneller und intuitiver kann man seine Entscheidungen treffen. Die Kunst der Fotografie beruht zwar zu einem nicht unwesentlichen Teil auf Intuition, aber wir müssen uns auch systematisch bestimmte Handlungen aneignen, damit sie uns in Fleisch und Blut übergehen. Zum Glück gibt es da einige Grundregeln, an denen wir uns orientieren können.

Grundlagen der Komposition

Die Z-Leserichtung

Das menschliche Auge arbeitet nach bestimmten unbewussten Prinzipien, die der Künstler kennen und für seine Bilder nutzen sollte. Unsere Augen machen bei der Betrachtung einer Abbildung immer die gleiche Bewegung; sie ist in unserem Unterbewusstsein verwurzelt und eng mit unseren kulturellen Gepflogenheiten verbunden. Die Richtung, in der wir einen Text lesen, ist so tief in uns verankert, dass wir sie auf alles anwenden, was wir betrachten. Selbst wenn wir also nicht unbedingt sagen würden, dass wir ein Bild »lesen«, ist das eigentlich doch so. Zur Veranschaulichung spricht man von der »Z-Leserichtung«: Das Auge folgt bei der Betrachtung eines Fotos unbewusst einem Muster von links oben nach rechts unten.

Das Gesetz des Gleichgewichts

Alle auf einem Foto abgebildeten Bildelemente stehen in einem bestimmten Kräfteverhältnis zueinander: Sie haben ein Gewicht, das von der jeweils eingenommenen Fläche, aber auch von der Farbe, der Helligkeit, der Form usw. der Objekte bestimmt wird. Die Bildelemente und ihre Charakteristiken dienen als Ankerpunkte, auf denen das Auge bei der Betrachtung der Aufnahme ruhen kann. Die Anordnung dieser Ankerpunkte auf dem Foto entscheidet darüber, wie bildwichtig sie dem Betrachter erscheinen und wie er die Aufnahme folglich wahrnimmt. Die folgenden Aspekte (oder Eigenschaften) ziehen die bewusste oder unbewusste Aufmerksamkeit des Betrachters sofort auf sich:

- lebhafte Farben und warme Farbtöne;
- helle Bildpartien;
- Schärfe;
- die menschliche Gestalt;
- die Augen von Menschen oder Tieren.

Ein erfahrener Fotograf kennt diese Prinzipien und ordnet die Bildelemente seiner Aufnahme entsprechend an. Dabei kann er sich für eine perfekt ausgewogene Komposition entscheiden oder aber ein subtiles Ungleichgewicht herstellen. Kompositionen, die völlig aus dem Gleichgewicht geraten sind, empfindet man in der Regel als misslungen – das stimmt aber nicht immer, wie wir noch sehen werden (siehe »Die minimalistische Komposition« weiter unten).

Faustregel

Aus formaler Sicht sind die wichtigsten strukturbildenden Elemente eines Fotos die unterschiedlichen gebogenen und geraden Linien und die dazwischenliegenden Farbfelder (oder Grauschattierungen bei Schwarzweißbildern). In diesem Wirrwarr treten natürlich bestimmte Linien deutlicher hervor als andere, beispielsweise ein Straßenrand, eine Gebäudekante, die Horizontlinie usw.

Sie bilden das visuelle Gerüst der Aufnahme. Durch die geschickte Anordnung dieser unterschiedlichen Linien innerhalb des Bildes kann der Fotograf den Blick nun zusätzlich zu einer oder mehreren Bildpartien hinlenken, die er hervorheben will. Mithilfe von Fluchtlinien lässt sich außerdem auf einem zweidimensionalen Foto eine dreidimensionale Raumwirkung erzielen.

Wir tasten ein Foto immer in einer im Vorfeld festgelegten Richtung ab. In der westlichen Welt bewegen sich unsere Augen von links nach rechts, ähnlich wie beim Lesen eines Textes.

Diese Aufnahme zeigt einige Sträucher und ihre Spiegelungen im seichten Wasser. Die Komposition ist perfekt ausgewogen.

300 mm, f/8, 1/160 s, 500 ISO, –1,3 EV, Nikon D700

Obwohl es auf den ersten Blick vielleicht nicht so wirkt, herrschen auf diesem Bild ein Gleichgewicht und ein ausgewogenes Kräfteverhältnis zwischen den Bildelementen. Die beiden bildwichtigsten Objekte sind recht symmetrisch entlang einer vertikalen Achse verteilt: ein dunkles Boot im Gegenlicht und die naturgemäß hellere Sonne mit ihren warmen Farben. Ich erinnere daran, dass der Blick immer von warmen Farben und hellen Bereichen angezogen wird. Daher bildet die Sonne ein angemessenes Gegengewicht, obwohl das dunkle Boot mehr Raum auf der Aufnahme einnimmt.

150 mm, f/8, 1/640 s, 640 ISO, Nikon D750

Für dieses Bild ordnete ich die Linien (den Rand des Bootsanlegers) so an, dass der Blick des Betrachters zum Hauptmotiv gelenkt wird. Der Vogel (ein Kormoran) wirkt auf dem Foto sehr klein, aber alle anderen Bildelemente führen den Blick zu ihm hin.

85 mm, f/7, 1,6 s, 200 ISO, Nikon D800

Klar erkennbar als blickführende Linien sind hier die Eisenbahnschienen. Bei dieser Aufnahme habe ich sie genutzt, um eine Raumwirkung zu erzielen. Aufgrund der geringen Schärfentiefe wirkt das Motiv recht geheimnisvoll. Das Auge folgt den Geleisen ganz automatisch bis zum Horizont.

150 mm, f/3,2, 1/160 s, 640 ISO, Nikon D800

Der Goldene Schnitt

Der Goldene Schnitt ist ein sehr altes Harmoniegesetz, das bis weit in die Antike zurückreicht. Die Regel leitet sich von der Goldenen Zahl ab; dies ist eine irrationale Zahl, das heißt, sie lässt sich nicht als Bruch ganzer Zahlen darstellen. Die Goldene Zahl oder Phi (Φ) entspricht 1,6180339887 …; nach dem Komma folgen unendlich viele Zahlen.

Im 13. Jahrhundert suchte der Mathematiker Leonardo Pisano Fibonacci nach einer Lösung für eine Rechenaufgabe, die sich ungefähr folgendermaßen zusammenfassen lässt: »Ein am 1. Januar geborenes Kaninchenpaar produziert ab einem Lebensalter von zwei Monaten jeden Monat ein weiteres Kaninchenpaar. Die neuen Kaninchenpaare pflanzen sich ebenfalls nach dem gleichen Prinzip fort. Wie viele Kaninchen gibt es am 1. Januar des Folgejahrs, wenn man davon ausgeht, dass alle Kaninchen noch leben?« Zur Lösung der Aufgabe entwickelte Fibonacci die noch heute unter dem Namen Fibonacci-Folge bekannte Zahlenreihe, bei der die Summe der jeweils aufeinanderfolgenden Zahlen die unmittelbar darauffolgende Zahl ergibt, das heißt:

0; 1; 1 (0 + 1); 2 (1 + 1); 3 (2 + 1); 5 (3 + 2); 8; 13; 21; 34; 55; 89; 144 …

Mit dieser Zahlenfolge lässt sich jedoch nicht nur die Fortpflanzung von Kaninchen beschreiben, sondern die Zahlen weisen noch weitere außergewöhnliche mathematische Besonderheiten auf. Je weiter man in der Zahlenfolge fortschreitet, desto stärker ähnelt das Verhältnis von zwei aufeinanderfolgenden Fibonacci-Zahlen dem Verhältnis des Goldenen Schnitts, der Zahl Phi, das heißt:

1/1 = 1; 2/1 = 2; 3/2 = 1,5; 5/3 = 1,666666 …; 8/5 = 1,6; 13/8 = 1,625; 21/13 = 1,615348 …; 34/21 = 1,61904 …; 55/34 = 1,61764 …

Wenn man bei der 40. Zahl der Folge angekommen ist, nähert sich das Verhältnis mit einer Genauigkeit von 14 Stellen hinter dem Komma an die Goldene Zahl an.

Aber die Fibonacci-Folge findet sich erstaunlicherweise auch sehr häufig in der Natur wieder. Die Anzahl der Blütenblätter vieler Blumen entspricht beispielsweise einer der Zahlen der Folge. Das gilt für die Lilie (3 Blütenblätter), den Hahnenfuß (5 Blütenblätter), den Rittersporn (8 Blütenblätter), die Ringelblume (13 Blütenblätter) usw. Auch die Form und Verteilung der Blätter von Bäumen oder die Proportionen unterschiedlichster Lebewesen scheinen analogen mathematischen Regeln zu unterliegen. Schon seit vielen Jahrhunderten halten sich Maler und Bildhauer intuitiv oder ganz bewusst an den Goldenen Schnitt; das Teilungsverhältnis hatten die Künstler ursprünglich bei ihren aufmerksamen Beobachtungen der Natur erkannt. Sie gingen davon aus, dass eine Anwendung des Gestaltungsprinzips auf Malerei und Architektur zu Proportionen führen würde, die als nahezu perfekt empfunden werden. Das Teilungsverhältnis erhielt sogar die Bezeichnung »proportio divina« oder »göttliche Proportion«.

Um das Prinzip auf die bildende Kunst und die Fotografie anzuwenden, muss man die Fibonacci-Folge in eine geometrische Form übertragen: Zur Erstellung eines Goldenen Rechtecks zeichnet man zunächst ein Quadrat (1) und daneben ein identisches weiteres Quadrat (1). An diese beiden ersten Quadrate fügt man ein Rechteck (2) an etc. (3, 5, 8, 13, 21 …). Zeichnet man nun in jedes entstandene Rechteck einen Viertelkreis ein, erhält man eine Goldene Spirale. Mithilfe dieses Schemas lässt sich der Ausschnitt in sechs Bereiche unterteilen. Die daraus resultierenden Proportionen galten in der Antike als besonders ästhetisch. In der Fotografie (und in allen anderen zweidimensionalen Darstellungsformen) wird eine Komposition als harmonisch empfunden, wenn das Hauptmotiv der Abbildung auf einem der vier Schnittpunkte des mittigen Rechtecks liegt. Die Diagonalen, die von den Ecken dieses Schaubilds ausgehen, sind Kraftlinien, die die Anordnung des Hauptmotivs und der Bildelemente der Komposition erleichtern.

Die Proportionen des Goldenen Schnitts

Das Harmoniegesetz des Goldenen Schnitts verdient zwar Beachtung, schränkt die Flexibilität des Fotografen aber auch ein und kann unpraktisch sein. Erstens entsprechen die herkömmlichen Seitenverhältnisse von Fotos nicht genau den Proportionen des Goldenen Schnitts (obwohl sie natürlich daran angelehnt sind). Zweitens fällt die Visualisierung der Unterteilung der Aufnahme nach diesem Prinzip beim Fotografieren schwer. Der Goldene Schnitt lässt sich viel leichter in der Malerei anwenden, weil den Künstlern einfach mehr Zeit bleibt. Da die Fotografie intuitiver und spontaner abläuft, brauchen wir hier eine einfachere Methode.

Dieses Foto zeigt eine kleine Kapelle auf einer Insel in einem See im Mittelgebirge. Bei der Komposition wurden die Proportionen des Goldenen Schnitts eingehalten. Randbemerkung: Für mich ist dieses Bild kein Beispiel für einen minimalistischen Ansatz.

50 mm, f/8, 1/100 s, 500 ISO, Nikon D750

Die Drittelregel

Um eine simplere, intuitivere Gestaltungshilfe zu entwickeln, vereinfachte man die Regel des Goldenen Schnitts. Das Rechteck, das den fotografischen Ausschnitt repräsentiert, wird sowohl der Länge als auch der Breite nach in drei gleiche Teile unterteilt: Zwei vertikale und zwei horizontale Geraden schneiden sich an vier Schnittpunkten. Nach der Methode der Bilddrittelung liegen an diesen Schnittstellen die vier Kraftpunkte der Aufnahme. In diesen Bereichen sollte daher das Hauptmotiv des Fotos bevorzugt angeordnet sein. Die Kraftpunkte der Bildaufteilung nach der Drittelregel und nach dem Goldenen Schnitt liegen – mit leichten Abweichungen – an ähnlichen Stellen.

Die Drittelregel

Die Drittelregel lässt sich um ein Vielfaches leichter umsetzen und an unterschiedliche Seitenverhältnisse anpassen (quadratisches und rechteckiges Format, Panoramaformat) als der Goldene Schnitt. Eine solche Unterteilung des Ausschnitts kann man sich auch viel leichter vor seinem geistigen Auge vorstellen als die Proportionen des Goldenen Schnitts. Außerdem zeigen viele moderne Fotokameras als Gestaltungshilfe ein entsprechendes Raster auf dem Monitor oder im Sucher an. Dank der Drittelregel braucht man beim Fotografieren keine komplizierten mathematischen Formeln mehr.

Bei diesem Foto eines Bonsai-Bäumchens im »Zen-Stil« ordnete ich das Hauptmotiv (das Geäst des Bäumchens) nach der Drittelregel an. Diese Unterteilung der Abbildung lässt sich relativ leicht umsetzen.

28 mm, f/10, 10 s, 50 ISO, Nikon D750

»Klassische« Fehler

Die gerade beschriebenen Grundsätze und Methoden gelten als die klassischen Kompositionsregeln – ich möchte jedoch in aller Deutlichkeit darauf hinweisen, dass es sich dabei um Kompositionshilfen für fotografische Neulinge handelt. Analog dazu gibt es natürlich auch die »klassischen« Fehler, die es zu vermeiden gilt, will man die Aufnahme nicht verderben:

- Unausgewogene Komposition: Es existiert kein visuelles Gegengewicht innerhalb der Komposition und kein Gleichgewicht (siehe vorherigen Abschnitt).

- Mittige Anordnung des Motivs: Es wird nicht der gesamte Bildraum genutzt. 99 % der Anfänger machen diesen Fehler; sie platzieren den gewünschten Aufnahmegegenstand in der Mitte des Bildes, weil sie die fotografische Gelegenheit auf keinen Fall verpassen wollen.

- Anordnung des Motivs am Bildrand: Auch ein zu nah an den Rand der Aufnahme gedrängtes Hauptmotiv liegt zu weit von den Kraftpunkten (Drittelregel) entfernt, sodass der Blick am Rand der Aufnahme »hängen« bleibt.

- Schräger Horizont: Wenn die Horizontlinie nicht absolut gerade verläuft, wirkt das häufig störend auf den Betrachter oder verursacht sogar Unbehagen.

Die minimalistische Komposition

Annäherung an einen minimalistischen Ansatz

Ich habe die konventionellen Regeln der fotografischen Komposition weiter oben so ausführlich beschrieben, weil es meiner Ansicht nach unverzichtbar ist, sie zu kennen – wenn man entscheidet, sie nicht zu befolgen, dann muss man unbedingt wissen, warum. In der minimalistischen Fotografie (und im Übrigen auch in der Fotografie im Allgemeinen) ist man nämlich nicht gezwungen, diese Regeln einzuhalten.

Es kann eine interessante Erfahrung sein, sich aus einem zu engen Korsett aus klassischen Regeln zu befreien. Aber bitte nichts überstürzen: Das Erlernte muss sich in der Fotografie erst verfestigen. Daher empfehle ich Ihnen, nicht sofort zu versuchen, die gerade erlernten Regeln wieder über Bord zu werfen. Meiner Ansicht nach bringt es mehr, diese Prinzipien erst eine gewisse Zeit lang einzuüben, damit man sie ganz verinnerlicht; erst danach weiß man wirklich, was ein Regelverstoß bedeutet. Natürlich kann ich Sie nicht daran hindern, ein paar Stufen in diesem Prozess zu überspringen, denn Sie allein entscheiden über Ihre Entwicklung; es ist sicher nicht völlig ausgeschlossen, ohne jede Vorbereitung und Übung gleich in einen bestimmten fotografischen Stil einzusteigen.

Zur Veranschaulichung greife ich die sogenannten klassischen Fehler, die ich oben angesprochen habe, an dieser Stelle wieder auf und zeige Ihnen, dass sie nicht automatisch zu einem schlechten Foto führen müssen (immer bezogen auf einen minimalistischen Ansatz).

- Unausgewogene Komposition: Eine Aufnahme kann auch dann als geglückt gelten, wenn es kein Gegengewicht (ein oder mehrere untergeordnete Bildelemente) zum Hauptmotiv gibt. Ein solches Ungleichgewicht bringt häufig originellere Fotos hervor, die die Sehgewohnheiten des Betrachters auf den Kopf stellen.

- Mittige Anordnung: Ein Foto kann trotz Anordnung des Hauptmotivs in der Bildmitte gelingen, wenn man beispielsweise dadurch eine Symmetrie betont oder auf Unterschiede (von Formen, Farben usw.) in der Umgebung des Motivs hinweist.

- Anordnung des Motivs am Bildrand: Ein Motiv lässt sich auch wirkungsvoll am Rand des Fotos positionieren (achten Sie aber trotzdem darauf, es nicht abzuschneiden). In diesem Fall gilt natürlich, dass die Umgebung umso mehr Raum einnimmt, je kleiner Ihr Motiv auf dem Bild erscheint. In diesem Zusammenhang muss man darauf achten, dass die Richtung stimmt: Wenn Sie beispielsweise jemanden fotografieren, der zum Bildrand hinschaut, entsteht ein ganz anderer Effekt als bei umgekehrter Blickrichtung.

- Schräger Horizont: Auch die Horizontlinie muss nicht unbedingt perfekt gerade sein. Wenn Sie sich für einen schrägen Horizont entscheiden, sollten Sie jedoch keine halben Sachen machen.

Der Baum, den ich hier fotografierte, hat kein visuelles Gegengewicht auf der Aufnahme. Aber trotzdem werden Sie das Bild wahrscheinlich gelungen finden. Wenn man dieses Motiv auf konventionelle Art und Weise angehen wollte, müsste man den Baum entweder formatfüllend abbilden oder noch andere Elemente mit ins Bild rücken.

28 mm, f/3,2, 1/125 s, 100 ISO, Nikon D800

Dies ist ein Beispiel für eine mittige Komposition. Ich wollte unterschiedliche einfache Formen ins Bild rücken, wie beispielsweise Kreise und Vierecke. Durch die zentrale Anordnung der Bildelemente konnte ich die Symmetrie dieses Motivs betonen.

50 mm, f/10, 1/200 s, 720 ISO, Nikon D700

Ich entschied mich hier für eine Aufteilung des Fotos in zwei nahezu gleich große Teile. Im unteren Bereich sieht man das Meer, die obere Bildpartie zeigt den Himmel. Zwei Männer im Gegenlicht, vorne in einem Motorboot stehend, scheinen die riesige Wasserfläche vor ihnen zu betrachten. Um diesen Eindruck zu verstärken, positionierte ich das Boot ganz am Rand der Aufnahme.

300 mm, f/10, 1/1250 s, 100 ISO, –2 EV, Nikon D800

Bei dieser Komposition rückte ich eine schräge Linie ins Bild. Mit der vertikalen Straßenlaterne glich ich diese Diagonalität zum Teil wieder aus. Die Szene scheint gegen jedes Naturgesetz zu verstoßen, was mir aber ganz gut gefällt.

50 mm, f/9, 1/320 s, 100 ISO, Nikon D800

Reine Stilsache

Beim Lesen der Beschreibungen auf den vorangehenden Seiten haben Sie sicherlich schon gemerkt, dass es Wunschdenken ist, eine »minimalistische Komposition« definieren zu wollen. Eigentlich gibt es keine wirklichen Vorgaben für die Aufnahme solcher Fotos, wenn man einmal von der Regel der Einfachheit absieht. Stattdessen geht es einzig und allein um einen fotografischen Stil. Meiner Ansicht nach gelangt man vor allem auf drei Wegen zu einer minimalistischen Aufnahme:

1. Vereinfachung der Komposition. Bei diesem Ansatz reduziert man die Anzahl der Bildelemente der Aufnahme auf ein Minimum. Häufig reicht bereits ein einziger Bestandteil für eine gelungene Aufnahme aus. Die restliche Abbildung sollte dann aus einer relativ homogenen Struktur bestehen wie dem Himmel, dem Meer, der Wüste, einer Mauer usw. (Je nach Ihrer kreativen Absicht und ursprünglichen Idee können Sie jedoch natürlich auch zwei oder drei Elemente ins Bild rücken.) Diese Art von Aufnahme entspricht der landläufigen Vorstellung davon am ehesten, was Minimalismus in der Fotografie bedeutet. Solche Bilder erwecken häufig einen Eindruck von Ruhe und friedlicher Gelassenheit.

Bei diesem Bild ist das einzige Bildelement auch gleichzeitig das Hauptmotiv der Komposition. Das Foto zeigt einen regungslosen Schwan, auf den der Regen herabprasselt. Die Wasserfläche bildet eine einheitliche Struktur. Daraus resultierte ein aufs Wesentliche reduziertes Ergebnis in einem schlichten Zen-Stil.

420 mm, f/5,6, 1/250 s, 400 ISO, Nikon D700

2. Wiederholung von Formen. Parallel zum vorangehenden Stil gibt es den Ansatz, Wiederholungen des gleichen Bildelements formatfüllend abzubilden. In seinem Buch Minimum erklärte auch John Pawson, dass Kompositionen, die auf Wiederholungen beruhen, vereinfachend wirken.

Diese Innenwand fotografierte ich im »Espace des Sciences« in Rennes. In der Eingangshalle fielen mir die sich wiederholenden Muster dieser rautenförmigen Platten als potenzielles Fotomotiv ins Auge. Ich entschied mich für eine Aufnahme von unten nach oben, um dem Motiv eine Raumwirkung zu geben.

50 mm, f/10, 1/200 s, 720 ISO, Nikon D700

3. Abstraktion. Eine Aufnahme gilt als »abstrakt«, wenn der Betrachter nur schwer erkennen kann, um was es sich beim jeweiligen Motiv handelt. Er kann sich also nicht auf seine eigene Wahrnehmung verlassen. Bei dieser Art von Foto versucht man nicht die Realität wahrheitsgemäß abzubilden, sondern bedient sich ihrer, um eine neue Wirklichkeit zu schaffen. Wenn sich der Betrachter darauf einlässt, kann der Fotograf die eigene Kreativität ausleben und sich beispielsweise auf einfache Formen oder Wiederholungen von Farben konzentrieren, um beim Betrachter Emotionen zu wecken.

Dieses Foto zeigt die Spiegelung einer Brücke im Wasser eines Flusses. Interessiert hat mich hier die Verteilung der hellen und dunklen Partien. Ohne Anhaltspunkte fragt sich der Betrachter, was er hier vor sich hat. Er kann Vermutungen anstellen, ist jedoch auf die Hilfe des Künstlers angewiesen (der beispielsweise mit einem Titel Antworten geben kann). So wird der Betrachter dazu angehalten, sich von der wahren Natur des Motivs zu lösen und einen »Blick« dahinter zu werfen.

70 mm, f/8, 1/200 s, 800 ISO, Nikon D750

Diese Stile lassen sich natürlich auch miteinander kombinieren. Sie können zum Beispiel die Komposition aufs Wesentliche reduzieren und gleichzeitig Wiederholungen von Formen ins Bild rücken, die dann als einheitliche Struktur dienen. Und Abstraktionen entstehen manchmal beispielsweise auch dann, wenn Sie Wiederholungen von Formen fotografieren. Es gibt noch viele weitere Möglichkeiten, minimalistisch wirkende Bilder aufzunehmen. Nutzen Sie Ihre Chancen – bei dieser Art von Fotografie sind dem Fotografen keine Grenzen gesetzt.

Bei diesen Aufnahmen stand ich oben auf einem Turm. Mein Blick fiel sofort auf die Muster, die von den Pflastersteinen auf dem Platz unter mir gebildet wurden. Damit war ich aber noch nicht zufrieden; ich entschied mich für eine Vermischung zweier Stile, indem ich einige Personen (und ihre Regenschirme) mit ins Bild rückte, um die Wiederholungen absichtlich zu unterbrechen.

85 mm, f/4, 1/125 s, 100 ISO, Nikon D800

Aber ganz gleich, für welchen dieser Stile Sie sich entscheiden: Im Vordergrund sollte doch immer eine möglichst einfache Darstellung der Wirklichkeit stehen. An dieser Stelle möchte ich meine Definition aus dem ersten Kapitel dieses Buches noch einmal wiederholen: »Ein Foto kann als minimalistisch gelten, wenn der Fotograf mit der Absicht der Vereinfachung alles Überflüssige ausschließt und nur das Wesentliche ins Bild rückt.«

85 mm, f/4, 1/160 s, 100 ISO, Nikon D800

Der Minimalismus aus meiner persönlichen Sicht

Ich möchte noch etwas ausführlicher erklären, was ich selbst unter Minimalismus verstehe. In diesem Buch versuche ich zwar so viele unterschiedliche Beispiele wie möglich zu zeigen, aber die Entscheidung, was ein minimalistisches Bild ist und was nicht, bleibt doch immer subjektiv. Meine Tipps und Empfehlungen können also immer nur Orientierungshilfe sein. Stattdessen rate ich Ihnen, sich Ihre eigene Meinung zu bilden, wenn Sie meine Fotos kritisch betrachten. Auch die Fotos in Büchern und auf Ausstellungen anderer Fotografen sind hilfreich, um herauszufinden, was Ihnen gefällt und was nicht. Außerdem lege ich Ihnen ans Herz, Kapitel 5 sorgfältig zu lesen. Dort schildern andere anerkannte Fotografen, was sie unter einem minimalistischen Ansatz verstehen.

Eng mit meinem eigenen minimalistischen Ansatz verknüpft ist die Art und Weise, wie ich die Welt um mich herum wahrnehme. Meiner Ansicht nach ist es nämlich viel schwieriger, alltägliche Szenen zu fotografieren als exotische Motive. Auf Reisen finden wir meist ein fotogenes Motiv nach dem anderen, denn wir lassen uns von der neuen Umgebung schnell inspirieren. Weitaus schwerer fällt es dagegen, unsere alltägliche Umgebung immer wieder fotografisch neu zu erfinden. Dieser Ansatz bringt jedoch meiner Ansicht nach viel mehr. Die Bilder in diesem Buch zeigen also meist Motive aus meiner unmittelbaren Umgebung (ich habe Glück, denn ich wohne in der französischen Provence, einer Region, in der es viele Kontraste gibt). Das Spannende an der Fotografie besteht für mich in der Möglichkeit, meine Sichtweise mit anderen Menschen zu teilen. Das Fotografieren ist meine persönliche Rechtfertigung, die Welt um mich herum in aller Ruhe zu beobachten und dann auf meine ganz persönliche Weise zu zeigen, was ich überraschend, ungewöhnlich oder bewegend finde. Im Laufe der Zeit habe ich Geschmack an der Einfachheit gefunden. Seither halte ich Ausschau nach einfachen Formen und versuche, die Quintessenz meiner Umgebung auf den Bildern festzuhalten.

Dieses Bild veranschaulicht meine Sicht des Minimalismus. Bei einer Autofahrt an einem kalten Wintermorgen fiel mir das fantastische Umgebungslicht auf. Ich hielt an einem Rastplatz an, um die Lichtstimmung einzufangen und diesen Picknicktisch zu fotografieren. Das recht ungewöhnliche Sujet macht deutlich, dass man Fotomotive wirklich überall finden kann.

50 mm, f/2,2, 1/4000 s, 200 ISO, Nikon D700

Der Ablauf

Eine im Vorfeld festgelegte Vorgehensweise ist meiner Ansicht nach eine nützliche Orientierungshilfe, wenn bestimmte Entscheidungen getroffen werden müssen, die die Qualität des Ergebnisses beeinflussen. Daher möchte ich Ihnen einen Ablauf vorschlagen, einen Leitfaden sozusagen, der bei der Entwicklung von minimalistischen Aufnahmen helfen kann (diese Technik hilft übrigens auch in allen anderen Genres der Fotografie weiter).

1. Ideensuche: Ohne Idee kein Foto, das ist klar. Zunächst muss man sich bewusst machen, was und wie man fotografieren möchte: Wollen Sie sich auf die Lichtverhältnisse in einer Landschaft, auf die Strukturen eines Gegenstands oder auf die grafischen Aspekte einer Straßenszene konzentrieren? Dieser Arbeitsschritt mag selbstverständlich scheinen, aber die Sache ist nicht so einfach, wie sie scheint. Anders gesagt geht es in dieser Phase um die Anfänge einer »Inspiration«.

2. Festlegung des Motivs: Das Motiv ergibt sich unmittelbar aus Ihrer Inspiration. Im ersten Schritt, der Ideensuche, legen Sie fest, was Sie gerne fotografieren möchten. Im zweiten Schritt wählen Sie ein Motiv aus, denken also über den Schwerpunkt der Komposition nach. Beispielsweise wäre die Entscheidung, eine Landschaft zu fotografieren, die Idee. In dieser Landschaft gibt es sicherlich viel zu entdecken: einen Baum im Vordergrund, ein verloren wirkendes Häuschen in einem Tal, Berge im Hintergrund, einen Himmel in besonders schönen Farben usw. Wenn man eine Antwort auf die Frage findet, was man denn eigentlich zum Ausdruck bringen möchte, legt man dadurch das Thema der Aufnahme fest.

3. Ein erster Entwurf: Darunter verstehe ich die Festlegung einer Reihe von Variablen, die die Aufnahme des Fotos betreffen. Diese Phase folgt auf die ersten beiden Arbeitsschritte. Dabei geht es nicht nur um die Einstellungen Ihrer Kamera (Blende, Verschlusszeit, Empfindlichkeit), sondern auch um die Entscheidung, wie Sie das Motiv darstellen möchten. Sie müssen beispielsweise Bildwinkel (Weitwinkel-, Tele- oder Nahaufnahme), Perspektive (in Augenhöhe, von oben oder unten) und Ausschnitt (welche Elemente ins Bild gerückt werden sollen und welche nicht) wählen.

4. Unterschiedliche Kompositionen: Manchmal gelingt ein Foto auf Anhieb, aber dafür gibt es leider keine Garantie. Daher empfehle ich Ihnen, mit unterschiedlichen Kompositionen zu experimentieren. Vielleicht bietet sich ein originellerer Blickwinkel an oder Sie können von einer Weitwinkel- zu einer Nahaufnahme wechseln oder noch mehr Elemente weglassen usw. So haben Sie die Möglichkeit, am Kameramonitor oder später am PC in aller Ruhe eine Auswahl aus den aufgenommenen Bildern zu treffen.

Am Ende dieses Kapitels möchte ich Ihnen vier Fotos zeigen, die den gerade beschriebenen Ablauf sehr gut veranschaulichen.

Bei einem Spaziergang auf einer Landstraße fiel mir diese Kuh auf, die neugieriger schien als die anderen; ich wollte sie gerne fotografieren. Dieses Bild finde ich langweilig: Der Ausschnitt ist schlecht gewählt und das Tier wird teilweise von einem Pfosten verdeckt. Mit dieser Art von Foto kann man bestenfalls zum Ausdruck bringen: »Ich war hier«, oder: »Schau mal, neulich hab ich eine schöne Kuh gesehen!« Solche Bilder haben natürlich auch ihre Berechtigung, denn das Festhalten von Eindrücken und Erlebnissen gehört zu den Hauptaufgaben der Fotografie.

50 mm, f/3,2, 1/640 s, 100 ISO, Nikon D750

Bei diesem zweiten Versuch ging ich näher an mein Motiv heran und bezog den Stacheldrahtzaun mit ein. Ich ordnete die Drähte des Zauns so an, dass sie den Ausschnitt in vier fast gleiche Teile unterteilten. Das Ergebnis ist schon viel besser, aber es zeigt immer noch übermäßig viele Bildelemente. Vor allem die deutlich erkennbaren Gräser und das Feld im Hintergrund wirken störend.

50 mm, f/2,2, 1/1250 s, 100 ISO, Nikon D750

Zur weiteren Vereinfachung entschied ich mich für einen ausgefalleneren Blickwinkel von unten. Diese Komposition ist gelungener: Die Aufnahme zeigt nur die Kuh hinter dem Stacheldrahtzaun ohne jedes weitere Bildelement. Die einheitliche Aufteilung der Aufnahme durch die Drähte fand ich nun nicht mehr wichtig. Wenn ich jedoch das Bild auf der nächsten Seite nicht aufgenommen hätte, dann wäre dieses Foto nicht in diesem Buch (oder anderswo) gezeigt worden: Es ist zwar besser als die vorherigen, aber der Blickwinkel ist weder originell noch sonderlich interessant.

50 mm, f/2,2, 1/2500 s, 100 ISO, Nikon D750

Ich überlegte also noch weiter, wie ich mein Foto verbessern könnte. Die letztendliche Komposition ergab sich, als das Tier den Kopf senkte, um zu grasen. Mir schoss der Gedanke durch den Kopf, dass man eine Kuh ja auch allein an ihrem Fell erkennt. Durch diesen Ausschnitt bekam das Foto sofort eine andere Symbolik: Die Kuh hat keine Persönlichkeit mehr (man sieht weder Augen noch Kopf), sondern sie steht für ein Produkt, das man hinter einem Zaun abstellt … und wenn die Zeit gekommen ist, dann isst man dieses Produkt auf.

50 mm, f/2,5, 1/2500 s, 100 ISO, Nikon D750

4Minimalismus in der Praxis

In diesem Kapitel werden wir sehen, dass der minimalistische Stil in jedem Genre der Fotografie erfolgreich umgesetzt werden kann. Auf den nun folgenden Seiten möchte ich Ihnen Beispiele dafür zeigen, was mit einer einfachen, aber ausdrucksstarken Bildsprache möglich ist. Allerdings sollten Sie die Flinte nicht ins Korn werfen, wenn Ihre Resultate nicht sofort Ihren Erwartungen entsprechen. Die Fotografie liefert zwar schnelle Ergebnisse, aber manchmal muss man trotzdem lange auf Erfolge warten. Das kann frustrierend sein und die Selbstzweifel schüren. Aber nur wenn man hohe Ansprüche an sich selbst stellt, kommt man wirklich voran. Bei dieser Art der Fotografie muss man die Welt ständig mit neuen Augen sehen. Am schwierigsten ist es wahrscheinlich, mit den eigenen Aufnahmen eine Aussage zu treffen. Ihre Fotos mögen so minimalistisch wie nur möglich sein, aber wenn Sie damit nichts aussagen wollen, dann funktioniert der Ansatz nicht.

Landschaften

Die Landschaftsfotografie ist sicherlich das beliebteste Genre überhaupt. Anders als es auf den ersten Blick scheint, ist dieses Spezialgebiet aber auch eines der schwierigsten. Doch jetzt die gute Nachricht: In der Landschaftsfotografie hat man viel Zeit, um Einstellungen und Ausschnitt in aller Ruhe auszuwählen. Das ist in unserer Kunst, in der alles eine Frage von Sekunden oder Sekundenbruchteilen ist, ein seltener Luxus, den Sie sich unbedingt gönnen sollten.

Die konventionelle Landschaftsdarstellung

In der Kunst bezeichnete der Begriff »Landschaft« ursprünglich die Darstellung eines Ausschnitts aus dem Naturraum. Maler halten schon seit langer Zeit Landschaften im Bild fest, und die Fotografie reiht sich in diese Tradition ein. Das ästhetische Ideal herkömmlicher Landschaftsdarstellungen scheint bestimmten bewussten oder unausgesprochenen Konventionen zu unterliegen. Zunächst sollte man daher wissen, wie die allgemein anerkannten Charakteristiken von Landschaftsbildern aussehen – dann versteht man besser, wie man sich darüber hinwegsetzen und alles Überflüssige weglassen kann.

- Üblicherweise wird die Verwendung eines Weitwinkelobjektivs (zwischen 8 mm und 35 mm) empfohlen, damit der Bildwinkel so groß wie möglich ist.

- Eine Landschaftsaufnahme muss detailreich sein; aus diesem Grund arbeiten die Spezialisten dieses Genres bevorzugt mit Sensoren mit hoher Auflösung und kleinen Blendenöffnungen, um eine große Schärfentiefe (und folglich eine durchgehend scharfe Abbildung) zu erreichen.

- Der Fotograf muss außerdem einen Weg finden, Tiefe zu suggerieren – das Foto ist schließlich eine zweidimensionale Darstellung unserer dreidimensionalen Welt. Eine klassische Landschaftsdarstellung gibt dem Betrachter also die Möglichkeit, Räumlichkeit auf andere Art zu empfinden. Die gängige Methode dazu ist die Erzeugung einer perspektivischen Raumwirkung mithilfe von einer oder mehreren schrägen Linien. Ebenfalls aus Gründen der Tiefe sollte sich eine Landschaftsabbildung in drei bis vier Ebenen untergliedern.

- Eine konventionelle Landschaftsdarstellung hat ein Hauptmotiv, das sich von allem anderen abhebt und an strategischer Stelle positioniert ist. Es soll den Blick des Betrachters fesseln, der dann von dort aus weiter über das gesamte Bild wandern kann.

- Das Querformat wird häufiger eingesetzt als das Hochformat, denn es entspricht eher der Sicht des menschlichen Auges und wirkt deshalb »natürlicher«.

Mit diesem Foto möchte ich veranschaulichen, wie eine traditionelle Landschaftsdarstellung aussehen kann. Ich verwendete ein 28-mm-Weitwinkelobjektiv bei Blende 8, um eine große Schärfentiefe zu erreichen. Die Tiefenwirkung entstand hier durch die Linien des Flusses, denen das Auge instinktiv bis zum Hauptmotiv folgt: der kleinen Kapelle auf der Insel.

28 mm, f/8, 1/60 s, 1000 ISO, Nikon D750

Hier ein weiteres Beispiel dafür, was mit einem recht konventionellen Ansatz möglich ist. Das Hauptmotiv ist in diesem Fall der Baum, der sich im Gegenlicht gut abhebt. Die Ackerfurchen lenken den Blick auf den Mittelgrund, wo man weitere Bäume erkennt, und auf eine weitere Ebene dahinter voller Nebel und Licht.

24 mm, f/8, 1/800 s, 100 ISO, Nikon D800

Eine vereinfache Landschaftsdarstellung

Lassen Sie uns nun gemeinsam herausfinden, wie wir eine konventionelle Landschaftsdarstellung so vereinfachen können, dass eine minimalistische Bildästhetik entsteht. Natürlich kann man nicht alle oben aufgezählten »konventionellen« Charakteristiken einfach über Bord werfen. Denn würde man alles auf einmal weglassen wollen, Detailreichtum, Perspektive, strukturierte Anordnung der Bildelemente usw., dann bliebe nichts mehr übrig, was man auf dem Bild noch zeigen könnte. Da unser Ziel aber die Darstellung einer Landschaft ist, hätten wir unser Thema verfehlt. Außerdem sollte der Betrachter meiner Ansicht nach (auch ohne Bildtitel) verstehen, dass die Aufnahme eine Landschaft zeigt.

Vereinfachung durch Unschärfe

Der erste Ansatz, den ich vorstellen möchte, ist die Loslösung von der für die Landschaftsfotografen so wichtigen Schärfe. (Aber aufgepasst: Hier geht es nicht um abstrakte Unschärfe; diese kommt weiter hinten in diesem Buch zur Sprache.) Meiner Meinung nach lassen sich Unschärfen in der Landschaftsdarstellung auf zweierlei Arten erzeugen:

- Mit einer Langzeitbelichtung: Wie ich bereits weiter oben erklärt habe, stellt man die Kamera dazu auf eine stabile Unterlage (beispielsweise ein Stativ) und wählt eine ausreichend lange Belichtungszeit aus. Aufgrund der Dauer der Belichtung werden die statischen Objekte scharf, die bewegten Bildelemente jedoch streifig-verwischt abgebildet.

- Mit einem unscharfen Hintergrund: Um diesen Effekt zu erzielen, braucht man die Blende einfach nur so weit wie möglich zu öffnen. Auf diese Weise reduziert man die Schärfentiefe und bildet den Hintergrund unscharf ab.

Bei dieser Langzeitbelichtung kam ein Neutraldichtefilter zum Einsatz, damit ich das einfallende Umgebungslicht reduzieren und eine sehr lange Verschlusszeit auswählen konnte. So war mitten am Tag eine Belichtungszeit von 25 s möglich (das Wetter war regnerisch). Zugrunde lag die Idee, die Boote im Vordergrund stark unscharf abzubilden. Dieser Ansatz lässt sich auch gut mit Wiederholungen von Formen kombinieren.

28 mm, f/11, 25 s, 50 ISO, Nikon D750

Bei dieser Aufnahme fokussierte ich auf den unmittelbaren Vordergrund. Ich wählte die Blende 3,2, denn bei dieser Öffnung wird nicht die gesamte Szene scharf abgebildet. Genau diesen Effekt hatte ich im Sinn, denn ich wollte der Szene eine geheimnisvolle Aura verleihen. Das Hauptmotiv dieser Aufnahme ist der Sandweg, der zwischen den hohen Gräsern bis zum Horizont verläuft.

24 mm, f/3,2, 1/50 s, 200 ISO, Nikon D750

Vereinfachung durch das Motiv

Auch Aufnahmen von formatfüllend in Szene gesetzten Motiven können eine minimalistische Bildsprache sprechen. Empfehlen würde ich in diesem Fall, das Foto nicht in zu viele Ebenen zu unterteilen, denn sonst kommt man dem konventionellen Ansatz zu nahe. Das gewählte Motiv muss natürlich zur ursprünglichen kreativen Absicht des Fotografen passen.

Bei meinen Fotoexkursionen fahre ich oft ans Meer. Ein Baum ohne Blätter kann in dieser Umgebung ein vielversprechendes Motiv sein. Bei diesen beiden Gegenlichtaufnahmen nehmen die Zweige einen großen Raum innerhalb des Ausschnitts ein. Sie tragen viel zur grafischen, einfachen Bildästhetik und zum Erfolg der Aufnahme bei.

28 mm, f/8, 10 s, 200 ISO, Nikon D750

28 mm, f/8, 3 s, 50 ISO, Nikon D750

Diese nach unten führende Treppe an einem Sandstrand am Mittelmeer brachte mich auf die Idee zu dieser ungewöhnlichen Komposition. Der Betrachter sollte sich wie ein Spaziergänger fühlen, der gerade zum Strand herabsteigt. Um die Atmosphäre weiter zu verstärken, wählte ich eine lange Belichtungszeit, damit die Wellen, die ansonsten den Blick auf sich gezogen hätten, glatt wiedergegeben wurden. Außerdem entschied ich mich für eine Aufnahme im Hochformat, das bei Landschaftsaufnahmen eher unkonventionell ist.

28 mm, f/10, 30 s, 50 ISO, Nikon D750

Diesen Weinberg fotografierte ich früh am Morgen, als sich der Nebel noch nicht ganz gelichtet hatte. Während ich durch die Gänge lief, dachte ich darüber nach, dass der Mensch viel Zeit darauf verwendet, die Natur nach seinen Vorstellungen zu gestalten. Bei der Aufnahme der jahrtausendealten Kulturpflanze entschied ich mich für eine perspektivische Darstellung, um diesen Gestaltungsaspekt zu betonen.

150 mm, f/2,8, 1/640 s, 180 ISO, Nikon D750

Vereinfachung durch Geraden und Kurven

Je nach Situation betone ich bei Landschaftsaufnahmen gerne noch stärker die grafischen Aspekte einer Szene. Mithilfe eines geeigneten Blickwinkels versuche ich die Linien noch stärker hervorzuheben. Mit zusammenlaufenden Linien lässt sich beispielsweise Räumlichkeit suggerieren. Weiter unten in diesem Buch (im Abschnitt »Perspektive«) werden wir noch sehen, dass sich dieses Thema hervorragend als eigenständiges Motiv für eine minimalistische Aufnahme eignet.

Die Sonne stand schon tief am Horizont, als ich an einem reifen Weizenfeld vorbeikam. Im Streiflicht traten diese Linien zutage, deren Anordnung keinem strikten Muster folgte. Das Abendlicht und die Vielfalt von geraden und geschwungenen Linien führten zu einer etwas ungeordneten, aber äußerst stimmungsvollen Aufnahme.

50 mm, f/6,3, 1/100 s, 110 ISO, Nikon D750

Bei dieser Aufnahme hatte ich mir das Thema Wald vorgenommen (hier in Form von jungen Eichen). Ich hätte auch die sich wiederholenden Formen der Bäume für meine Komposition nutzen können, entschied mich jedoch für eine mittige Anordnung eines Baumstamms. Dabei herausgekommen ist meiner Ansicht nach ein interessantes Ergebnis, das den Eindruck einer scheinbaren Symmetrie erweckt; die Form der Bäume entwickelt sich nach dem gleichen Wachstumsprinzip und sieht doch immer anders aus.

28 mm, f/2, 1/60 s, 125 ISO, Nikon D750

Vereinfachung durch unterschiedliche Ebenen

Bei diesem Ansatz wählt man einen Ausschnitt, bei dem nichts außer flächigen Ebenen ins Bild gerückt wird. Diese Art von Komposition funktioniert besonders gut bei Szenen mit vielen horizontalen Flächen, beispielsweise Landschaften mit einer Wasserfläche wie dem Meer oder einem See. Wenn das Tageslicht ausreicht, kann man aber auch im Gebirge, in der Wüste oder im Wald erfolgreich mit diesen Kompositionen experimentieren. Mit einer solchen Bildgestaltung lässt sich ein Foto in mehrfacher Hinsicht vereinfachen:

- Die für die Darstellung von Landschaften so wichtige Raumwirkung kann (muss aber nicht) verloren gehen. Ich persönlich finde das sehr interessant, denn die resultierende Vieldeutigkeit lässt die Bilder fast schon abstrakt wirken.

- Auch ein Hauptmotiv, auf dem der Blick des Betrachters zur Ruhe kommen kann, gibt es nicht mehr. Diese Aufnahmen sollen keine Szenen des täglichen Lebens und keine Ereignisse mehr darstellen, sondern sie bringen eine Stimmung zum Ausdruck und zeigen einen echten Ausschnitt aus der Welt, ohne jedes überflüssige Detail.

Dies ist ein perfektes Beispiel für eine Komposition mit einer Reihe von horizontalen Ebenen. Der starke Wind wirbelte den Sand auf; aus diesem Grund erscheint der Vordergrund etwas unscharf. Ich wählte das quadratische Format und ordnete die Flächen so an, dass sie in etwa gleich viel Platz einnahmen. Dadurch ging viel von der Raumwirkung verloren. Die Abbildung sollte möglichst flach wirken, sodass eine Art Abstraktion entstand, die die Aufmerksamkeit des Betrachters fesselt.

50 mm, f/11, 1/160 s, 250 ISO, Nikon D700

Bei dieser Aufnahme des Meers an einem stürmischen Tag wandte ich dieselbe Technik an. Allerdings wählte ich hier das Hochformat, um den bedrohlichen Himmel zu betonen.

50 mm, f/8, 1/250 s, 100 ISO, Nikon D750

Die Idee lässt sich noch in anderen Zusammenhängen ausloten. Über diesem Wald ging am frühen Morgen gerade die Sonne auf; ich fotografierte gegen das Licht, weil die Bäume der Szene in der Nähe der Kamera dunkler und in der Ferne immer heller erscheinen würden. Das Ergebnis finde ich wunderschön. Ich stand zu weit entfernt, um ein konventionelles Weitwinkelobjektiv zu verwenden, und benutzte stattdessen mein 300-mm-Teleobjektiv.

300 mm, f/8, 1/60 s, 100 ISO, Nikon D800

Hier ein weiteres Beispiel dafür, wie das Thema Landschaftsfotografie angegangen werden kann. Auch bei diesem Bild habe ich eine für Landschaftsaufnahmen ungewöhnliche Brennweite von 150 mm verwendet. Ich ließ in der Komposition viel Platz für den Himmel mit seinen Wolken, die das Licht der Sonne ansprechend filtern.

150 mm, f/2,8, 1/3200 s, 100 ISO, Nikon D800

Um dieses Thema abzuschließen, wird hier noch ein Foto einer Gebirgsregion (hier die Alpen) gezeigt. Man erkennt schnell, dass sich die unterschiedlichen Ebenen in dieser Umgebung gegenseitig überlagern. Bei dieser Art von Aufnahme ist ein leichtes Gegenlicht hilfreich, damit die Details verschwinden – hätte ich das Bild bei hoch am Himmel stehender Sonne gemacht, wäre der Effekt nicht so grafisch gewesen.

150 mm, f/4, 1/200 s, 1400 ISO, Nikon D700

Die Reduzierung aufs Wesentliche

Alltagsszenen

Die menschliche Gestalt eignet sich hervorragend für eine vereinfachte Darstellung; sogar eine kaum noch auszumachende Silhouette wird auf einem Foto als ausdrucksstarkes, allgemeingültiges Symbol interpretiert. Für die minimalistische Bildsprache ist dieses Sujet daher extrem wichtig. Es lässt sich auf viele verschiedene Arten angehen. Dennoch würde ich Ihnen empfehlen, die fotografierten Personen so unpersönlich wie möglich darzustellen, denn wenn man die Gesichter klar sieht, geht sicherlich viel von der Einfachheit der Bildsprache verloren; die Aufmerksamkeit des Betrachters wird dann unweigerlich auf die Person und nicht auf das Thema Ihrer Aufnahme gelenkt. Eine Gegenlichtaufnahme ist in solchen Fällen eine gute Lösung.

Auf dieser Gegenlichtaufnahme hebt sich der Mann auf seinem Stand-up-Paddel-Board sehr deutlich vom Meer im Hintergrund ab. Es ist unschwer zu erkennen, dass die menschliche Gestalt nur einen winzigen Bereich der Komposition einnimmt; dennoch verleiht genau dieses kleine Bildelement der ganzen Aufnahme einen Sinn. Bei der Betrachtung dieser Aufnahme entsteht der Eindruck, dass der Mann ganz in seiner natürlichen Umgebung aufgeht und damit verschmilzt.

300 mm, f/4, 1/5000 s, 800 ISO, Nikon D700

Dieses Bild erlaubt einen interessanten Einblick in die Ästhetik, die ich in diesem Buch beschreibe. Beim Besuch einer Kunstausstellung – von ebenfalls minimalistischen Gemälden – fiel mir dieser besonders grafisch wirkende Raum ins Auge (Winkel, Linien des Fußbodens, perspektivische Anordnung der Bilderrahmen usw.). Allerdings fehlte in der fotografischen Komposition noch etwas, bis dieser Mann auf der Bildfläche erschien. Ich hatte großes Glück: Er blieb an der besten Stelle stehen. Minimalistische Fotografie eines Mannes, der sich minimalistische Gemälde anschaut … Mise en abyme: ein Bild im Bild.

50 mm, f/8, 1/50 s, 3200 ISO, –1 EV, Nikon D700

Auch bei diesem Foto wurde mit der menschlichen Silhouette gearbeitet. Der Unterschied besteht darin, dass dieses Paar seine Umgebung nicht zu genießen scheint, sondern in diesem Wald einfach nur in einen Regenschauer geraten ist.

50 mm, f/6,3, 1/100 s, 2000 ISO, Nikon D800

Hier wird die menschliche Silhouette etwas anders dargestellt. Bei dieser Aufnahme nutzte ich die Pflanzen im Vordergrund, um die Einzelheiten des Parks dahinter verschwinden zu lassen. Die sonnenbeschienene Wand im Hintergrund gefiel mir gut, denn sie bot mir die Möglichkeit, eine Struktur mit Wiederholungen und das Paar im Gegenlicht ins Bild zu rücken.

85 mm, f/2, 1/6400 s, 100 ISO, Nikon D700

Dieser junge Mann übte an einem Strand Saltos; ich fragte, ob ich ihn fotografieren dürfe. Das hier gezeigte Bild wählte ich aus mehreren Ergebnissen aus. In dieser Haltung setzte der junge Mann zum Rückwärtssalto an; die Aufnahme zeigt nicht nur eine ausdrucksstarke Pose, sondern stellt den menschlichen Körper auch auf einfache Art und Weise dar.

85 mm, f/5, 1/4000 s, 640 ISO, Nikon D800

Hier konnte ich die menschliche Silhouette nicht im Gegenlicht zeigen. Das natürliche Licht lässt sich nicht steuern – man sollte also wissen, wie man die Bildästhetik anderweitig beeinflussen kann. Bei dieser Aufnahme wählte ich eine längere Verschlusszeit, die allerdings noch kurz genug war, damit die bewegungslose Person scharf abgebildet wurde. Dann wartete ich einige Sekunden lang ab. Ein Bus fuhr vorbei und sorgte durch die Bewegung für einen streifigen, unscharfen Hintergrund und eine ansprechende Bildwirkung.

50 mm, f/4, 1/13 s, 50 ISO, Nikon D800

Porträts

Es liegt nicht unbedingt auf der Hand, wie ein minimalistischer Porträtansatz aussieht. Beim sogenannten konventionellen Porträt wird allgemein davon ausgegangen, dass die Schärfe (der Fokus) auf den Augen liegen muss. Die Augen gelten als der Spiegel der Seele und beschreiben die Persönlichkeit eines Menschen; daher bilden sie in diesem Genre häufig den Ankerpunkt und sind folglich das wichtigste Bildelement. Interessanterweise liegt es jedoch in der menschlichen Natur, dass unser Blick magisch von Gesichtern angezogen wird, auch wenn diese Gesichter gar nicht wirklich existieren; dieses Phänomen nennt man »Pareidolie«. Ein deutlich erkennbares Gesicht auf einem Foto wird also ganz sicher die Aufmerksamkeit des Betrachters gewinnen. Foto und porträtierte Person bilden dadurch fast schon eine Einheit. Meiner Ansicht nach ist es häufig problematisch, eine solche Aufnahme als minimalistisch zu bezeichnen.

Da der Schwerpunkt in der konventionellen Porträtfotografie unweigerlich auf den Augen der fotografierten Person liegt, habe ich mich hier für eine Übertreibung dieses Prinzips entschieden. Das sehr nah herangeholte Auge verwandelt sich in ein einfaches geometrisches Motiv, das meiner Meinung nach gut zu einer minimalistischen Ästhetik passt. Dieses Bild ist gleichzeitig ein Selbstporträt.

150 mm, f/5,6, 1/200 s, 800 ISO, Nikon D700

Folglich müssen wir versuchen, den Blick des Betrachters auf die Form (die geometrischen Charakteristiken) und nicht auf den Inhalt, also den Wesenskern (die Persönlichkeit des Porträtmotivs), zu lenken. Dies führt uns zu einer universelleren Art von »Porträt«, das keine bestimmte Person zeigen oder beschreiben will. Zur Umsetzung dieses Ansatzes kann man beispielsweise anatomische Details fotografieren, das Gegenlicht nutzen oder eine sehr kontrastreiche Beleuchtung einsetzen, um die Komposition zu vereinfachen.

Auch bei diesem »Porträt« sollte ein anatomisches Detail im Mittelpunkt stehen. Die kleinen Löckchen des Kindes waren mir sofort aufgefallen.

150 mm, f/3,3, 1/125 s, 2500 ISO, Nikon D700

Bei starkem Gegenlicht reduziert sich das Profil einer Person auf einen einfachen Umriss: Die Konturen des Gesichts werden nur noch durch eine Linie definiert. Da unser Gehirn den menschlichen Körper und das menschliche Gesicht besonders gut erkennen kann, hat es keinerlei Probleme mit dieser Darstellung. Dank dieses Phänomens kann man bei Porträts die Komposition problemlos auf das absolute Minimum reduzieren.

85 mm, f/2, 1/6400 s, 100 ISO, Nikon D700

Eine sehr kontrastreiche Beleuchtung kann wirkungsvoll zur Vereinfachung einer Aufnahme beitragen. Hier fiel ein schmaler Streifen Sonnenlicht durch das Fenster ein. Ich ordnete den ausgeleuchteten Bereich so im Ausschnitt an, dass nur etwa die Hälfte des Gesichts hell erschien und der Rest des Körpers der jungen Frau in der Dunkelheit verschwand.

50 mm, f/2, 1/3200 s, 200 ISO, Nikon D700

Die Frage, was ein »minimalistisches Porträt« ausmacht, steht allerdings zur Diskussion. Ich habe zwar schon erwähnt, dass man das Gesicht eines Porträtmotivs besser nicht deutlich zeigen sollte, aber keine Regel ohne Ausnahme: Sie selbst entscheiden darüber, was Sie für richtig halten. Vielleicht sind Sie ja der Meinung, dass auch das Foto eines deutlich sichtbaren Gesichts mit Ihren Vorstellungen von einem minimalistischen Ansatz übereinstimmen könnte. In diesem Fall rate ich Ihnen zu einer Nahaufnahme, damit unzweifelhaft klar ist, was Sie zum Ausdruck bringen möchten. Bei diesem Bild fand ich die Wiederholungen und grafischen Muster der Haare im Wind interessant; sie passten gut zu meiner Komposition und zur Kopfhaltung des Kindes.

50 mm, f/2,2, 1/8000 s, 200 ISO, Nikon D700

Auf diesem Porträt ist die fotografierte Person deutlich sichtbar. Ich zeige das Bild in diesem Buch, um deutlich zu machen, dass auch eine Komposition mit klar erkennbarem Gesicht reduziert und schlicht sein kann. Zur Vereinfachung wählte ich eine große Blendenöffnung, damit der Hintergrund unscharf wiedergegeben wurde (die Qualität der Unschärfe nennt man »Bokeh«). Außerdem rückte ich nur die Hälfte des Gesichts ins Bild. Wie Sie sehen, drückte ich in dem Moment auf den Auslöser, als der Mann seine Augen gerade geschlossen hielt.

70 mm, f/2,8, 1/320 s, 360 ISO, Nikon D750

Straßenszenen

Die Straßenfotografie ist ein bei Amateuren wie Profifotografen gleichermaßen beliebtes Spezialgebiet. Möglicherweise liegt es daran, dass viele der berühmtesten Fotografen überhaupt in diesem Genre tätig waren. Zu den bekanntesten Künstlern der Street Photography (aber ohne Bezug zur minimalistischen Fotografie) gehören u. a. Robert Doisneau, Willy Ronis, Henri Cartier-Bresson, Elliot Erwitt, Paul Frank, William Klein und in der jüngeren Vergangenheit auch Alex Webb, Martin Parr und Stephen Shore.

Die Arbeitsweise eines Straßenfotografen lässt sich ganz einfach beschreiben: Er streift mit der Kamera durch die Straßen der Stadt auf der Suche nach lohnenden Fotomotiven. Aber die Beliebtheit der Straßenfotografie ist sicherlich nicht nur dadurch zu erklären, dass sie sich so leicht praktisch umsetzen lässt; ein Fotograf kann in diesem Genre mehr als in allen anderen mit seinen Aufnahmen zu einem Zeitzeugen werden. Häufig erkennt man den Wert der Arbeiten eines Künstlers erst Jahre oder Jahrzehnte nach dem Zeitpunkt ihrer Entstehung.

Der Ansatz, den ich Ihnen jetzt vorstellen möchte, unterscheidet sich etwas von dieser allgemeinen Definition und vom Ansatz der oben genannten Künstler. Die Methode bleibt zwar die gleiche, denn auch ich halte nach den typischen Motiven der Street Photography Ausschau (Menschen, zufällige, originelle oder lustige Szenen). Am meisten interessieren mich jedoch ungewöhnliche, überraschende Aufnahmegegenstände und Farben, die zu einer einfachen, harmonischen Bildästhetik passen.

Detailstudien auf der Straße

Jenseits aller technischen Überlegungen geht es in der Fotografie vor allem darum, einen Ausschnitt aus der Welt herauszugreifen und im Bild festzuhalten. So lässt sich eine Szene insgesamt abbilden (wie beispielsweise in der Landschaftsfotografie), aber mindestens ebenso spannend sind Detailstudien. Auf der Suche nach der ästhetischen Quintessenz kommt es häufig vor, dass man ein Motiv in allen Einzelheiten betrachten möchte. Die Straße hält dazu eine Vielfalt von Motiven bereit. Diese so alltägliche Umgebung mit anderen Augen zu sehen, ist jedoch nicht ganz so einfach, wie es scheint. Man braucht Zeit und die Bereitschaft, ungewöhnliche Kompositionen auszuprobieren und die städtische Umgebung nicht mehr nach ihrer Funktion zu beurteilen, sondern nur noch nach ihren Formen: Linien, Kreise, Vierecke usw. Der Fotograf hat nun (u. a.) die Aufgabe, Schönheit zum Vorschein zu bringen, wo kein Mensch sie vermutet.

In einer Straße in der Nähe meines Wohnhauses werden große Kabelrollen gelagert, die sehr interessant aussehen. Das Gelände ist eingezäunt; der Zaun, der sich nicht überwinden lässt, störte mich zunächst. Ich hielt jedoch an meiner Idee fest und beschloss dann, den Zaun einfach mit ins Bild zu rücken und dabei auf eine symmetrische Komposition zu achten.

50 mm, f/14, 1/250 s, 200 ISO, Nikon D700

Auf dieser Aufnahme sieht man die Spuren eines Schildes, das von einem Tor abgerissen wurde. Als ich daran vorbeikam, sprang mir das Motiv sofort ins Auge. Mir gefallen die ungewöhnlichen Formen und der Kontrast zwischen der schwarzen Oberfläche des Tores und den orangefarbenen Bereichen, wo die Farbe am Kleber hängengeblieben ist. Hunderte von Menschen gehen jeden Tag achtlos an solchen Szenen vorbei; nur ein Fotograf hält inne, um das Werk des Zufalls in Augenschein zu nehmen.

50 mm, f/11, 1/160 s, 400 ISO, –0,33 EV, Nikon D700

Aufgrund ihrer Analogie werden diese beiden Bilder zusammen gezeigt. Sowohl der obere Teil einer Sicherheitsabsperrung als auch ein ausgeleiertes Ladenrollo können zu lohnenden Fotomotiven werden, wenn man die Grundfunktion dieser Gegenstände außer Acht lässt und nur noch die Linien sieht.

50 mm, f/2,2, 1/250 s, 200 ISO, Nikon D700

50 mm, f/3,2, 1/5000 s, 200 ISO, –0,67 EV, Nikon D700

Fassaden

Vereinfacht dargestellt, ist eine Stadt nichts weiter als ein Straßennetz mit aneinandergereihten Bauwerken dazwischen. Von diesen Gebäuden sieht man allerdings beim Stadtbummel nicht viel mehr als die Vorderseiten, die jedoch einen ganz besonderen fotografischen Reiz haben können. Eine Fassade ist eigentlich eine ebene Fläche, die je nach Gebäude unterschiedliche Farben, Linien und Winkel aufweist. Ein Fotograf muss nun »nur noch« den richtigen Ausschnitt wählen, damit die Schönheit dieser Umgebung zutage treten kann.

Ich nutzte diesen alten Grillrost, der gleichgültig gegen ein Metalltor gelehnt war, um die regelmäßige Struktur der Lamellen aufzubrechen. Ohne diesen verbogenen rostigen Gegenstand wäre diese Szene wahrscheinlich nicht besonders interessant gewesen; möglicherweise hätte ich sie noch nicht einmal bemerkt.

50 mm, f/10, 1/160 s, 220 ISO, Nikon D700

Das ist die Fassade eines Gebäudes in einem Industriegebiet. Bei diesem recht ungewöhnlichen Ausschnitt nimmt die Fassade nur den unteren Teil der Aufnahme ein. Dadurch wollte ich den Verlauf des Schattens der Lampe zur Geltung bringen – einige Wolken bilden eine Linie, die genau parallel dazu verläuft.

85 mm, f/13, 1/200 s, 125 ISO, Nikon D750

Hier sieht man die Fassade einer alten Garage aus nächster Nähe. Alte Gebäude sind für den Fotografen immer interessant, denn Abnutzung und Verschleiß verändern Farben und Formen. Hier beruht die Komposition auf den vertikalen und horizontalen Linien in Kombination mit den Rostflecken. Amüsiert hat mich die Beschriftung des Metallschlosses: »Invulnérable«. Bei dieser Abnutzung fragt man sich zu Recht, ob das Schloss wirklich so unverwüstlich ist wie angegeben …

50 mm, f/8, 1/100 s, 220 ISO, Nikon D750

Diese beiden Fassaden fotografierte ich in Lissabon. Natürlich war mir hier die Wäsche aufgefallen, die vor einem Fenster hing. Ich nutzte die geschwungenen Linien der Textilien, um ein Gegengewicht zur strengen Geradlinigkeit der rechten Winkel des Gebäudes zu schaffen.

50 mm, f/5,6, 1/320 s, 100 ISO, Nikon D800

50 mm, f/3,2, 1/200 s, 100 ISO, Nikon D800

Spiel mit Licht, Schatten und Spiegelungen

Um dieses Thema abzuschließen, möchte ich noch ein weiteres potenzielles Experimentierfeld vorschlagen: die projizierte Abbildung von Gegenständen oder Gebäuden, beispielsweise in Form von Schatten oder als Spiegelung in einer Glasscheibe oder im Wasser. Auch hier geht es darum, die Welt aus neuer Sicht zu betrachten. Probieren Sie es aus: Nach etwas Übung nehmen Sie mit dieser Methode Fotos mit einer einfachen und ansprechenden Bildästhetik auf.

Dieses Bild zeigt den Schatten eines gespannten Drahts auf einer Wand. Aufgrund einer einfachen Projektion verwandelt sich eine gerade Linie in eine Reihe von Wellen.

50 mm, f/2, 1/50 s, 2000 ISO, Nikon D700

Auf den ersten Blick ist nicht unbedingt offensichtlich, warum ich dieses Bild aufgenommen habe. Wenn man jedoch genauer hinsieht, bemerkt man, dass die Harmonie zwischen den horizontalen, vertikalen und diagonalen Linien durch den sorgfältig gewählten Ausschnitt betont wird. Der Schatten eines Gebäudes verlängert die Linie des Daches auf der rechten Seite. Dieses Detail ist meiner Ansicht nach für den Erfolg der Aufnahme verantwortlich.

50 mm, f/8, 1/500 s, 200 ISO, Nikon D700

Hier zwei Beispiele für die Spiegelung von Laternenmasten in Wasserpfützen. Wenn man auf die Spiegelung scharfstellt und die Blende weit genug öffnet, erscheint der Rest der Abbildung ansprechend unscharf. Mithilfe dieser Technik konnte ich die Kompositionen vereinfachen und die schlichte geometrische Form betonen.

85 mm, f/1,8, 1/800 s, 100 ISO, Nikon D800

50 mm, f/8, 1/500 s, 200 ISO, Nikon D700

Perspektive

Perspektive wird in der Fotografie zu unterschiedlichen Zwecken eingesetzt. An erster Stelle dient sie dazu, einer dreidimensionalen Szene auf dem flachen, zweidimensionalen Foto Tiefe zu verleihen. Außerdem kann sie dazu genutzt werden, den Blick des Betrachters auf die gewünschte Bildpartie zu lenken.

Eine perspektivische Darstellung wird beispielsweise mithilfe von einer oder mehreren Linien erreicht, die in einem Fluchtpunkt zusammenlaufen. Gut zu diesem Zweck geeignet sind beispielsweise die Ränder von Straßen oder Wegen, aber auch mit allen anderen geraden oder geschwungenen Linien lässt sich Tiefe und Räumlichkeit erzeugen – mit etwas Erfahrung können diese Bildelemente wirkungsvoll eingesetzt werden. Aber diese Linien lassen sich noch auf andere Weise nutzen: Man kann sie auch zum Hauptmotiv oder sogar zum einzigen Bildelement einer Aufnahme machen.

Wenn die Perspektive zum eigenständigen Motiv des Fotos wird, dann fühlt sich der Betrachter buchstäblich in die Aufnahme hineingezogen. Die resultierenden Fotos haben eine starke Symbol- und Ausdruckskraft. Zu Beginn ist es sicherlich hilfreich, die Möglichkeiten, die diese Art von Motiv bietet, in aller Ruhe auszuloten (das gilt natürlich nicht nur für die Perspektive, sondern für jede Art von Motiv). Durch diese Beschäftigung mit dem Sujet setzt man sich künstlerisch intensiv mit einer Materie auseinander.

Dieses erste Beispiel veranschaulicht zweifellos am besten, welche Bildwirkung man mit einer perspektivischen Darstellung erzielen kann. Um die Wellen des Meeres im Hintergrund zu glätten, wählte ich eine Belichtungszeit von 15 s. Die Mole, deren Linien den räumlichen Effekt erzeugen, ist nicht gänzlich gerade, was der Aufnahme mehr Dynamik verleiht.

28 mm, f/8, 15 s, 50 ISO, Nikon D800

Hier wird Räumlichkeit auf zweierlei Art und Weise suggeriert: einerseits durch die Ränder des Bodens dieses Bootsanlegers im unteren Bereich der Aufnahme und andererseits durch die Linien, die die oberen Enden des Schutzzauns bilden. Die resultierenden vier Geraden laufen in einem kleinen Rechteck zusammen; dort kann man sich gut eine Leiter vorstellen, auf der man ins Meer hinabsteigt.

28 mm, f/16, 1/6 s, 50 ISO, Nikon D800

Die Boote sollten auf diesem Bild unscharf erscheinen, weil ich dadurch meine kreativen Absichten besser zum Ausdruck bringen konnte. Auch hier arbeitete ich deshalb mit einer langen Belichtungszeit. Die Fluchtlinien verlaufen durch das gesamte Foto von unten bis oben, sodass die Aufmerksamkeit auf den Weg gelenkt wird und der Betrachter gar nicht wissen will, wo dieser Weg endet.

28 mm, f/8, 30 s, 200 ISO, Nikon D800

Bei einer Fahrt über die Autobahn kam mir in den Sinn, meine Kamera aufs Armaturenbrett zu stellen und die Fluchtlinien der Straße zu fotografieren. Eine Belichtungszeit von 1 s reichte aus, um diesen Wischeffekt zu erzeugen. Dadurch wollte ich einen Eindruck von Geschwindigkeit vermitteln und gleichzeitig eine grafische Wirkung erzielen. Dieses ungewöhnliche Foto liegt mir besonders am Herzen, denn es symbolisiert meine Vorstellungen vom Minimalismus.

50 mm, f/10, 1 s, 50 ISO, Nikon D800

Farben

Manche Fotografen beschäftigen sich mit nichts anderem als mit Farbe. Besonders gut gefallen mir dabei die Arbeiten von Saul Leiter, William Eggleston und Harry Gruyaert. Auch wenn sich diese Fotografen manchmal einer minimalistischen Bildsprache bedient haben, gehört diese Arbeitsweise sicherlich nicht zu ihren bevorzugten Techniken.

Dieses Foto zeigt ein Maisfeld unter blauem Himmel an einem heißen Sommertag. Für mich bedeutet dieses Bild jedoch noch ein bisschen mehr. Ich wählte den Bildausschnitt so, dass unten nur ein schmaler Streifen aus Blättern zu sehen war. Dadurch verteilen sich die Grüntöne, das Blau des Himmels und die weißen Wolken harmonisch über die gesamte Aufnahme. Gerade die Wolken sind ein wichtiges Bildelement, denn sie sorgen in der oberen Bildpartie für Struktur.

70 mm, f/3,2, 1/4000 s, 100 ISO, Nikon D750

Um das Thema Farbe aus minimalistischer Perspektive anzugehen, müssen wir auch hier wiederum zunächst lernen, die Welt mit anderen Augen zu sehen. Damit sinnvolle Verbindungen entstehen, sollte man seine Umgebung in Form von Farbflächen wahrnehmen können. Erst dann kann man versuchen, die Komposition zu vereinfachen. Die Ergebnisse erschließen sich dem Betrachter nicht ganz so problemlos wie die Aufnahmen von anderen Motiven, mit denen wir uns bereits beschäftigt haben. Der Schwerpunkt des Fotos liegt offensichtlich auf den unterschiedlichen Farbkombinationen und nicht auf den dargestellten Objekten. Diese Übung setzt eine besondere Kreativität voraus und ermöglicht dem Fotografen, den eigenen künstlerischen Horizont Schritt für Schritt zu erweitern.

Hier wollte ich die auf dem Boden liegenden Blätter betonen, die sich rot vom einfarbig-hellen Hintergrund abhoben. Die Marmortreppe, auf die die Blätter gefallen waren, ermöglichte eine wirkungsvolle Einteilung der Aufnahme in vier Bereiche, in denen sich Rot- und Grautöne abwechselten.

60 mm, f/8, 1/250 s, 100 ISO, Nikon D750

Bei Sonnenuntergang bietet sich häufig ein grandioses Farbspektakel am Himmel. An diesem Tag sah das Abendrot mit den rosa-orangefarbenen Wolken auf blauem Grund besonders ästhetisch aus. Zunächst fotografierte ich allein den Himmel ohne weiteres Bildelement, war jedoch mit dem Ergebnis nicht zufrieden. Also rückte ich diese Gräser in der Umgebung mit ins Bild. Ich habe nicht versucht, die Schärfe auf einen bestimmten Grashalm zu legen; die vertikalen Linien sollten den Blick in Richtung Himmel führen.

28 mm, f/3,2, 1/60 s, 160 ISO, Nikon D750

Als ich an dieser alten Garagentür vorbeiging, fielen mir die Farben auf. Zwischen einer blassblauen früheren Lackschicht und dem verblichenen und abgeblätterten Rot besteht eine subtile Verbindung; die Farbreste geben diesem Motiv eine interessante Struktur. Die beiden Farben wiederholen sich außerdem in fast identischer Form auf dem Parkverbotsschild darüber. Die Überreste eines anderen, zu einem früheren Zeitpunkt entfernten Schildes sorgten übrigens für ein wichtiges visuelles Gegengewicht; der Dialog zwischen Rot und Blau wird auch durch die Verteilung der positiven (Schild) und negativen (Restspuren) Bereiche unterstützt.

50 mm, f/5,6, 1/200 s, 800 ISO, Nikon D700

Abstraktionen

Die Abstraktion ist bereits zur Sprache gekommen (in Kapitel 2 und auf den vorangehenden Seiten). In diesem Abschnitt möchte ich Ihnen noch weitere Beispiele zeigen und ausführlicher erklären, was Abstraktion bedeuten kann.

Wenn man den eigenen fotografischen Stil so weit wie möglich vereinfachen möchte, gelangt man nicht selten zu dem Punkt, an dem nicht mehr unbedingt erkennbar ist, was auf dem Foto überhaupt dargestellt wird. Allerdings möchte ich an dieser Stelle darauf hinweisen, dass ein gelungenes Ergebnis in den meisten Fällen geplant ist und aus einem bewussten kreativen Prozess resultiert.

In der Fotografie sind wir leider davon abhängig, wie die Welt um uns herum aussieht. Damit meine ich, dass wir uns das Motiv nicht wie ein Maler ausdenken und die Bildelemente so arrangieren können, dass der gewünschte Effekt entsteht. Aus diesem Grund greifen Fotografen wahrscheinlich so häufig auf Unschärfe zurück, wenn sie Abstraktionen schaffen wollen. Wir werden jedoch noch sehen, dass uns auch noch andere Methoden zur Verfügung stehen, um unsere kreativen Absichten umzusetzen, und dass auch ein perfekt scharfes Foto als ausdrucksstarke Abstraktion funktionieren kann.

Auch hier wurde die Unschärfe bewusst bei der Fokussierung herbeigeführt. Allerdings sind die unterschiedlichen Bildpartien nicht gleich unscharf, was wiederum eine Tiefenwirkung schafft. Ich habe dieses »Motiv« auf der Straße gefunden. Es ist eine Platte mit kleinen, abwechselnd kreuzförmigen und runden Löchern. Diese Art von Aufnahme erweckt bestimmte Gefühle im Betrachter und lässt ihn nicht mehr los; allerdings wirkt sie auch ein wenig beunruhigend. Da die Unschärfe nicht sehr stark ausgeprägt ist, stiftet ein solches Bild Verwirrung; unser Auge versucht pausenlos, auf irgendeinem Bildelement zur Ruhe zu kommen.

50 mm, f/4, 1/160 s, 220 ISO, Nikon D700

Unschärfe

Eine einfache Methode zur Erzeugung von Unschärfe ist die Fokussierung auf eine Bildpartie, wo sich kein Bildelement befindet. Je weiter dieser Punkt der Scharfeinstellung von den tatsächlichen Bildelementen entfernt liegt, desto ausgeprägter ist die Unschärfe. Aber übertreiben sollte man diesen Effekt nicht, denn ansonsten erkennt man gar keine Formen mehr. Es gibt noch eine weitere Technik, mit der man einen ähnlichen Effekt erzielen kann: Man wählt eine längere Verschlusszeit und bewegt die Kamera während der Belichtung, sodass kein Bildelement der Aufnahme scharf abgebildet wird.

Dies ist die gängige Methode, ein unscharfes Foto aufzunehmen. Das Foto zeigt die Reflexionen von Sonnenlicht auf dem Meer. Meine Bildidee bestand darin, drei Bereiche mit unterschiedlich hellen Spiegelungen ins Bild zu rücken. Ich wählte einen niedrigen Blickwinkel und stellte auf eine Ebene ohne Details scharf. Damit die Spiegelungen wirklich rund abgebildet werden, braucht man eine größere Blendenöffnung, hier Blende 2,5 (wenn Sie die Blende zu stark schließen, sehen die Kreise kleiner und tendenziell achteckig aus, was nicht so ansprechend wirkt). Die Belichtungskorrektur (–5 EV) spielte bei dieser Aufnahme eine wichtige Rolle, um den Hintergrund dunkel wiederzugeben und die unterschiedlichen Helligkeiten der Kreise zu erhalten.

50 mm, f/2,5, 1/8000 s, 100 ISO, –5 EV, Nikon D700

Die Vorgehensweise zur Erzeugung von Unschärfe war bei diesem Bild ganz anders als beim vorangehenden Foto. Ich wählte eine relativ lange Belichtungszeit und bewegte die Kamera in seitlicher Richtung.

85 mm, f/2, 1/4 s, 3200 ISO, Nikon D800

Schärfe

Weitaus schwieriger ist dagegen sicherlich die Aufnahme eines abstrakten Fotos, auf dem alle Bildelemente scharf erscheinen. Eine Lösung kann hier eine Nah- oder Detailaufnahme sein. Je mehr man von einer Szene insgesamt zeigt, desto deutlicher erkennt der Betrachter, um was es sich bei den einzelnen abgebildeten Bildelementen handelt; es geht dann weniger um ihre Formen oder Farben. Bei solchen Ansichten fällt die Erzeugung von Abstraktionen daher umso schwerer. Das Licht kann in diesen Situationen zum Verbündeten werden: Beispielsweise führt es vielleicht zu einem großen Beleuchtungskontrast oder leuchtet Strukturen weich aus.

Dieser Ansatz – das Fotografieren von Spiegelungen im Wasser – ist recht weit verbreitet und bringt häufig wirkungsvolle Ergebnisse hervor. Hier sieht man den Mast eines Segelboots. Auf diesem Foto gibt es keine Unschärfen – die Abbildung ist durchgehend scharf.

50 mm, f/10, 1/160 s, 2500 ISO, Nikon D700

Ein Fotograf kann sich die Welt um ihn herum nicht ausdenken wie ein Maler. Er muss seine Umgebung sorgfältig beobachten und den Ausschnitt geschickt wählen, wenn er eine andere Wirklichkeit abbilden möchte. Hier rückte ich einen Teil eines auf den Boden aufgemalten Parkverbotsschildes ins Bild. Das Motiv war mir aufgrund der Patina und der Risse, die im Laufe der Zeit entstanden waren, ins Auge gefallen.

50 mm, f/8, 1/160 s, 500 ISO, Nikon D700

Bei diesem Beispiel ergab sich die Abstraktion aus dem hohen Beleuchtungskontrast. Es handelt sich bei diesem Motiv um Reifen, die aneinandergereiht dastanden. Das Sonnenlicht fiel durch drei winzige Lücken ein und erzeugte diese Kreisbögen.

50 mm, f/10, 1/160 s, 2800 ISO, –1 EV, Nikon D700

Hier ist die vertikale Linie in der Bildmitte der Dreh- und Angelpunkt der Komposition. Diese Sanddüne war auf der linken Seite gleichmäßig ausgeleuchtet, aber rechts brachte das Seitenlicht Unregelmäßigkeiten im Sand zum Vorschein. Mithilfe dieser Detailaufnahme gelang mir eine Abstraktion.

70 mm, f/9, 1/320 s, 125 ISO, Nikon D750

Architektur

Die Architektur hat einen nachhaltigen Einfluss auf die Minimal Art in ihrer ursprünglichen Form ausgeübt. Diese Kunstgattung hat daher in der minimalistischen Fotografie besondere Aufmerksamkeit verdient.

In der Architekturfotografie geht es nicht unbedingt darum, die schönsten oder außergewöhnlichsten Gebäude ins Bild zu rücken. Ganz gleich, welches Bauwerk Sie auch fotografieren – es handelt sich immer um eine Architekturaufnahme. Ich selbst halte sogar für meine Fotos häufig nach besonders einfachen, unauffälligen Bauwerken Ausschau. Ich habe bereits an früherer Stelle in diesem Buch angemerkt, dass ich Dinge zum Vorschein bringen möchte, an denen die meisten Menschen achtlos vorübergehen; in der Architekturfotografie findet man viele Motive, auf die dies zutrifft. Bauwerke bieten Winkel, Fassaden, sich wiederholende Formen … und wenn man das Objektiv nun noch auf die richtige Stelle richtet, entstehen schnell Bilder im minimalistischen Stil.

Um dieses Gebäude auf seine reine Form zu reduzieren, beschloss ich, allein diesen Winkel zu fotografieren. Nur der Schatten, der durch das von rechts einfallende Sonnenlicht erzeugt wurde, schafft etwas räumliche Tiefe.

70 mm, f/8, 1/4 s, 100 ISO, Nikon D750

Auf dieser Aufnahme geht es um die Wirkung von Linien und Winkeln. Spannend fand ich die außergewöhnliche und asymmetrische Aufteilung der Fenster auf der Fassade dieses Hauses. Außerdem entspricht der Fensterrahmen unten links alles andere als der Norm. Das leicht offen stehende Fenster in der Mitte greift den Winkel dieses Rahmens wieder auf. Ohne dieses winzige Detail hätte die Aufnahme viel von ihrer Bildwirkung verloren.

45 mm, f/8, 1/800 s, 100 ISO, Nikon D750

Die Komposition folgte bei diesem Bild demselben Prinzip wie oben. Allerdings konnte hier mithilfe der Bildelemente (Fenster, Linien) auf der Vorderseite des Gebäudes eine Raumwirkung erzielt werden.

38 mm, f/8, 1/250 s, 100 ISO, Nikon D750

Bei dieser Aufnahme stand ich unter einer Brücke, denn ich wollte die komplexe Metallkonstruktion zur Geltung bringen. Die grafische Wirkung der Struktur beruht auf der Wiederholung der Metallträger.

85 mm, f/9, 1/200 s, 8000 ISO, Nikon D800

Anhand dieser Aufnahme möchte ich veranschaulichen, dass sich der minimalistische Ansatz in der Architekturfotografie nicht nur auf Detailaufnahmen beschränkt. Die Vasco-da-Gama-Brücke überspannt den Tejo an seiner breitesten Stelle unweit von Lissabon. Sie ist eine der längsten Brücken der Welt. Um dieses beeindruckende architektonische Meisterwerk auf einer Übersichtsaufnahme ins Bild zu rücken, brauchte ich daher einen großen Bildwinkel.

28 mm, f/9, 1/100 s, 100 ISO, Nikon D800

Eine weitere Übersichtsaufnahme zeigt das Häusergewirr von Guanajuato, einer Kleinstadt in Mexiko. Vereinfachend wirkt in dieser Komposition die Wiederholung der Formen der Gebäude. In Schwarzweiß kam der Effekt der Vielzahl von rechten Winkeln noch besser zur Geltung als in Farbe.

35 mm, f/8, 1/200 s, 200 ISO, Nikon D300

Sonnenaufgang und -untergang

Das natürliche Licht ist für einen Fotografen Inspiration und Herausforderung zugleich. Besonders spannend finde ich die Beleuchtung, wenn ich ihre Veränderung beobachten und fotografieren kann. Die Augenblicke des Tages, die sich am besten dafür eignen, sind für mich Sonnenauf- und -untergang. Das Licht der tief am Himmel stehenden Sonne bringt die Formen und die Schönheit unserer Welt in feinen Farbnuancen zur Geltung.

Bei Sonnenaufgang erzeugt das Seitenlicht sehr wirkungsvolle grafische Effekte. Der Dreh- und Angelpunkt dieser Komposition ist ein Baum, der einen deutlich sichtbaren Schatten wirft. Die Details des Felsens und des Waldes sind aufgrund des gedämpften Lichts am frühen Morgen nur schwach sichtbar.

85 mm, f/8, 1/320 s, 100 ISO, –1 EV, Nikon D800

Auch dieses Foto entstand bei Sonnenaufgang. Das sowieso recht gedämpfte Sonnenlicht wurde zusätzlich von den Zweigen der Bäume abgeschwächt. Das Gras im Vordergrund war mit Raureif überzogen, was zum »impressionistischen« Effekt beitrug.

50 mm, f/8, 1/800 s, 200 ISO, Nikon D700

Aber diese Beleuchtungssituation ist nicht nur ein eigenständiges Motiv, sondern sie erleichtert auch die Vereinfachung der Komposition. Die Details unserer Umgebung treten bei Sonnenauf- und -untergang weniger deutlich zutage. Dadurch bietet sich dem Fotografen eine unvergleichliche Gelegenheit, sein Umfeld ohne überflüssige Einzelheiten festzuhalten.

Was könnte schöner sein als ein einfacher Sonnenuntergang am Meer? Bei dieser Ansicht wollte ich die letzten Sonnenstrahlen einfangen, die sich in den Wellen des Meeres spiegelten. Ich entschied mich hier für eine geringe Schärfentiefe, um die deutlich sichtbare Sonne etwas unscharf wiederzugeben.

150 mm, f/2,8, 1/1600 s, 100 ISO, –0,33 EV, Nikon D750

Die Sonne stand schon sehr tief, als ich dieses Foto aufnahm. Auf der hochformatigen Aufnahme dominiert der wolkige Himmel mit seiner besonderen Lichtstimmung. Mithilfe der Bäume schuf ich einen dunklen Rand unten auf der Aufnahme, der in der grau-schwarzen Wolke oben seine Entsprechung findet.

150 mm, f/2,8, 1/2500 s, 100 ISO, Nikon D800

Nacht und Gegenlicht

Diese beiden Aufnahmesituationen werden im gleichen Abschnitt behandelt, weil sie in ästhetischer Hinsicht einige Gemeinsamkeiten haben. Bei schwacher Umgebungshelligkeit, wie beispielsweise bei Nacht, kann die Kamera die Details der fotografierten Szene nur noch schwer erfassen. Bei Gegenlicht steht die Sonne gegenüber der Kamera, sodass die Objekte zwischen der Lichtquelle und dem Fotografen unweigerlich als dunkle Silhouetten abgebildet werden; auch hier gehen also die Details verloren. Für einen Fotografen, der ein »konventionelles« Bild aufnehmen möchte, kann das unerwünscht sein. Wenn man die Komposition jedoch aufs Wesentliche reduzieren möchte, dann sind diese Beleuchtungssituationen eine fotografische Goldgrube.

Nachtaufnahmen

Beim Fotografieren in der Nacht muss man unbedingt an ein Stativ denken. Das ist tatsächlich der einfachste Weg, trotz des schwachen Lichts scharfe Bilder aufzunehmen: Man montiert die Kamera auf ein Stativ und verlängert die Belichtungszeit. Auf diese Weise kann man beispielsweise bei Vollmond korrekt belichtete Bilder aufnehmen.

Anhand dieses bei längerer Belichtungszeit aufgenommenen Fotos wird deutlich, dass man auch nachts gut belichtete und detailreiche Bilder machen kann, wenn die Beleuchtung ausreicht. Im Wasser spiegelte sich der Mond, der die Landschaft an diesem Abend ansprechend beleuchtete.

28 mm, f/9, 30 s, 250 ISO, Nikon D700

Wenn man auf das Stativ verzichten und stattdessen aus der Hand fotografieren möchte, muss man kurze Belichtungszeiten auswählen. Zum Ausgleich braucht man eine größere Blendenöffnung und/oder eine höhere ISO-Empfindlichkeit des Sensors (ISO-Zahl). In diesem Fall und bei besonders schlechten Lichtverhältnissen (in denen manchmal Belichtungszeiten von mehreren Minuten erforderlich sind) muss man Bilder mit einer dunkleren Lichtstimmung in Kauf nehmen.

Bei dieser Aufnahme verwendete ich kein Stativ. Die Szene wirkt weitaus dunkler.

85 mm, f/10, 1/50 s, 2000 ISO, Nikon D800

Diese Landschaft nahm ich auf, als noch etwas Restlicht am Himmel vorhanden war. Da ich die dunkle Lichtstimmung jedoch teilweise bewahren wollte, wählte ich eine nicht allzu lange Belichtungszeit.

28 mm, f/13, 15 s, 100 ISO, Nikon D800

Gegenlicht

Stellt man sich gegenüber der Sonne auf, erscheint die vor der Kamera liegende Szene im Gegenlicht. Ich würde jedoch in solchen Fällen empfehlen, erst einmal abzuwarten, bis das Licht etwas schwächer geworden ist, damit man keine bleibenden Augenschäden davonträgt. Eine weitere Möglichkeit, eine Gegenlichtaufnahme zu machen, ist die Platzierung eines leuchtenden Gegenstands im Hintergrund, ohne dass die Lichtquelle selbst in die Kamera scheint. Das resultierende Gegenlicht ist schwächer und der Beleuchtungskontrast weniger ausgeprägt.

Hier ein Beispiel für eine Gegenlichtaufnahme direkt gegenüber der Sonne, die bereits tief am Himmel stand. Das Licht war also schon recht schwach. Trotzdem blieb die ansprechende Bildwirkung erhalten. Dieser Ansatz bringt zwar recht gelungene Ergebnisse hervor, aber ich würde trotzdem nicht empfehlen, die Methode zu oft einzusetzen.

50 mm, f/2,5, 1/6400 s, 100 ISO, Nikon D800

Für diese Ansicht wählte ich einen Blickwinkel, bei dem die Spiegelungen des Lichts im Wasser so intensiv wie möglich erschienen. Dadurch hob sich die Silhouette dieses Hundes gut von den Wellen ab. Ich entschied mich absichtlich für eine etwas längere Belichtungszeit, damit das Tier leicht unscharf wiedergegeben wurde. Auf diese Weise konnte der Eindruck von Bewegung verstärkt werden.

300 mm, f/5,6, 1/60 s, 2000 ISO, Nikon D750

Im Vergleich zum Beispiel oben herrscht auf dieser Gegenlichtaufnahme eine viel weichere Lichtstimmung. Die schwache Beleuchtung des Himmels am Tagesende reichte aus, um die Silhouette dieses kleinen Argus wirkungsvoll in Szene zu setzen.

150 mm, f/4, 1/2000 s, 100 ISO, Nikon D700

Nebel

Nebel und Diesigkeit sind meteorologische Phänomene, die auf die Kondensation des Wassers zurückzuführen sind. Sie entstehen bei entsprechend hoher Luftfeuchtigkeit: Feinste Wassertröpfchen schweben in Bodennähe in der Luft.

Die schlechte Sicht, bedingt durch den Nebel, half mir dabei, diesen reizenden kleinen Baum freizustellen.

150 mm, f/3,2, 1/800 s, 100 ISO, Nikon D750

Spontan könnte man vielleicht vermuten, dass Nebel bei Fotografen nicht sonderlich beliebt ist, weil er die Sicht so stark einschränkt. In vielen Fällen stimmt das sicherlich, aber ich finde solche Umgebungsbedingungen extrem reizvoll. Der Nebel wirkt wie ein weißer, recht dichter Schleier, der die Vereinfachung der Aufnahmen erleichtert. Ähnlich wie Rauch erzeugt er außerdem eine geheimnisvolle Atmosphäre, die Spielraum für Interpretationen lässt.

Mit diesem Foto möchte ich Ihnen zeigen, dass der Nebel nicht unbedingt so dicht wie möglich sein muss, damit eine ausdrucksstarke Aufnahme entsteht. Hier erscheinen die Bildelemente im Vordergrund scharf und werden dann aufgrund des leichten Nebels bis zum Hintergrund immer verschwommener abgebildet. Das reicht schon aus, um eine geheimnisvolle und etwas beunruhigende Stimmung zu erzeugen.

50 mm, f/6,3, 1/100 s, 1000 ISO, Nikon D800

Diese Art von Aufnahme gefällt mir besonders gut – dank des Nebels wirkt sie rätselhaft und stimmungsvoll. Man stelle sich die gleiche Aufnahme bei schönem Wetter vor: Alle Pfosten und die Einzelheiten des Ackers sowie des Hintergrunds wären deutlich sichtbar gewesen. Wir hätten uns also sehr weit vom gewünschten einfachen Stil entfernt.

150 mm, f/2,8, 1/1250 s, 100 ISO Nikon D750

Natur

Die natürliche Umgebung ist für den Fotografen eine unerschöpfliche Spielwiese, die eine beispiellose Fülle von Formen zu bieten hat. Neben Aufnahmen der natürlichen Landschaft, die wir bereits angesprochen haben, gibt es noch unendlich viele weitere Möglichkeiten. Flora und Fauna halten eine Vielfalt von Motiven bereit, die sich besonders gut für Aufnahmen in einem minimalistischen Stil eignen.

Nahaufnahmen

Naturaufnahmen aus nächster Nähe sind ein spannendes, inspirierendes Tätigkeitsfeld. Besonders faszinierend finde ich daran, dass man in der Natur auf kleinstem Raum unendlich viele Entdeckungen machen kann. Auch die Vereinfachung der Komposition fällt bei diesen Motiven häufig leichter, denn je näher man herangeht, desto geringer ist die Schärfentiefe (also der Bereich der akzeptablen Schärfe). Bei Detailaufnahmen der Natur werden die Bildelemente im Vorder- und Hintergrund unweigerlich unscharf abgebildet, was die Freistellung des Hauptmotivs gegen seine Umgebung deutlich vereinfacht.

Dieser kleine Pilz misst eigentlich nicht mehr als ein oder zwei Zentimeter. Die Aufnahme fällt also ganz klar in den Bereich der Makrofotografie. Die Schärfentiefe war folglich sehr gering, was die Vereinfachung der Komposition deutlich erleichterte.

150 mm, f/3,5, 1/250 s, 1000 ISO, Nikon D700

Einfache Regentropfen, mit der Kamera nah herangeholt, eignen sich hervorragend als minimalistisches Motiv.

150 mm, f/6,3, 1/200 s, 220 ISO, Nikon D800

Zur Information: Man unterscheidet zwischen Nah- und Makrofotografie. Wird das Objekt in seiner tatsächlichen Größe (1:1), doppelt so groß (2:1), drei Mal so groß (3:1) usw. auf dem Sensor dargestellt, dann befinden wir uns im Bereich der »Makrofotografie«. Bei geringerer Vergrößerung, beispielsweise bei einer Abbildung, die halb so groß ist wie die natürliche Größe eines Gegenstandes (1:2 bis 1:10), spricht man von »Nahfotografie«. Danach beginnt der sogenannte »Normalbereich«.

Diese Spinne war winzig. Deshalb musste ich die Blende meines Objektivs bis auf f/13 schließen, damit noch einige Details des Spinnennetzes bewahrt wurden. Ich wollte diese kunstfertige Falle, die das kleine Lebewesen konstruiert hatte, unbedingt angemessen in Szene setzen.

150 mm, f/13, 1/250 s, 1000 ISO, Nikon D870

Als sich diese Libelle (Calopteryx) auf einem Schilfblatt niederließ, ergriff ich die Gelegenheit beim Schopf, um ein schlichtes Foto im Zen-Stil aufzunehmen.

150 mm, f/3,5, 1/1000 s, 100 ISO Nikon D800

50 mm, f/7,1, 1/100 s, 180 ISO, Nikon D750

150 mm, f/3,5, 1/100 s, 140 ISO, Nikon D800

Diese beiden Aufnahmen werden zusammen gezeigt, denn sie haben beide das gleiche Hauptmotiv. Allerdings unterscheiden sich die Kompositionen deutlich voneinander. Auf dem ersten Bild beruht die grafische Wirkung auf den Wiederholungen, während das zweite Foto mehr Raum für Stimmung und Interpretation lässt.

Vögel

Da ich kein Experte auf dem Gebiet der Tierfotografie bin, kann ich Ihnen an dieser Stelle keine repräsentativen Beispiele für die Fauna Mitteleuropas liefern. Allerdings kommt es wie bei jedem Fotografen auch bei mir vor, dass mir ein Vogel nah genug vor die Linse gerät und ich ihn fotografiere. Im Gegensatz zu einem Naturfotografen versuche ich dann aber nicht, das Tier möglichst detailliert abzubilden. Stattdessen konzentriere ich mich darauf, auch seine Umgebung ins Bild zu rücken und/oder ein einfaches, ausdrucksstarkes Bild aufzunehmen.

Als ich diesen auf einem Zweig sitzenden Spatz bemerkte, stand ich zu weit entfernt für einen kleineren Ausschnitt. Ich nutzte diese Situation trotzdem zu meinem Vorteil, indem ich in der Komposition viel Raum für die Zweige in der unmittelbaren Umgebung des Vogels ließ.

200 mm, f/6,3, 1/1000 s, 400 ISO, Nikon D300

Im Gegensatz zum vorherigen Bild konnte ich hier nah genug an die Kohlmeise herangehen, um sie groß abzubilden. Dieses Bild wählte ich aufgrund des besonderen Ausschnitts aus. Normalerweise wird dazu geraten, das Hauptmotiv so anzuordnen, dass der Körper zur Bildmitte hin ausgerichtet ist. Hier stört es jedoch nicht weiter, dass der Vogel in die entgegengesetzte Richtung schaut, weil der Körper in sich verdreht ist.

420 mm, f/5,6, 1/500 s, 100 ISO, Nikon D700

Ein Tier in freier Wildbahn muss man nicht unbedingt aus nächster Nähe und in allen Einzelheiten darstellen. Diesen Kormoran fotografierte ich am frühen Morgen, als er gerade zur Landung auf dem Wasser eines Sees ansetzte.

300 mm, f/8, 1/640 s, 125 ISO, Nikon D800

Hier zur Abwechslung ein nicht so scheuer Vogel, der häufig an heimischen Flüssen und Seen anzutreffen ist. Eine solche Wasserlandschaft bietet die Möglichkeit, den Hintergrund hell und einheitlich zu gestalten. Für diese Ansicht wartete ich geduldig ab, bis sich der Schwan schüttelte und seine Flügel ausbreitete.

85 mm, f/2,8, 1/4000 s, 125 ISO, Nikon D800

Bäume

Die Form von Bäumen und Sträuchern hat mich schon immer fasziniert, insbesondere in der kalten Jahreszeit, wenn die Zweige keine Blätter mehr haben und ihre Umrisse zeigen. Bäume haben eine fraktale Struktur, das heißt, sie wachsen, indem sie sogenannte selbstähnliche Formen ausbilden. Genauer gesagt wiederholt sich die Struktur des Stammes und der Zweige in anderen, kleineren Zweigen und Ästen usw. immer weiter. Die Formen sind also auf unterschiedlichen Ebenen immer wieder gleich. Dieses einfache und zugleich komplexe Motiv passt optimal zur minimalistischen Fotografie.

Wenn die Bäume in der kalten Jahreszeit ihre Blätter abwerfen, treten ihre Strukturen zutage. Im starken Gegenlicht hob sich die Form dieser alten Eiche gut vom Hintergrund ab.

28 mm, f/8, 1/60 s, 110 ISO, Nikon D800

Achten Sie auf diesen ungewöhnlichen Ausschnitt: Die Symmetrie des jungen Baums bleibt verborgen. Stattdessen liegt der Schwerpunkt der Komposition auf der Wiederholung der Formen der Zweige und Äste.

85 mm, f/3, 1/400 s, 220 ISO, Nikon D750

Abschließen möchte ich diesen Abschnitt über die Naturfotografie mit einer ruhigen, poetischen Aufnahme. Es handelt sich hier um junges, sprießendes Schilfrohr in einem kleinen See an der Küste. Ich wählte den Blickwinkel so, dass ich die Spiegelung der Pflanze im Wasser gut sehen konnte.

150 mm, f/3, 1/2500 s, 100 ISO, Nikon D800

Eine minimalistische Fotoserie

Als Leser dieses Buches sind Sie sicherlich ein passionierter Fotograf, der sich weiterbilden und seinen eigenen Stil, seine Handschrift finden möchte. Ein gutes Mittel, um sich von der breiten Masse abzuheben und eine eigene fotografische Identität zu entwickeln, ist die langfristige fotografische Beschäftigung mit einem bestimmten Thema. Ganz gleich, ob es sich dabei um eine Landschaft, einen Gegenstand, eine Sportart oder um eine Gemüsesorte handelt – es gibt unendlich viele Möglichkeiten. Denken Sie darüber nach, bei welchen Sujets Sie ganz automatisch zur Kamera greifen, und versuchen Sie sich noch intensiver damit zu beschäftigen. Wenn Sie ein passendes Thema gefunden haben, können Sie mit der folgenden Methode Ihre Kreativität ankurbeln (diese Methode funktioniert natürlich nicht nur bei einer Fotoserie, sondern auch bei der Aufnahme von Einzelbildern).

1. Zuallererst müssen Sie eine Herangehensweise festlegen. Ist Ihr Thema beispielsweise der Eiffelturm, dann müssen Sie in diesem Schritt genau beschreiben, welchen Schwerpunkt Sie im Zusammenhang mit diesem Motiv setzen wollen: Möchten Sie beispielsweise seine Größe hervorheben? Oder die komplexen technischen Aspekte seiner Konstruktion? Seinen Symbolcharakter? Die Faszination, die er auf die meisten Leute ausübt? Und so weiter. Es liegt auf der Hand, dass sich die aufgenommenen Bilder je nach gewähltem Schwerpunkt voneinander unterscheiden werden, denn sie bringen Ideen zum Ausdruck und erwecken unterschiedliche Gefühle beim Betrachter.

2. In einem zweiten Schritt definieren Sie die »Vorgaben«. Das sind willkürliche, von Ihnen festgelegte Kriterien, die Ihre fotografische Handschrift ausmachen. Beispielsweise können Sie entscheiden, nur im quadratischen Format zu arbeiten, immer dasselbe Objektiv zu verwenden, nur bei voller Öffnung zu fotografieren, nur unscharfe Aufnahmen zu machen usw. Das mag auf den ersten Blick etwas abwegig scheinen, aber vielleicht wissen Sie, dass man die eigene Kreativität fördern kann, indem man sie in bestimmte Bahnen lenkt. Außerdem können Sie so Ihre Flexibilität unter Beweis stellen. Dieser Schritt spielt eine wichtige Rolle, denn er trägt dazu bei, dass Sie sich von der breiten Masse der anderen Fotografen abheben.

3. An dritter Stelle stehen Offenheit und die Bereitschaft, sich selbst infrage zu stellen. Je häufiger Sie fotografieren, desto schneller finden Sie Möglichkeiten, Ihre Arbeitsmethode weiterzuentwickeln. Sie werden sicher häufig über Ihr Thema nachdenken und dabei noch weitere Sichtweisen entdecken. Hören Sie auf Ihre innere Stimme, wagen Sie etwas und probieren Sie Neues aus.

Meine Serie am Strand

Ich kann mich glücklich schätzen: Ich wohne im Südosten Frankreichs, ganz in der Nähe der Mittelmeerküste. Das Thema »Strand« bot sich daher für eine Serie an, denn es passt sehr gut zu einem minimalistischen Ansatz.

In Kapitel 2 dieses Buches habe ich meine Ansichten zur Fotografie im Allgemeinen und zum Minimalismus im Besonderen beschrieben. Ich habe dort gesagt, dass man mit einem minimalistischen Ansatz die Schönheit in ganz alltäglichen, banalen Dingen zum Vorschein bringen kann. Das Meer scheint aber weder alltäglich noch banal – man könnte also meinen, dass sich diese Umgebung nicht wirklich als Motiv eignet. Aus meiner persönlichen Sicht ist jedoch genau das Gegenteil der Fall. Ein Bewohner einer kalten Gebirgsregion wird das Mittelmeer exotisch finden, und die Fotos, die er von diesem Motiv aufnimmt, spiegeln wahrscheinlich die Begeisterung und Faszination wider, die er beim Anblick dieser Umgebung empfindet; Aufnahmen von seiner heimischen Gebirgslandschaft, bei denen er ständig neue Sichtweisen finden müsste, fallen ihm dagegen sicherlich schwerer. Wenn man einmal längere Zeit in einem bestimmten Gebiet gewohnt hat, dann nimmt man die Schönheit der Region oft nicht mehr bewusst wahr. Sicherlich gehen oder fahren täglich Tausende von Menschen am Meer vorbei, ohne auch nur einen einzigen Blick zu riskieren oder die Umgebung zu beachten. An Motiven herrscht kein Mangel – auch wenn Sie weit weg von der Küste leben. Würde ich an einem anderen Ort wohnen, hätte ich also vielleicht eine Serie über einen Wald, einen See, einen Fluss, eine Wüste oder aber über eine Stadt, ein Viertel usw. gezeigt.

Das Meer scheint auf den ersten Blick ein einfaches Motiv zu sein, aber weit gefehlt! Schon viele Fotografen – darunter auch berühmte Künstler – haben sich mit diesem Sujet auseinandergesetzt. Aus diesem Thema etwas Besonderes herauszuholen, ist eine echte Herausforderung. Als das Motiv meiner Fotoserie feststand, legte ich einige Vorgaben fest:

1. Meine erste grundlegende Entscheidung bestand darin, nur im Hochformat zu fotografieren. Vor allem wollte ich mit der klassischen Postkartenansicht brechen, die bei Aufnahmen vom Meer so weit verbreitet ist.

2. Außerdem sollte der Bildwinkel groß sein, damit ich nicht nur das Meer und den Himmel ins Bild rücken konnte, sondern auch ein »Stückchen« Land. Prinzipiell wollte ich mit meinen Fotos zeigen, dass der Strand eine echte Grenze darstellt, eine Trennlinie, an der ein Lebensraum in einen anderen übergeht. Ich wollte das Motiv also aus der Sicht eines Menschen darstellen, der an der Wasserlinie angekommen ist, innehält und fasziniert auf die riesige Wasserfläche schaut.

3. Ich nahm die Fotos nicht im Sommer auf, denn ich wollte das Mittelmeer so zeigen, wie es die Touristen normalerweise nicht zu Gesicht bekommen.

4. Die Fotos sollten ausnahmslos in Farbe sein.

5. Außerdem beschloss ich, auf minimalistische Art und Weise an dieses Motiv heranzugehen, um eine ruhige, friedliche Stimmung zum Ausdruck zu bringen.

Diese Vorgaben sind das Ergebnis der wichtigsten Entscheidungen, die ich im Laufe des Projekts getroffen habe. Die Details dieses gedanklichen Prozesses möchte ich Ihnen ersparen, denn die Bildsprache, die unsere Identität als Fotograf ausmacht, ist sowieso immer in Bewegung und entwickelt sich ständig weiter. Unsere Wahrnehmung ist jedes Mal, wenn wir zur Kamera greifen, etwas verändert.

Ich hätte Ihnen hier Hunderte von Bildern präsentieren können, was jedoch den Rahmen dieses Buches sprengen würde. Die Fotos auf den folgenden Seiten habe ich ausgewählt, weil sie das Thema des Buches veranschaulichen und viele jener Methoden illustrieren, die ich bereits angesprochen habe. Meine Fotoserie besteht aus eigenständigen Bildern, die jedoch zusammen eine Geschichte erzählen. Der Betrachter kann sich darin in aller Ruhe wiederfinden, seine Gefühle und persönlichen Erfahrungen einbringen und die Geschichte für sich deuten. Darin liegt meiner Ansicht nach die größte Kraft der minimalistischen Bildsprache: Sie deutet an und gibt nichts vor, und sie lässt Spielraum für eigene Interpretationen.

85 mm, f/2, 1/15 s, 12800 ISO, Nikon D800

85 mm, f/9,1/200 s, 1400 ISO, Nikon D800

300 mm, f/9, 1/4000 s, 100 ISO, Nikon D800

Diese drei Fotos stehen am Anfang der Serie. Für mich stellen sie das Meer auf einfachste Art und Weise dar. Die Analogie der Kompositionen springt sofort ins Auge: Die Aufnahmen sind in zwei Bereiche (Wasser und Himmel) unterteilt und die Horizontlinie befindet sich bei allen an der gleichen Stelle. Jedes der drei Bilder bringt jedoch eine andere Stimmung zum Ausdruck.

Auf dieser Ansicht sieht man das Meer unscharf hinter einer Glasscheibe, die gleichzeitig die Grenze zwischen unserer Welt und der Meeresumgebung symbolisiert. Mithilfe der Wassertröpfchen auf der Scheibe sorgte ich für Struktur.

85 mm, f/14, 1/200 s, 1000 ISO, Nikon D800

28 mm, f/2,5, 1/8 s, 50 ISO, Nikon D800

28 mm, f/16, 1 s, 50 ISO, Nikon D800

Bei diesen beiden Fotos stellte ich eine etwas längere Belichtungszeit ein, damit das Wasser leicht unscharf abgebildet wurde und die Kieselsteine im Vordergrund besser zur Geltung kamen. Bei der ersten Aufnahme wählte ich eine größere Blendenöffnung, um die Schärfentiefe zu reduzieren.

28 mm, f/8, 13 s, 100 ISO, Nikon D800

28 mm, f/10, 20 s, 200 ISO, Nikon D700

Viele Gegenstände werden an den Küsten angespült. Auch Treibholz ist beispielsweise ein beliebtes Motiv.

Kormorane leben an der Küste; diese Vögel haben eine beeindruckende Größe. Um sich zu ernähren, tauchen sie unter Wasser nach Fischen. Wenn sie satt sind, suchen sie sich ein trockenes Plätzchen und breiten ihre Flügel aus, damit ihre Federn wieder trocknen. Ich hatte Glück, denn dieses Exemplar setzte sich dazu auf einen schönen Felsen.

150 mm, f/5, 1/320 s, 280 ISO, Nikon D800

Hier waren mir zwei einfache, unterschiedlich lange Schilfrohrstangen aufgefallen, die vertikal auf der rechten Seite der Aufnahme angeordnet sind; sie halten den Blick fest und lenken ihn auf die stimmungsvolle Meeresumgebung im Hintergrund.

28 mm, f/2, 1/100 s, 5000 ISO, Nikon D700

Diese Komposition ist komplett anders. Das verrostete Zaunelement unten links sorgt für Tiefe und lenkt den Blick des Betrachters in den oberen Bereich der Aufnahme. Auf diesem und dem vorherigen Bild wird zum ersten Mal in der Fotoserie die Gegenwart von Menschen angedeutet, und zwar durch eine Handlung (das Aufstellen der beiden Schilfgrasstangen) und durch ein Objekt (den verrosteten Zaun).

28 mm, f/8, 30 s, 50 ISO, Nikon D750

Mit diesem Beispiel soll veranschaulicht werden, dass an das Hochformat ganz anders herangegangen wird als an das Querformat. Boote sieht man beispielsweise sehr häufig auf querformatigen Aufnahmen von der Seite. Dieser Katamaran wird dagegen von vorne gezeigt; sein Mast ist der Dreh- und Angelpunkt der Komposition.

85 mm, f/2,2, 1/5000 s, 100 ISO, Nikon D800

Bei einem Spaziergang am frühen Morgen bemerkte ich diese Frau, die ganz fasziniert auf das Meer hinausschaute. Die Farbe ihres Kleides passte gut zur rötlichen Lichtstimmung der Tageszeit. Mit diesem Foto assoziiere ich Weitblick, Stolz und Hoffnung, weil die ältere Frau in aufrechter Haltung dasitzt und mit festem Blick in die Ferne schaut.

85 mm, f/2,5, 1/5000 s, 100 ISO, Nikon D700

Das Thema dieser beiden Bilder ist das Fischen; ich nutzte das schwache Licht der Abenddämmerung, um die Fotos zu vereinfachen. Zu dieser Tageszeit färbt sich der Himmel häufig gelb-orange.

28 mm, f/3,2, 1/60 s, 2000 ISO, Nikon D700

85 mm, f/2,8, 1/800 s, 2000 ISO, Nikon D700

5Die Nachbearbeitung

Die Nachbearbeitung der Fotos ist natürlich unverzichtbar, aber ich muss zugeben, dass dieser Arbeitsschritt nicht zu meinen liebsten gehört. Fotografie – das heißt für mich, mit der Kamera unterwegs zu sein, nicht aber, stundenlang am Computer zu sitzen. Sicher auch aus diesem Grunde wähle ich meinen Ausschnitt und die Belichtungseinstellungen bereits während der Aufnahme sehr sorgfältig aus. Trotzdem ermöglicht eine präzise und angemessene Nachbearbeitung die weitere Optimierung der Aufnahme; in gewisser Hinsicht interpretiert man dadurch die Abbildung.

Die Nachbearbeitung lässt sich in drei größere Arbeitsschritte unterteilen: Editing, Entwicklung und Retusche. Darum geht es in diesem Kapitel.

Das Editing

Dieser Anglizismus bezeichnet einen Arbeitsschritt, den jeder Fotograf mehr oder weniger bewusst nach seiner Rückkehr von einer Aufnahmesitzung und nach dem Herunterladen der Fotos auf die Festplatte des Computers durchläuft: die Sichtung und Sortierung der aufgenommenen Bilder. Der mit vielen internationalen Preisen ausgezeichnete Künstler Eric Bouvet hat es einmal so ausgedrückt: »Der beste Freund des Fotografen ist der Papierkorb.« Wenn man in einem Portfolio ausgezeichnete Bilder neben weniger gut gelungenen präsentiert, dann schwächt man damit den Gesamteindruck der eigenen Arbeit, und das ist schade.

Das Editing zählt nicht gerade zu den einfachsten und angenehmsten Arbeitsschritten. Man muss selbstkritisch genug sein, um nur die besten Bilder auszuwählen. Helfen kann dabei die Einteilung in drei übergeordnete Kategorien der Aufnahmen:

- Gelungene Fotos: Sind die Bilder geglückt, gibt es natürlich kein Problem. Wir speichern diese Bilder sicher ab und gehen dann zum nächsten Schritt über (Entwicklung).

- Durchschnittliche Fotos: Sie bereiten uns das größte Kopfzerbrechen, denn letzten Endes sind sie nicht gelungen. Schwierig ist die Beurteilung dieser Fotos deshalb, weil wir viel Zeit mit der Entwicklung einer Idee, dem Ausprobieren von Blickwinkeln und originellen Kompositionen verbracht haben. Deshalb hängen wir an diesen Bildern und wünschen uns, dass sie perfekt sind. Im Zweifel sollten Sie diese Fotos in einem eigenen Ordner ablegen und später erneut prüfen. Sind Sie sich dann immer noch nicht sicher, bleibt eigentlich nur der Papierkorb.

- Missglückte Fotos: Bei diesen Bildern ist der Fall eigentlich klar. Bevor man sie jedoch endgültig löscht, sollte man sie genau prüfen und herausfinden, warum sie missglückt sind. Möglicherweise können diese Aufnahmen einige Fragen beantworten: Ist die Scharfeinstellung misslungen? War die Idee nicht gut genug? Oder die Komposition? Wurde zu spät auf den Auslöser gedrückt? Oder zu früh? So finden Sie heraus, was Sie in Zukunft anders machen müssen, und können aus Ihren Fehlern lernen.

Entwicklung von RAW-Dateien

Bei der Entwicklung geht es um die Bearbeitung der RAW-Datei aus der Kamera mithilfe einer speziellen Software, um bestimmte Einstellungen anzupassen und die Aufnahme in ein gängiges Bilddatenformat umzuwandeln.

Das JPEG-Format

Digitalkameras bieten unterschiedliche Formate zur Speicherung von Bildern. Am weitesten verbreitet ist das JPEG-Format (.jpg), das von allen PCs, Tablets und sogar Smartphones gelesen werden kann, weil es ein direktes Bild liefert. Für diesen Vorteil muss man jedoch einen Preis zahlen: Die Daten werden komprimiert, sodass nur ein kleiner Teil der aufgenommenen Informationen zur Verfügung steht. Wenn Sie das Foto im JPEG-Format aufnehmen, interpretiert Ihre Kamera die Abbildung eigenständig und legt bestimmte Einstellungen selbsttätig fest (Weißabgleich, Belichtung usw.). Die Möglichkeiten der Korrektur bleiben also in diesem Format beschränkt und Ihr Bild verliert bei jeder Bearbeitung an Qualität und Detailgenauigkeit.

Das RAW-Format

Bei einer Aufnahme im RAW-Format (in Form von Rohdaten) steht ein größerer Spielraum für Korrekturen zur Verfügung, aber Sie müssen die Datei zuerst »entwickeln«. Deshalb vergleicht man das RAW-Format auch manchmal mit einem (digitalen) »Negativ«. Die Arbeitsschritte lassen sich tatsächlich (in gewissem Umfang) mit den Korrekturen in einer Dunkelkammer vergleichen. Der einzige Nachteil dieses Formats ist die erforderliche große Speicherkapazität: Man braucht eine Festplatte mit viel Speicherplatz, denn die RAW-Dateien sind viel größer als JPEG-Dateien.

Zur Entwicklung von RAW-Dateien gibt es sogenannte RAW-Konverter. Diese Softwareprogramme wandeln die Daten in JPEG- oder TIFF-Bilder um (das TIFF-Format ist kompressionslos, sodass viel mehr Informationen bewahrt bleiben, aber die resultierenden Dateien sind ebenfalls viel größer als bei JPEG). Auf dem Markt erhältlich sind spezifische Programme der Kamerahersteller (beispielsweise DPP für Canon) und universell einsetzbare Software (Lightroom, DxO OpticsPro, usw.), manche davon kostenlos, andere wiederum sehr teuer. Das Programm, das aktuell die beste Leistung und Flexibilität für Fotografen bietet, ist Lightroom (falls Sie sich dafür interessieren, empfehle ich Ihnen das Buch Lightroom CC von Frank Treichler, Kyra Sänger und Christian Sänger, erschienen bei dpunkt). Werfen wir nun einen Blick auf die wichtigsten Einstellungen zur Entwicklung Ihrer Dateien.

- Weißabgleich: Anpassung der Farben und Korrektur von Farbstichen. Bei diesem Schritt der Nachbearbeitung geht es um die Farbtemperatur, die in Kelvin angegeben wird. Wenn man die entsprechenden Regler an den extremen Enden verstellt, erhält man entweder nur warme (Gelborangestich) oder nur kalte Farben (Blaustich). Im Allgemeinen wird man hier versuchen, die Lichtstimmung, die man im Moment der Aufnahme wahrgenommen hat, zu bewahren oder sogar zu verstärken. Übrigens liegt die Farbtemperatur von Kunstlichtlampen bei etwa 3000 K; das Tageslicht hat an einem sonnigen Tag bei wolkenlosem Himmel 6500 K und an einem trüben Tag etwa 9000 K.

- Belichtung: bei Bedarf Aufhellung oder Abdunkelung der Abbildung

- Kontrast: Änderung der Helligkeitsverteilung einer Aufnahme

- Sättigung: Änderung der Sättigung einer oder mehrerer Farben. Diese Werkzeuge sollten allerdings sparsam eingesetzt werden, denn das Ergebnis wirkt ansonsten möglicherweise unnatürlich.

Hier ein Beispiel für ein Foto, bei dem ich die Farbtemperatur verändert habe. Das eine zeigt sogenannte »kalte« Farben, während das andere überwiegend »warme« Farbtöne aufweist.

50 mm, f/8, 1/2500 s, 1000 ISO, Nikon D700

- Anpassung der Tiefen und Lichter: Wiederherstellung der Details in den Lichtern oder Tiefen innerhalb der Möglichkeiten Ihres digitalen Sensors. Diese Korrekturmöglichkeit kann sich beispielsweise zur Aufhellung von dunklen Bildpartien bei leichtem Gegenlicht als nützlich erweisen.

- Reduzierung des digitalen Rauschens: Sicherlich kennen Sie das Phänomen, dass die Aufnahme bei zu hoher ISO-Zahl unangenehm körnig, also »verrauscht« wirkt. Mit einem modernen, leistungsstarken Softwareprogramm lässt sich das digitale Rauschen sehr effizient bei der Nachbearbeitung verringern.

Dieses alte Auto nahm ich bei recht starkem Gegenlicht auf. Bei der Nachbearbeitung am Computer konnte ich die Informationen in den Schatten und Lichtern wiederherstellen; das Ergebnis ist weniger kontrastreich.

28 mm, f/2,2, 1/1000 s, 100 ISO, Nikon D800

Die Bildretusche

Zur Bedeutung des Wortes »Retusche« scheint einige Verwirrung zu herrschen. Die Begriffe »Retusche« und »Entwicklung« werden manchmal durcheinandergebracht: Wie bereits beschrieben, betrifft die Entwicklung bestimmte Anpassungen und Korrekturen; mit Retusche meine ich dagegen die Änderung der Form und/oder des Aussehens der dargestellten Bildelemente.

Letzterer Arbeitsschritt ist in der Fotografie nicht unbedingt notwendig. In vielen Fällen lasse ich die Retusche einfach weg – für mich bedeutet das häufig einen Vorteil, denn dadurch spare ich viel Zeit.

Manche RAW-Konverter bieten auch Funktionen zur Durchführung von kleineren Retuschen, vor allem zur Korrektur von Objektivfehlern. Alle Objektive neigen mehr oder minder stark zu Verzeichnungen; verzeichnungsfrei sind nur ganz besonders hochwertige Objektive, und diese haben dann einen entsprechenden Preis. In vielen RAW-Konvertierungsprogrammen sind die Eigenschaften verschiedener Objektive in einer Datenbank gespeichert; auf der Grundlage dieser Daten können bestimmte Objektivfehler korrigiert werden, wie beispielsweise Verzerrungen, chromatische Aberrationen (Unschärfen und Farbsäume an den Kanten von kontrastreichen Bildelementen und/oder an den Bildrändern) oder Vignettierungen (Abdunkelung der Bildecken).

Eine weitere häufig eingesetzte Funktion ist die Korrektur der Perspektive. Manchmal – und insbesondere bei Architekturaufnahmen – reicht die Korrektur des Objektivs nicht aus, um die Perspektive richtig wiederzugeben. Dieser Abbildungsfehler lässt sich mit bestimmten Softwareprogrammen aber später noch beheben. Man verstellt einfach so lange die unterschiedlichen Schieberegler, bis man mit dem Ergebnis zufrieden ist.

Werkzeug zur Perspektivkorrektur wie beispielsweise in Lightroom

Die Genres, die man am ehesten mit Bildretuschen in Verbindung bringt, sind sicherlich die Mode- und die Porträtfotografie: Bei der Nachbearbeitung werden Schönheitsfehler der Haut der Models (Falten, Pickel usw.) beseitigt oder sogar ein paar Pfunde weggeschummelt. Aber der Eingriff in den Bildinhalt kann sogar noch weiter gehen. Wenn Ihnen beispielsweise auf einer Aufnahme der Himmel nicht gefällt, können Sie ihn einfach austauschen. Oder Sie fügen ein Bildelement hinzu, das auf dem Original gar nicht vorhanden war usw. Ich habe weiter oben bereits angedeutet, dass ich so wenig wie möglich auf spezielle Bildbearbeitungsprogramme zurückgreife (die bekanntesten sind Photoshop und Gimp). Wenn allerdings beispielsweise ein überflüssiges Objekt meine Komposition stört, dann entferne ich zur Vereinfachung der Abbildung dieses Bildelement mit einem geeigneten Werkzeug eines solchen Bildbearbeitungsprogramms.

Anhand dieses ansonsten nicht sehr aussagefähigen Fotos möchte ich Ihnen zeigen, welche Bildwirkung man mit einer Entzerrung der Perspektive erreichen kann. Hier wurden die Winkel des Gebäudes im Vordergrund trotz einer längeren Brennweite (70 mm) nicht so gerade wiedergegeben, wie sie in Wirklichkeit waren. Mit einer manuellen Korrektur konnte ich das Problem beheben.

70 mm, f/8, 1/160 s, 140 ISO, Nikon D750

Auf die hier gezeigte Weise greife ich recht häufig in den Bildinhalt ein. Unten links knapp oberhalb der Horizontlinie sieht man ein paar Baumwipfel, die ich mit einem Bildbearbeitungsprogramm entfernte. Mit solchen Kleinigkeiten steht und fällt manchmal der Erfolg einer Aufnahme.

50 mm, f/8, 1/1000 s, 200 ISO, Nikon D700

Um Ihnen eine weitreichendere Bearbeitung zu demonstrieren, habe ich alle Personen im Hintergrund der Aufnahme entfernt, wodurch die Komposition noch stärker vereinfacht wurde.

300 mm, f/7,1, 1/640 s, 400 ISO, Nikon D300

Es gibt noch weitere Möglichkeiten der Bildretusche. Daher sprengt es sicherlich den Rahmen dieses Buches, das Thema erschöpfend zu behandeln (so spannend es auch sein mag). Um alle Möglichkeiten zu beschreiben, die diese Werkzeuge bieten, müsste man wahrscheinlich gleich ein zweites Buch schreiben … Manche Fotografen sind hervorragende Retuscheure und haben dieses Geschick zu ihrem Beruf gemacht. Sie fotografieren eigentlich gar nicht mehr, sondern setzen beispielsweise mehrere Aufnahmen zu einem einzigartigen Einzelbild zusammen. In diesem Fall handelt es sich meiner Ansicht nach nicht mehr um Fotografie im engeren Sinne, sondern eher um Fotodesign.

BILDSCHIRM UND KALIBRIERUNG

Eine Notwendigkeit, die (leider) sehr häufig von den Fotografen ignoriert wird, ist die Kalibrierung des Monitors. Besitzer von mehreren Bildschirmen wissen sicherlich, dass die Farben der Fotos von Monitor zu Monitor unterschiedlich angezeigt werden. Manchmal ist die Diskrepanz sogar beträchtlich. Auch die Farben auf dem Ausdruck des Fotos unterscheiden sich häufig deutlich von denen, die der Fotograf bei der Aufnahme wahrgenommen und sorgfältig bei der Nachbearbeitung angepasst hat.

Damit die ursprünglichen Farben so weit wie möglich der Darstellung auf Papier entsprechen, greife ich auf spezielle Geräte zurück. Erstens verwende ich einen hochwertigen Bildschirm, der die Farben so wirklichkeitsgetreu wie möglich wiedergeben kann. Zweitens benutze ich ein Farbmessgerät zur Kalibrierung meines Monitors. Dabei handelt es sich um einen Sensor, der auf den Monitor aufgelegt wird und mithilfe von Software eine Verbesserung der Darstellung der Graustufen und Farben ermöglicht. Wenn Sie ein solches Gerät verwenden, können Sie bei Abgabe Ihrer Dateien im Fotofachlabor sicher sein, dass alle Farbnuancen des Ausdrucks der Darstellung auf Ihrem Monitor entsprechen.

Colorimeter der Hersteller ColorMunki (hier der ColorMunki Display) und Datacolor (hier der Spyder5) sind die Geräte der Wahl zur Kalibrierung des Monitors.

Formatwahl

Die Betrachtung eines Fotos ähnelt ein bisschen dem Blick durch ein Fenster – die Begrenzungen der Bildfläche entsprechen dem Fensterrahmen. Es gibt verschiedene Formate, mit denen man ganz unterschiedliche Bildwirkungen erzielen kann.

Querformat

Das Querformat ist besonders in der Landschaftsfotografie gängig und wird bei Weitem am häufigsten ausgewählt, vielleicht weil es am ehesten der Sicht der menschlichen Augen entspricht. Nicht wenige Fotografen verwenden sogar fast ausschließlich das Querformat. In diesem Zusammenhang interessant ist auch die Tatsache, dass alle Kameras auf querformatige Aufnahmen ausgelegt sind; im Hochformat liegt die Kamera längst nicht so gut in der Hand.

Die vertikale Ausrichtung entspricht unseren natürlichen Sehgewohnheiten viel mehr als das Hochformat, denn sobald wir morgens die Augen öffnen, präsentiert sich uns die Welt in einer Art großem horizontalem Rechteck. Diese Sichtweise wirkt für uns also vertrauter und natürlicher als das Hochformat, weil wir das Bild viel schneller erfassen können.

Das Querformat scheint besser für narrative Bildinhalte geeignet. Auch dies ist auf unseren tagtäglichen Seheindruck zurückzuführen. Fernsehbildschirme und Kinoleinwände sind beispielsweise ebenfalls horizontal ausgerichtet. Deshalb greift man ganz intuitiv auf dieses Format zurück, wenn man eine breite Ansicht komplett erfassen möchte. Dabei kann es sich um eine Landschaft handeln, aber auch um eine Bewegung: ein vorbeifahrendes Auto, ein laufender Fußgänger oder auch nur ein Blick in die Ferne.

150 mm, f/2,8, 1/4000 s, 100 ISO, Nikon D800

Das Querformat eignet sich besonders gut für Landschaftsaufnahmen, aber auch für andere Motive. Es wirkt außerdem beruhigend auf das Auge des Betrachters.

45 mm, f/3,5, 1/200 s, 100 ISO, Nikon D750

Hochformat

Das Hochformat verleiht der Aufnahme allgemein mehr Dynamik. Auch die Höhe eines Objekts lässt sich im Hochformat natürlich besser darstellen. Die vertikale Ausrichtung passt perfekt zur Architektur- oder Action-Fotografie, wenn die Bewegungen in dieser Richtung verlaufen – beispielsweise bei Aufnahmen von Menschen, die eine Treppe heraufsteigen. Auch die Tiefe einer Komposition kommt im Hochformat besser zur Geltung.

Bei der Betrachtung von vertikal ausgerichteten Aufnahmen wandert unser Blick tendenziell eher über die unterschiedlichen Ebenen des Fotos bis hin zum Horizont.

50 mm, f/7,1, 1/100 s, 2200 ISO, Nikon D800

85 mm, f/1,8, 1/200 s, 2500 ISO, Nikon D750

Mit vertikalen Aufnahmen lässt sich sehr leicht eine Raumwirkung erzeugen. Versuchen Sie dieses Format regelmäßig einzusetzen, denn viele Fotografen schöpfen das Potenzial dieses Seitenverhältnisses nicht aus.

Quadratisches Format

Dieses Seitenverhältnis war im 20. Jahrhundert das native Format vieler Kameras (beispielsweise der Rolleiflex). Dann wurde es erst einmal ruhiger darum, aber heute sieht man das quadratische Format wieder häufiger; dies ist auf den Einfluss von sozialen Netzwerken zurückzuführen, in denen überwiegend Fotos gepostet werden (Instagram). Manche Fotografen finden das Format mit seinen gleich langen Seiten uninteressant. Aber in der minimalistischen Fotografie entfaltet das quadratische Format sein ganzes Potenzial und wirkt alles andere als langweilig. Bestimmte Fotografen wie beispielsweise Michael Kenna arbeiten sogar ausschließlich mit diesem Seitenverhältnis.

Je nach Ausrüstung erfolgt das Fotografieren im quadratischen Format mehr oder weniger intuitiv. Bei vielen Kameras (beispielsweise SLRs) kann man es zwar nicht bereits bei der Aufnahme auswählen, aber andere neuere Modelle (spiegellose Systemkameras, Kompakte) bieten diese Option. Alle Fotografen, die nicht über diese Möglichkeit verfügen, müssen das Foto bei der Nachbearbeitung am Computer zuschneiden. In den meisten Fällen wird das quadratische Format also nicht bereits während der Aufnahme ausgewählt, sondern erst später am PC, wenn man entscheidet, welches Format am besten zur Aufnahme passt.

28 mm, f/16, 1/2 s, 50 ISO, Nikon D800

Das quadratische Format passt sehr gut zum minimalistischen Stil. Dieses Seitenverhältnis ist heute wieder sehr beliebt, Experimente damit lohnen sich also.

150 mm, f/4, 1/500 s, 100 ISO, Nikon D750

6Minimalistische Ansätze anderer Fotografen

Was Minimalismus nach landläufiger Auffassung bedeutet, ist sicherlich klar, aber aus nächster Nähe betrachtet verschwimmen die Grenzen dieses Stils und hängen sehr stark vom einzelnen Fotografen ab. Die bisher in diesem Buch gezeigten Bilder stehen also nur für meine persönliche Sichtweise und beschreiben meinen Blick auf die Welt, die mich umgibt. Am Ende dieses Buches möchte ich Ihnen Werke anderer Fotografen vorstellen, die mir sehr gut gefallen. Durch die Beschäftigung mit den Arbeiten dieser talentierten Künstler können Sie Ihren fotografischen Blick noch etwas mehr schärfen. Ich habe all diese Fotografen gefragt, was für sie ein minimalistisches Foto bedeutet; und jeder von ihnen stellt hier ein bis zwei Fotos vor, die repräsentativ für seine Arbeiten im minimalistischen Stil sind. Sie werden feststellen, dass es sogar innerhalb der Grenzen der minimalistischen Fotografie ebenso viele Sichtweisen gibt wie Fotografen, die diesen Ansatz verfolgen.

Andy Feltham

Andy Feltham ist ein englischer Fotograf aus Northampton. Seine Arbeiten beschreibt er selbst als »surrealistische Stadtlandschaften«. Nur wenige Monate, nachdem er 2010 mit dem Fotografieren begonnen hatte, wurden Webzines wie Yet Magazine, C41 Magazine oder Format Magazine auf Feltham aufmerksam. In Zukunft wird man sicherlich noch viel von ihm hören.

Website: www.andyfelthamphotography.com

Mithilfe der minimalistischen Fotografie interpretiere ich die Welt um mich herum und schaffe Ordnung im Chaos. Die Schlichtheit der Szene sorgt für Ausdrucksstärke und ermöglicht eine klare Kommunikation mit dem Betrachter.

Bei der Planung dieser Art von Aufnahmen verfolge ich mehrere Ansätze. Aus einer künstlerischen Perspektive ist die Motivwahl dabei die wichtigste Entscheidung. Aber auch die Anzahl der Bildelemente innerhalb der Komposition spielt eine Rolle: Gibt es zu wenige, wirkt das Bild flach oder sogar schlecht, sind es zu viele, ist das Foto weniger ausdrucksstark. Der Blickwinkel ist von entscheidender Bedeutung für die Harmonie des Ganzen: Kleinste Verschiebungen innerhalb des Ausschnitts können einen großen Unterschied ausmachen. Wenn mir ein interessantes Motiv ins Auge springt, mache ich daher meist mehrere Aufnahmen mit leicht veränderten Standpunkten, damit ich später das bestmögliche Foto auswählen kann.

Das Hauptmotiv nutze ich häufig dazu, Bildelemente, die nichts mit der Komposition zu tun haben, zu verdecken. Damit der Ausschnitt meinen Wünschen entspricht, muss ich deshalb manchmal eine kürzere Brennweite verwenden. Hat nicht Stephen Shore einmal gesagt, dass die Kamera gleichzeitig die Wahrheit sagen und lügen kann?

Die beiden Fotos, die ich hier vorstellen möchte, veranschaulichen meiner Ansicht nach meinen Ansatz sehr gut. »Great Yarmouth 3« beweist, wie wichtig die Anzahl der Bildelemente der Aufnahme ist. Wie es der Zufall wollte, tauchte ein Fischerboot am Horizont auf, als ich in einem Sumpfgebiet stand und an meiner Bildgestaltung arbeitete. Zunächst dachte ich etwas ärgerlich, dass ich jetzt warten müsse, bis das Boot wieder verschwunden sei, aber dann erkannte ich plötzlich, was dieses Detail zu meiner Komposition beitragen konnte. Ohne dieses Bildelement wäre das Foto wahrscheinlich auch geglückt, aber kein solcher Blickfang gewesen; dank des Bootes gehört das Bild nun zu meinen Lieblingsaufnahmen. Ein glücklicher Zufall.

Great Yarmouth 3 © 2016 Andy Feltham

Das zweite Foto, »Billy Bob’s 2«, entstand bei einem Abendessen mit meiner Familie und Freunden in einem Restaurant. Auf dem Parkplatz angekommen, bemerkte ich einen großen Hangar (das Gebäude sieht für mich zumindest so aus), der vollständig mit Plastikfolie umwickelt war. Diese surrealistische Szene musste ich einfach fotografieren. Im Ausschnitt sah ich ein Durcheinander von landwirtschaftlichen Maschinen zu beiden Seiten und Heuballen hinter dem Gebäude. Daher ging ich näher an den Hangar heran und hockte mich hin, um diese störenden Bildelemente verschwinden zu lassen. Dann wartete ich – mitten in einer Schlammpfütze – eine ganze Weile lang ab, bis etwas Sonnenlicht durch die Wolken fiel. Zu guter Letzt hatte ich die gewünschten minimalistischen Bilder im Kasten, musste dann aber mit nassen Füßen essen gehen!

Billy Bob’s 2 © Andy Feltham

Serge Najjar

Serge Najjar ist ein 42-jähriger libanesischer Fotograf aus Beirut. Er fotografiert nicht in Vollzeit, sondern nur am Wochenende. Der promovierte Jurist arbeitet als Anwalt. Nachdem er einige Bilder auf Instagram gepostet hatte, wurde er von mehreren Galerien kontaktiert (von der Galerie Tanit in München und Beirut und der Galerie Edelman in Chicago). Seither wurden seine Fotos in Einzelausstellungen und auf internationalen Kunstmessen gezeigt, beispielsweise auf der Paris Photo und Art Basel Miami Beach.

Website: www.instagram.com/serjios

Für mich ist ein minimalistisches Foto ein Bild, das mit einer einfachen, schlichten Komposition eine Botschaft vermitteln kann. Ich persönlich fotografiere immer gern Gebäude und Menschen zusammen, um eine Spannung zu schaffen, die zwischen Abstraktion und Wirklichkeit hin- und herpendelt. Auf jedem Bild versuche ich mehrere Faktoren miteinander zu kombinieren, beispielsweise geometrische Formen, Beleuchtung, Schatten, Farbkontraste oder gegensätzliche Strukturen, und das Ganze mit einer Prise Humor zu würzen. Ich arbeite nach den Prinzipien der Street Photography, denn ich kenne die fotografierten Personen nie und wähle den Aufnahmeort immer spontan aus.

Als junger Mensch habe ich mich sehr für moderne Kunst interessiert, für die Russische Avantgarde und den Konstruktivismus. Als ich vor sechs Jahren mit dem Fotografieren begann, richtete ich meine Kompositionen automatisch an meinem Kunstgeschmack aus; daher rührt der große Einfluss von Op-Art und geometrischen Abstraktionen auf meine Arbeit.

Das Foto mit dem Titel »Red Swipe« zeigt einen Mann, der zur »Reinigung« einer Fassade aus dem Fenster klettert; ich finde dieses Bild ebenso absurd wie lustig. Es entstand in Beirut, wo ich lebe und arbeite. Beim Anblick dieses Mannes habe ich mich zunächst gefragt, was er da macht. Ich konnte meinen Augen kaum trauen und fotografierte diesen Augenblick, ohne mir der Details der Szene wirklich bewusst zu sein: Der Effekt des Morgenlichts auf der roten Mauer, die Position des weiß gekleideten Mannes, der auf dem Foto für Räumlichkeit sorgt und einen Kontrast zur intensivroten Mauer bildet, sowie schließlich die Tatsache, dass der Mann aus einem Geräteraum herausklettert – was ich aufgrund der Leuchtknöpfe hinter ihm annehme –, lassen diese Szene umso merkwürdiger erscheinen. Bilder, die auf den ersten Blick ganz einfach wirken, sind manchmal sehr komplex. All diese kleinen Details steigern die Aussagekraft eines Fotos, sofern die Einfachheit der Aufnahme insgesamt und die übermittelte Botschaft nicht beeinträchtigt werden.

Red Swipe © Serge Najjar

Das zweite Foto zeigt einen Passanten in einem mit Tageslicht ausgeleuchteten Durchgang. Das Markante an dieser Komposition ist der starke Kontrast zwischen Schwarz und Weiß sowie zwischen den sehr grafisch wirkenden, hell ausgeleuchteten Bildpartien und den davon ausgehenden Fluchtlinien. Jedes Bildelement leistet seinen ganz eigenen, wichtigen Beitrag zu dieser Komposition. Das Foto erinnert ein wenig an die technischen Zeichnungen, die die Architekten seinerzeit noch von Hand anfertigten. Das Bild gehört zu einer Serie mit dem Titel »The Architecture of Light«, bei der ich Lichtbündel fotografiert habe, die eine Architektur aus Licht und Schatten »zeichnen«.

The Architecture of Light 2014 © Serge Najjar

Michel Lecocq

Der Fotokünstler und Schriftsteller Michel Lecocq wurde in Saint-Dizier, Frankreich, geboren. 1998 begann er zu fotografieren und stellt seine Bilder seit 2010 immer wieder in seiner Heimat und anderen europäischen Ländern aus. Heute widmet er sich mehr dem Schreiben, veröffentlicht aber auch weiterhin fotografische Arbeiten. Im April 2017 stellte er seine Bilder in Lissabon aus. 2011 gründete er zusammen mit seiner Frau ein Fotolabor für Fine-Art-Prints namens Tirage-Art.

Websites:

www.imago-michel.com – www.tirage-art.com – alterleo.wordpress.com

Mein minimalistischer Arbeitsstil hat sich im Laufe der Zeit aus einer Notwendigkeit und dennoch als ganz natürliche Entwicklung herausgebildet – bis dahin fand ich meinen Stil viel zu chaotisch. Mit meinen Bildern möchte ich den Beweis antreten, dass man viel mit wenig erreichen kann. Mit meinen minimalistischen Fotos erzähle ich eine fortlaufende Geschichte – die Bilder davor könnte man als Prolog bezeichnen.

In der minimalistischen Fotografie darf man Wagnisse eingehen und mit Ideen experimentieren, denn man erforscht auf der Reise durch die eigene Fantasie- und Traumwelt ganz unterschiedliche Wege. Der Betrachter scheint sich viel leichter in einem Foto wiederzufinden als bei jedem anderen Ansatz. Dieser Stil ist gleichzeitig ein Synonym für Reinheit, Ruhe, Reduzierung aufs Wesentliche und für Ausgewogenheit, weil der Künstler nur mit einigen geometrischen Formen und flüchtigen Andeutungen auf Hektik und Anspruchsdenken in der Außenwelt reagiert.

Das Farbfoto auf der gegenüberliegenden Seite oben, das auf der Halbinsel von Giens in Hyères-les-Palmiers aufgenommen wurde, stellt ein perfektes Beispiel für meinen minimalistischen Stil dar. Einziges Bildelement ist ein abschüssiger Betonvorsprung am Meer. Mit ein wenig Fantasie lässt sich diese Geschichte jedoch weiterspinnen. Die Umgebung und die Methode (Langzeitbelichtung) spielten wesentliche Rollen, zumal es sich um ein Farbfoto handelt. Sie sind als unverzichtbare Bestandteile der Aufnahme untrennbar mit der Botschaft verknüpft, die in das Bild eingebettet ist, und vermitteln den Wunsch nach einer Flucht in eine Traumwelt, in die der Besucher eintauchen kann.

Das Schwarzweißfoto ist ganz anders. Es wäre nur eine konventionelle Landschaftsdarstellung, wenn der Betrachter dieser einfachen Szene nicht auf eine Reise mitgenommen würde, die ihn aus der scheinbaren Komfortzone der unmittelbaren Umgebung und des gegenwärtigen Augenblicks heraustreten lässt. Das Foto entstand in der kleinen Bucht von Toulon im Departement Var.

Betonhai © Michel Lecocq

Kleine Bucht, große Bucht © Michel Lecocq

Bastien Riu

Bastien Riu ist ein 1991 geborener Fotograf aus dem französischen Departement Isère, der sich für Kunst und Natur begeistert; die natürliche Umgebung ist für ihn Wunder und Inspiration zugleich. Dank der Fotografie kann er beide Leidenschaften miteinander verbinden. Häufig fotografiert er in freier Wildbahn Tierarten, die man gut kennt. Der Fotograf möchte uns mit seinen Naturaufnahmen eine persönliche, poetische Sicht einer faszinierenden Märchenwelt näherbringen.

Website: www.bastienriu.com / Facebook: Bastien Riu-Photographer

Für mich ist die minimalistische Fotografie ein unaufdringlicher, poetischer Ansatz, mit dem ich das Wesentliche zum Vorschein bringen kann und den Betrachter nicht in eine bestimmte Richtung zwinge, denn er kann das Bild je nach seiner eigenen Gefühlslage interpretieren. In der Naturfotografie fällt das Fotografieren in bestimmten Beleuchtungssituationen und Jahreszeiten leichter: Ein bewölkter Himmel oder eine verschneite Ebene bietet ideale Bedingungen für Experimente mit einem minimalistischen Stil. Die Blaumeise unten wollte ich auf meine Weise in Szene setzen, indem ich als einzige Sitzmöglichkeit einen kleinen Zweig auf dem Wasser ins Bild rückte. Die Aufnahme ist meiner Ansicht nach minimalistisch, weil sie aufs Wesentliche reduziert ist und eine Geschichte erzählt. Sie fordert den Betrachter heraus und stellt Fragen (Wie und zu welchen Bedingungen war diese Aufnahme möglich?). Zudem finde ich sie aufregend und beruhigend.

Das Bild auf der gegenüberliegenden Seite zeigt zwei Bläulinge, die sich an einem Sommermorgen auf zwei Gräsern die Flügel wärmen. Die Schmetterlinge sollten auf den ersten Blick wie zwei Blumen wirken und erst bei genauerer Betrachtung als Insekten erkennbar sein.

Blaumeise © Bastien Riu

Blaue Blumen © Bastien Riu

Vincent Munier

Vincent Munier wurde 1976 geboren. Der französische Fotograf stammt aus den Vogesen, und diese Region inspirierte ihn auch zu seinen ersten Aufnahmen. Dank der Auszeichnung als BBC Wildlife Photographer of the Year in drei aufeinanderfolgenden Jahren (2000, 2001 und 2002) konnte er sich einen Namen als international anerkannter Tierfotograf machen. In zahlreichen Dokumentationen von Schauplätzen auf der ganzen Welt zeigt er seither die Schönheit der unberührten Natur und rückt bedrohte Tierarten in den Blickpunkt.

Websites: http://vincentmunier.com – http://www.kobalann.com

Ich bin ein stiller Beobachter: Letzten Endes verbringe ich mehr Zeit mit der Betrachtung der Umgebung durch mein Fernglas als mit dem Fotografieren. Seit Langem schon interessiere ich mich für den minimalistischen Stil, insbesondere wenn das Foto dadurch grafisch wirkt.

Weiße Flächen faszinieren mich – Schnee fördert diesen Ansatz ganz enorm. Dabei ist Weiß gar keine Farbe, sondern die Summe aller Farben. Ich sehe den Schnee nicht als Mantel, der sich über die Welt legt, sondern als eigenständiges Universum mit wilden Lebewesen, wo man sie nicht vermuten würde. Und nach einem Schneesturm ist alles Überflüssige weggefallen, und nur das Wesentliche bleibt übrig.

Ich glaube noch daran, dass diese Fotos die Schönheit der natürlichen Umgebung zum Vorschein bringen und die Menschen für die Gefahren sensibilisieren können, die die Natur bedrohen.

Das Foto der Schnee-Eule auf der gegenüberliegenden Seite, aufgenommen 2006 in Québec, kann als minimalistisch gelten: Alles ist weiß (der Himmel, der verschneite Boden und sogar das Gefieder des perfekt getarnten Vogels). Der Raubvogel ist wie eine Vase oder ein wertvoller Gegenstand mitten im Bild angeordnet, umgeben von ein paar Zweigen, die als einzige Bildelemente seine Konturen widerspiegeln. Das horizontal gestrichelte Gefieder dieses Weibchens bildet einen feinen Kontrast zur vertikalen Zeichnung, die man nur bei genauerem Hinsehen bemerkt. Leicht entgehen kann dem Betrachter auch die Tatsache, dass man den Vogel von hinten sieht: Sein Kopf ist um 180 Grad gedreht.

Bei der Betrachtung dieses Fotos fühlt man den eigenen Atem fließen; die Einfachheit (unbewegtes Motiv, fast keine Bildelemente) lädt zu einer meditativen Traumreise ein. Das Bild ähnelt schon fast einer Zen-Studie.

Schnee-Eule © Vincent Munier

Bibliografie

Zum Abschluss möchte ich Ihnen noch einige Bücher zum Thema Minimalismus oder zu ähnlichen Ansätzen empfehlen.

Forms of Japan, Michael Kenna, Verlag Prestel, 2015, 304 Seiten.

Michael Kenna: Rétrospective, Anne Biroleau, Editions de la Bibliothèque nationale de France, 2010, 231 Seiten.

Zebrato, Michael Levin, Dewi Lewis Publishing, 2008, 96 Seiten.

Minimum, John Pawson, Phaidon Press Ltd., 2003, 325 Seiten.

Early Color, Saul Leiter, Steidl Verlag, 2006, 176 Seiten.

Im eisigen Weiß, Vincent Munier, Verlag Knesebeck, 2016, 312 Seiten.

Solitudes I et II, Vincent Munier, Verlag Kobalann, 2013, 272 Seiten.

L’abstraction invisible, Bernard Plossu, Verlag Textuel, 2013, 224 Seiten.

Minutes to midnight, Trent Parke, Steidl Verlag, 2013, 96 Seiten.

The Garden at Orgeval, Paul Strand, Aperture, 2012, 96 Seiten.

Hokusai, Gian Carlo Calza, Verlag Phaidon, 2010, 520 Seiten.

Hiroshige: 1797-1858, Adele Schlombs, Taschen, 2007, 96 Seiten.

Die Düsseldorfer Photoschule, Stefan Gronert, Schirmer Mosel Verlag, 2017, 320 Seiten.